英国ポップ

Pop Artというと、Andy WarholのCampbell’s Soup CansやMarilyn Monroe、Roy Lichtensteinのcomic imageryを思い浮かべることが多いかもしれません。しかし、戦後の大衆文化、広告、雑誌、商品、家電、映画、SF、都市生活を美術の中心的な問題として組織的に考え始めた動きは、1950年代前半のLondonですでに始まっていました。その中心がInstitute of Contemporary Artsで活動したIndependent Groupであり、Richard Hamilton、Eduardo Paolozzi、Lawrence Alloway、Reyner Banham、Nigel Henderson、Alison and Peter Smithsonらでした。

なかでもRichard Hamiltonは、英国ポップの成立を考えるうえで避けて通れない人物です。1956年の小さなcollage《Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?》は、美術史ではしばしば「最初のPop Art作品の一つ」、あるいは最初の象徴的なPop imageとして扱われてきました。Whitney Museumの作家記録も、このcollageを批評家や美術史家が最初期のPop Artとみなしてきたと紹介しています。

ただし、「最初」という言葉は慎重に使う必要があります。Hamilton以前にPaolozziは1947年のcollage《I was a Rich Man’s Plaything》で雑誌広告、pin-up、銃、Coca-Cola、そして吹き出しの中の「POP!」という文字を組み合わせ、1952年のIndependent Group最初期の会合では《BUNK!》seriesのimagesを投影しました。National Portrait Galleryは、この1947年作を美術作品内で「Pop」という語が用いられた非常に早い例として紹介しています。したがって、Pop Artを一人が一日に「発明した」と考えるより、Paolozziのcollage、Independent Groupの議論、Hamiltonの展覧会と作品、Allowayの批評が数年かけて一つの領域を形作ったと見る方が正確です。

Hamiltonが重要なのは、単に1956年に有名なcollageを作ったからではありません。彼は1955年の《Man, Machine and Motion》で飛行機、自動車、潜水、宇宙旅行など人間と機械の関係を写真展示として構成し、1956年《This is Tomorrow》では建築家John Voelcker、John McHaleと共同して、音、広告、映画、巨大image、商品文化を展示空間へ持ち込みました。そして1957年にはPop Artを「Popular、Transient、Expendable、Low cost、Mass produced、Young、Witty、Sexy、Gimmicky、Glamorous、Big Business」と特徴づけました。MoMAもこの記述をPop Artという概念の早い定式化として重視しています。

ここで重要なのは、英国ポップが当初から「商品をそのまま描く絵画運動」ではなかったことです。Independent Groupには画家だけでなく建築家、写真家、design critic、writerが参加し、雑誌、広告、映画、science fiction、車、家庭用品、新素材、都市計画、通信技術を同じ文化環境として議論しました。1956年の《This is Tomorrow》も、絵画を壁に並べる通常の展覧会ではなく、38人が12組に分かれ、建築・美術・designを横断して環境を作る共同企画でした。

英国側がAmerican popular cultureへ向けた視線にも独特の距離がありました。1950年代前半のBritainは、戦時期から続いた物不足と再建の記憶をまだ強く残しながら、テレビ、家電、自動車、広告、若者文化が急速に拡大する過程にありました。アメリカの雑誌に掲載された巨大冷蔵庫、豊かな居間、Hollywood star、新型自動車は、英国の日常そのものというより、到来しつつある未来の生活像として見える部分がありました。だから初期British Popには、消費文化への単純な賛美とも単純な批判とも違う、観察・欲望・距離・分析が同時に存在します。

1960年代初頭になると、状況は変わります。Royal College of ArtのDavid Hockney、Derek Boshier、Allen Jones、Peter Phillipsら若い世代が登場し、Peter BlakeやPauline Botyを含む作家たちは映画star、音楽、雑誌、商品packaging、sexuality、若者のfashionをより直接的に絵画へ取り込みました。National Portrait Galleryは、1961年のYoung Contemporaries展をこの新しいBritish Pop世代が公に現れた重要な出来事として位置づけています。

