1910–1940 ｜ 抽象絵画の誕生の美術史クイズ！

抽象画が大きく広がったのは、20世紀初頭のことです。1910年代に入ると、カンディンスキー、クプカ、ロベール・ドローネーらが、風景や人物をそのまま再現することから離れ、色と形を中心にした作品を発表し始めました。1912年にはヨーロッパの複数の都市で、当時としては画期的な抽象絵画が公開されています。

誕生の年をひとつに決めるのは難しいところです。例えば、スウェーデンのヒルマ・アフ・クリントは1906年から、目に見えない世界を色や記号で表す大規模な作品群に取り組んでいました。抽象絵画は、一人の発明から一気に広まったのではなく、異なる場所の画家たちが、それぞれの理由で新しい表現を探した結果として形になっていったのです。（参照：MoMA｜Inventing Abstraction, 1910–1925 ／ グッゲンハイム美術館｜Hilma af Klint: Paintings for the Future）

抽象画には、花や山など実在するものの形を単純にした作品と、最初から具体的な対象を描こうとしない作品があります。前者では、木の枝や建物の輪郭が少しずつ線や色の面へ変わっていくこともあります。後者では、線の向き、色の組み合わせ、形の大きさや配置そのものが表現の中心になります。

例えば、赤い四角と青い四角を並べるだけでも、大きさや距離によって印象は変わります。整った配置なら落ち着いて見え、形が重なり合えば動きを感じることもあるでしょう。画家たちは、こうした画面の働きを独立した表現として探りました。抽象画を見るときは、まず「何の絵だろう」と考えながら、色や形の関係にも目を向けると、鑑賞の入口が広がります。（参照：MoMA｜Abstraction）

カンディンスキーはもともと風景や人物を描いていました。そこから次第に輪郭を大胆に変え、色や線が画面の中で生み出す動きに強い関心を向けるようになります。現実の姿を正確に伝えることに加えて、絵を見る人の心に働きかける表現を目指したのです。宗教的・精神的な思想や音楽への関心も、制作を支える大切な要素でした。

1913年の《即興31（海戦）》では、色の広がりと激しい線が目を引きます。よく見ると、船のマストや海戦を思わせる形も残っています。初期の抽象絵画には、このように現実の題材と抽象的な表現が重なっている作品も少なくありません。カンディンスキーの絵を見て、具体的な形が見つかったり、見つからなかったりすることも、その変化をたどる面白さのひとつです。（参照：ワシントン・ナショナル・ギャラリー｜Improvisation 31 (Sea Battle) ／ ポンピドゥー・センター｜Abstraction et musique）

音楽を聴くとき、私たちは必ずしも具体的な物語や風景を思い浮かべるわけではありません。音の高さや強さ、リズムの変化そのものに心を動かされます。20世紀初頭の画家たちは、絵画でも同じように、色や形の関係から感覚を生み出せるのではないかと考えました。カンディンスキーは音楽に深い関心を持ち、《即興》《コンポジション》などの言葉を作品名にも用いています。

チェコ出身のクプカも、音楽の仕組みを絵画の手がかりにした画家です。1912年の《二色のフーガ》では、赤と青を中心とした曲線が重なり、形が回転するようなリズムを生み出しています。「フーガ」は複数の旋律が展開していく音楽形式の名前です。色がそのまま音になるという意味ではなく、目で追う形の動きや繰り返しを、音楽になぞらえて考えたのです。（参照：ポンピドゥー・センター｜Abstraction et musique）

モンドリアンの代表作には、黒い直線で区切られた白い画面と、赤・青・黄の四角が登場します。彼は初めからこうした絵を描いていたわけではありません。樹木や海、建物を観察していた時期を経て、見えるものの複雑な姿を整理し、水平線と垂直線の関係へと表現を絞っていきました。風景の中で感じていた秩序やつり合いを、より単純な形で示そうとしたのです。

1917年には、テオ・ファン・ドゥースブルフらとともに「デ・ステイル」と呼ばれる活動に参加しました。モンドリアンが唱えた新造形主義では、線や色の関係を通じて、特定の場所や物に左右されない調和を探ります。四角の大きさ、線の長さ、白い余白の割合を見比べると、限られた要素の中に細かな工夫があることがわかります。（参照：MoMA｜Piet Mondrian）

モンドリアンは、画面を構成する色を次第に絞り込み、赤・青・黄の三原色と、白・黒・灰色を主に使うようになりました。自然界の微妙な色を再現するより、色同士の関係を明確にしたかったからです。同じ赤でも、隣に白い余白があるときと、黒い線や青い面があるときでは、見え方が変わります。

1921年の《赤、青、黒、黄、灰色のあるコンポジション》を見ると、色の面は画面いっぱいに均等に置かれているわけではありません。小さな色面と広い白い面、太さの異なる線が、緊張と安定の両方を生み出しています。モンドリアンにとって、この限られた色は単なる好みではなく、複雑な世界を整理しながら画面に調和をつくるための方法だったのです。（参照：MoMA｜Composition with Red, Blue, Black, Yellow, and Gray）