ただしHockney自身は、後年「当時Pop Artそのものにそれほど関心があったわけではない」と振り返っています。彼が重要なのは、Pop Artの教科書的な記号を忠実に守ったからではありません。Walt Whitmanの詩、同性愛、文字、商品packaging、Egypt、New York、Los Angeles、写真、透視図法、water surfaceなどを次々と自分の問題へ取り込み、Popという歴史的な場から急速に外へ広がったからです。

本記事では1952年のIndependent Groupから1967年のHockney《A Bigger Splash》までを一つの流れとして扱います。ただし、HamiltonからHockneyへ一直線に「影響」が伝わったという物語にはしません。1950年代のIndependent Groupと1961年以降のRCA世代の間には世代差があり、MoMAの研究も両者のつながりを単純な師弟関係ではなく、共通の文化環境を通した間接的な関係として捉えています。英国ポップは一つのstyleではなく、戦後のimage cultureを美術がどう受け止めるかという複数世代の実験だったのです。

American Popより前に何が起きていたのか

Warhol、Lichtenstein、OldenburgらがNew Yorkで大きく注目されるのは1960年代初頭です。それ以前のBritainでは、商品やmass mediaを完成したPop styleとして描くよりも、まずそれらを新しい文化環境として分析する議論が始まっていました。

Independent Group

Independent Groupは1952年から1955年にかけてLondonのICAを中心に活動しました。National Portrait Galleryは、広告、material possessions、technology、mass cultureを議論したこの集まりをPop Artの重要な前史と位置づけています。

ICAという場所

Institute of Contemporary Artsは伝統的な美術館とは異なり、美術、建築、design、film、音楽、思想を横断する場でした。Independent Groupの活動がここで行われたこと自体が、Popの出発点が絵画だけではなかったことを示しています。

画家だけの集団ではない

Richard Hamilton、Eduardo Paolozzi、Nigel Henderson、William Turnbullのようなartistsに加え、Lawrence Alloway、Reyner Banhamのようなcritics、Alison and Peter Smithsonのようなarchitectsが参加しました。専門分野を越えて新しい生活環境を考えることが活動の核でした。

大衆文化を「低い文化」として退けない

当時の美術界では広告、comic、popular magazine、Hollywood cinemaなどはしばしば高級美術より下位に置かれました。Independent Groupは、それらを軽蔑するより、現代人の視覚経験を実際に作っている重要なimageとして研究しました。

Allowayと文化の連続体

Lawrence Allowayはhigh artとpopular cultureを完全に切り離す考えに疑問を持ちました。映画、広告、雑誌、美術を一つの視覚文化の連続体として見る姿勢が、後のPop Art理解へ大きく影響します。

Reyner Banham

Banhamは車、家電、建築、工業designを真剣な批評対象として扱いました。Modernismを純粋な形の歴史としてではなく、技術と消費社会の変化を含む生活環境として見る姿勢はIndependent Groupに特徴的でした。

Alison and Peter Smithson

Smithsonsは建築家として、住宅、都市、街路、生活のimageに関心を持ちました。Pop Art成立期にarchitectureが重要だったことは、後から絵画だけを見ていると見落とされやすい点です。

Nigel Henderson

HendersonはLondon East Endの街路、人々、shopfront、看板、子ども、日常物を写真にしました。広告のきらびやかなimageだけでなく、実際の都市生活のざらついた表面もIndependent Groupの視覚文化に含まれていました。

1947年Paolozzi《I was a Rich Man’s Plaything》

PaolozziはParis滞在期を含めAmerican magazineや広告imageを大量に収集し、collageへ組み込みました。《I was a Rich Man’s Plaything》ではpin-up、商品広告、戦闘機、銃、Coca-Colaと「POP!」という文字が同居します。

「POP!」は運動名より先に作品へ現れた

NPGはPaolozziの1947年collageを、作品内で「Pop」という語が使われた最初期の重要例として紹介しています。しかし、この時点で「Pop Art」という確立した運動名が存在したわけではありません。

1952年《BUNK!》presentation

Independent Group最初期の会合でPaolozziは、American magazineから集めたcollage imagesを投影しました。advertising、comic strips、domestic graphicsが一度に映し出され、後にPop Artと結びつく視覚語彙がすでに並んでいました。

collageをslideで見せる

重要なのは、original collageを静かに鑑賞するだけでなく、投影imageとして集団で見たことです。mass mediaを扱う美術が、複製・投影・presentationというmass-media的な形式で共有されました。