白い背景に黒い正方形が置かれたマレーヴィチの《黒の正方形》は、1915年に発表された抽象絵画の象徴的な作品です。マレーヴィチは、絵画が建物や人物などの対象を描かなくても、色と形そのものによって成立すると考えました。この方向性を「シュプレマティスム（至上主義）」と名付け、自然の姿から独立した新しい絵画を目指したのです。

《黒の正方形》が目指したのは、何かを黒く塗りつぶして隠すことではありません。風景や物語を取り除き、画面を成り立たせる最も基本的な要素を示そうとした試みでした。1915年の展覧会「0.10」では、色のついた幾何学形態が白い背景に浮かぶ作品も並びます。一見単純な四角形から、絵画の可能性を大きく広げようとしていたのです。（参照：MoMA｜Painterly Realism of a Boy with a Knapsack）

1915年の展覧会「0.10」で、《黒の正方形》は部屋の高い隅に掲げられました。ロシアの正教会文化では、家庭の部屋の隅に聖像（イコン）を置く習慣がありました。マレーヴィチは、その位置に黒い正方形を飾ることで、新しい絵画を特別な存在として示したのです。展示する場所そのものが作品の意味を伝える重要な要素になりました。

この作品は、伝統的な宗教画のように聖人の姿を描いてはいません。マレーヴィチは、対象を描く絵画の長い歴史を離れ、純粋な形から始まる表現の可能性を示そうとしました。当時の展覧会写真を見ると、黒い四角が他の抽象絵画の上方に置かれていたことがわかります。作品を見るときには、画面の中身に加えて、当時どのように展示されたかにも注目すると理解が深まります。（参照：ロシア美術館｜Black Square）

初期の抽象絵画には、筆の動きを感じさせる曲線や色の広がりを使う作品と、直線や円、四角形を組み合わせる作品があります。カンディンスキーの初期作品には色彩がぶつかり合うような表現が見られ、モンドリアンやマレーヴィチは、構成する形を厳しく絞り込む方法を探りました。画家たちが表現したいものや、絵画に求めた役割が異なっていたためです。

幾何学的な抽象は、直線や平面の関係を通じて秩序やバランスを考えるのに向いています。自由な線や色の広がりからは、動きや感情を強く感じることもあります。実際には、一人の画家の中でも表現が変化し、カンディンスキーも1920年代には円や直線を使った構成を深めました。抽象画を一つの決まった見た目として考えるより、画家ごとの違いを見比べると面白くなります。（参照：グッゲンハイム美術館｜Kandinsky, Several Circles）

いました。スウェーデンのヒルマ・アフ・クリントは、1906年から1915年にかけて《神殿のための絵画》という大規模な連作に取り組みました。渦巻きや円、文字のような記号を組み合わせた作品には、当時彼女が関心を寄せていた精神世界や自然観が表れています。制作時期の早さから、抽象絵画の歴史を考えるうえで重要な作家として再評価されています。

また、ソフィー・トイバー＝アルプは1910年代から幾何学的な形を用い、絵画だけでなく織物や舞台など幅広い分野で制作しました。初期の抽象芸術は多くの画家や異なる表現分野によって発展しています。アフ・クリントの抽象作品は長い間広く知られず、後年の展覧会を通して注目されるようになりました。美術史の見取り図も、新しい資料や研究によって少しずつ変わっていきます。（参照：グッゲンハイム美術館｜Hilma af Klint: Paintings for the Future ／ MoMA｜Sophie Taeuber-Arp）

抽象芸術を探った画家たちは、絵画の外にも可能性を見いだしました。1917年にオランダで始まった「デ・ステイル」には、画家だけでなく建築家やデザイナーも参加しています。直線や四角形、限られた色の組み合わせを、建物や家具、印刷物にも生かそうとしました。モンドリアンの絵と当時の家具を見比べると、共通する形の考え方が見えてきます。

1919年にドイツで創設されたバウハウスでも、美術とデザイン、工芸を結びつける教育が行われました。カンディンスキーやパウル・クレーらは、形や色の理論を教えています。抽象絵画で試された「少ない要素をどう組み合わせるか」という考え方は、身近な物のデザインにも広がりました。今見かける幾何学模様や色面の構成にも、こうした歴史を重ねて見ることができます。（参照：MoMA｜Neo-Plasticism ／ バウハウス・アーカイヴ｜Unterricht）

抽象画の前では、何かの形に見えるところを探してもいいですし、最初から色や線に目を向けてもかまいません。例えば、画面の端まで伸びる黒い線、少しだけずれた四角、隣り合う赤と青の面など、気になった部分を一つ見つけてみます。そこから視線を動かすと、同じ絵でも落ち着いて見える場所と、動きを感じる場所があることに気づくかもしれません。

次に、作品の題名や制作された時代を知ると、見え方が変わることがあります。カンディンスキーには音楽や精神性への関心があり、モンドリアンは直線と色による調和を追い、マレーヴィチは対象から独立した形を探りました。どの作品にも一つの正解が用意されているわけではありません。見たときの印象を手がかりに、画家がなぜその形を選んだのかを考えることが、抽象画を楽しむ入口になります。（参照：MoMA｜Abstraction）