American magazines

英国の若いartistsにとってAmerican magazinesは、商品、Hollywood、車、家電、広告layoutが凝縮された視覚資料でした。Americaは地理的な場所であると同時に、印刷物によって届けられるimage-worldでもありました。

豊かさへの距離

戦後Britainの生活とAmerican advertisingの豊かな室内には距離がありました。そのため商品imageは「すでに持っている日常」の単純な反映ではなく、憧れ、違和感、未来予測が混ざったものとして見えました。

《Growth and Form》1951という前史

HamiltonはIndependent Group成立前からICAの展示活動に関わっていました。1951年《Growth and Form》では科学的imageと展示designに関心を持ち、情報を空間で編集する方法を学びます。

Hamiltonを一枚のcollageだけで見ない

Hamiltonはpaintingだけでなく、exhibition design、typography、print、photography、industrial imagery、Duchamp研究まで横断しました。Pop Artの重要人物であると同時に、20世紀のimage technologyそのものを考え続けた作家です。

美術とdesignの間

HamiltonはRoyal Academy SchoolsやSladeなどで学び、drawingとpaintingの技術を持ちながら、工業designや展示構成にも関わりました。高級美術と商業imageの両方を理解していたことが後の仕事に重要でした。

Duchampへの関心

Hamiltonは早くからMarcel Duchampに深い関心を持ちました。既製品、言葉、機械図、複製、作者性をめぐるDuchampの問題は、Hamiltonが広告や商品imageを美術へ入れる際の重要な知的背景になります。

Popは「考えず楽しむ美術」ではない

明るい商品imageのためPop Artはanti-intellectualに見られることがありますが、Hamiltonの仕事はむしろ分析的です。どのimageが欲望を作り、どのmediaが生活像を形成するのかを細かく組み替えていました。

1955年《Man, Machine and Motion》

Hamiltonが企画した《Man, Machine and Motion》は1955年にHatton Galleryで最初に展示され、その後ICAへ移りました。人間と機械、速度、探検を主題に、多数の写真imageを展示構造へ組み込みました。

水上・地上・空中・宇宙

ICAはこの展覧会をAquatic、Terrestrial、Aerial、Interplanetaryという四つの領域で構成されたものとして振り返っています。自動車や飛行機だけでなく、潜水や宇宙旅行まで含めて「機械が身体の可能性を拡張する」imageを集めました。

絵画ではなく写真の集合

《Man, Machine and Motion》でHamiltonは自分の絵を並べたのではありません。既存のphotographを選び、拡大し、構造体へ配置することで、新しい意味を作りました。curatingとart-makingの境界が曖昧になります。

情報そのものを素材にする

写真のoriginalityより、imageをどう選び、並べ、関係づけるかが重要でした。この方法は後のcollageやappropriationにもつながる、情報時代の美術の重要な考え方です。

速度と移動

自動車、航空、宇宙開発は1950年代の未来像を象徴しました。Hamiltonは機械を単なる工業製品ではなく、人間の空間感覚と視覚経験を変える装置として見ました。

展覧会を一つのmediumとして考える

Hamiltonにとって作品はcanvas一枚だけではありません。観客が画像の間を歩き、比較し、身体で情報を経験する展示空間そのものが表現手段になります。

《an Exhibit》

HamiltonはVictor Pasmore、Lawrence Allowayとともに透明・半透明のpanelを空間へ配置する《an Exhibit》にも関わりました。固定した一点を見るより、観客が移動するたびにimage関係が変化する展示への関心が続きます。

《This is Tomorrow》へ

こうした展示実験の蓄積が1956年Whitechapel Galleryの《This is Tomorrow》へつながります。そこでは絵画、建築、広告、sound、graphic designがさらに混ざり合いました。

1956年《This is Tomorrow》

Whitechapel Galleryの記録では展覧会は1956年8月9日から9月9日まで開催されました。戦後British art史の転換点として現在も繰り返し参照される展覧会です。

Theo Crosbyの構想

architect・writerのTheo Crosbyが、artists、architects、designers、theoristsを共同制作させる展覧会を構想しました。完成作品を持ち寄るのではなく、異分野の人々がgroup単位で一つの環境を作る形式でした。

38人・12組

Whitechapel Galleryによれば38人が12groupに分かれて参加しました。個人名を前面に出す通常のgroup showではなく、共同で空間を作ること自体が展示方法の実験でした。

Pop Artだけの展覧会ではない

《This is Tomorrow》にはConstructivistな抽象、architecture、sculptureなど異なる方向が共存していました。後世にはPop Artの誕生展として有名ですが、1956年当時の全体はそれよりはるかに多様です。

Group 2 — Hamilton、McHale、Voelcker

HamiltonはJohn McHale、architect John VoelckerとGroup 2を組みました。Whitechapelの記録はこの三人を正式なgroup memberとして挙げています。

Group 6 — Paolozzi、Smithsons、Henderson

PaolozziはAlison and Peter Smithson、Nigel HendersonとGroup 6を形成しました。一つの展覧会の中に、Popへつながる二つの異なるcollaborative environmentが存在したことが重要です。

「見ることの授業」

Allowayはcatalogueで、この展覧会を従来の鑑賞習慣を横断するspectatorshipのlessonとして説明しました。作品を順番に読む説明panelもなく、観客自身が空間を動きながら意味を作ることが期待されました。

壁に絵を並べる展覧会ではない

Whitechapel Galleryは、会場全体がinteractiveなinstallationsへ変化したと振り返っています。Pop Art成立史にinstallationとarchitectureが深く関わっていたことは重要です。

「明日の生活」を展示する

主題はmodern way of livingでした。新素材、mass production、technology、住宅、mediaが生活をどう変えるかという問いが、単なる未来予測ではなく具体的な展示環境として示されました。

《Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?》

Hamiltonの1956年collageは、筋肉質な男性、pin-up女性、テレビ、録音機器、掃除機、商品packaging、comic imageなどを一つの室内へ詰め込みます。理想的なmodern homeを描きながら、室内そのものが広告imageの集合になっています。

非常に小さな作品

このcollageは巨大なhistory paintingではなく、およそ25センチ四方の小さな紙作品です。それでも大量のimageを凝縮し、戦後消費文化全体を象徴するimageとして大きな歴史的役割を持つようになりました。

展示本体と複製物の間

作品は《This is Tomorrow》のcatalogueや宣伝imageと強く結びつきました。Pop Artを象徴する作品が、最初から複製・印刷・宣伝の回路と切り離せない点が重要です。

なぜ「居間」なのか

広告が作る消費社会は街のbillboardだけでなく家庭内部へ入ります。テレビ、家電、食品、身体、美容、娯楽が居間に集まり、家そのものが商品選択によってidentityを表す空間になります。

男性身体と女性身体

bodybuilderとpin-upは、商品と同じように理想化された身体imageとして配置されています。消費文化は家具だけでなく、男性らしさ・女性らしさ・sexualityのimageも生産することが示されています。

「POP」という文字

男性が持つ巨大なlollipopには「POP」という文字が見えます。後世にはこの一語がPop Art誕生のsymbolとして読まれますが、作品全体は一つのlabel以上に、複数のmedia imageの衝突から成立しています。

comicが絵画の代わりになる

室内の壁にはtraditional paintingではなくcomic-derived imageが置かれます。美術館で評価される絵とpopular printingの序列が、家庭interiorの中で入れ替えられます。

テレビ

televisionは1950年代の家庭生活を急速に変えたmediaでした。Hamiltonの室内では家具の一つであると同時に、外部世界を家庭へ送り込むimage machineとして存在します。

音楽と録音機器

Pop cultureは視覚だけではありません。record playerやtape、radioなどの音響mediaは若者文化と家庭生活を変え、視覚芸術もsound cultureと切り離せなくなります。

家電とmodernity

掃除機などの家電は労働を軽減する未来的商品として宣伝されました。Hamiltonはそれらを「美しいindustrial form」としてだけでなく、advertisingが約束する新しい生活像の一部として扱います。

商品が夢を作る

collageの部屋は現実の典型的British homeを記録したdocumentではありません。異なる広告imageを組み合わせ、消費によって完成する理想生活のfantasyを作っています。

賛美か批判か

HamiltonのPopをconsumerism批判だけで読むことも、無邪気な賛美だけで読むことも難しいと言えます。商品imageに魅了されながら、その人工性や過剰さも同時に見せる曖昧さが作品の強さです。

「最初のPop Art作品」と呼ばれる理由

このcollageはpopular imagery、consumer goods、sexuality、domestic media、広告の切り抜きを一枚へ凝縮し、後のPop Artの主要問題を早い段階で明確に示しました。そのためWhitneyやNPGを含む多くの美術史記述で、最初期または象徴的な最初のPop Art作品として扱われています。

それでも「最初」を一作品に固定しない

Paolozziの1947年collageと1952年presentation、Independent Groupの共同議論がHamiltonより前にあります。またPop Artという名称の定着にもHamiltonとAlloway双方が関わります。したがって「Hamiltonが単独でPop Artを発明した」という書き方は避けるべきです。

Hamiltonの本当の重要性

Hamiltonは先行imageを一枚作っただけでなく、展示、批評、design、painting、printを通してconsumer imageを継続的に分析しました。Pop Artを一時的なfashionではなく、現代のvisual environmentを考える方法にした点が重要です。

1957年のPop Art定義

MoMAはHamiltonが1957年にPop ArtをPopular、Transient、Expendable、Low cost、Mass produced、Young、Witty、Sexy、Gimmicky、Glamorous、Big Businessとまとめたと紹介しています。これは作品の見た目より、mass cultureの生産・流通・消費の性格を定義した文章です。

Popular — 大衆向け

Popは少数の専門家だけに理解されるimageではなく、大量の人々へ向けて作られる文化を素材にします。広告、映画star、商品packageは、すでに観客が知っているimageでした。

Transient — 短命

magazine、fashion、advertising campaignは永遠の名作を目指さず、新しいものにすぐ置き換えられます。Hamiltonはこの短命さ自体を現代文化の特徴として見ました。

Expendable — 使い捨て

industrial productや印刷物の大量生産は、一つのoriginalを永久保存する美術作品とは異なる価値体系を持ちます。Pop Artはこの矛盾を美術館の中へ持ち込みました。

Mass produced — 大量生産

Hamiltonが関心を持ったのは商品そのものだけでなく、同じimageが無数に複製される仕組みです。print、photograph、poster、magazineはoriginal／copyという美術の区別を揺らします。

Young、Sexy、Glamorous

1950年代後半からconsumer marketは若者を独立した購買層として強く意識するようになります。fashion、music、film star、body imageがPopの重要な領域になるのはこの変化と重なります。

Big Business

Pop cultureは自然発生する民俗文化だけではなく、大企業、広告会社、映画産業、出版、broadcastingによって生産される巨大産業でもあります。Hamiltonの定義は、この経済構造まで含めてPopを考えていました。

誰が「Pop Art」という語を作ったのか

MoMAは1957年のHamiltonによる定式化を重視し「coining」と表現しています。一方、美術史ではLawrence Allowayによる批評上の用法もしばしば語られます。用語史は一人の発明者へ単純化せず、Independent Group内部で形成された語彙として扱う方が安全です。

《Hommage à Chrysler Corp.》1957

HamiltonはAmerican automobile advertisingの曲線、chrome、女性body、機械部品を重ね合わせ、車そのものを描かずに「車を欲望させる広告image」をpaintingへ変換しました。

自動車ではなく自動車image

Pop Artではcommodityを描くこと以上に、commodityが広告でどう見せられるかが重要です。Hamiltonはindustrial productとsexualized bodyのimageが広告内で交換される構造に注目しました。

《She》1958–61

Hamiltonの《She》では女性身体、家電、機械、広告graphicsが一つのsurfaceへ重なります。「女性」と「商品」を別々に描くのではなく、consumer advertisingが両者をどう結びつけるかを画面構造として扱いました。

女性imageをどう読むか

1950年代広告における女性身体のobjectificationを作品は利用しています。現代からは、そのimageを批判しているのか、再生産しているのかという両面を検討する必要があります。

paintingとmechanical image

Hamiltonは手描きだけでなくphotograph、screenprint、transfer、collageを組み合わせました。絵画がmass mediaを拒絶するのではなく、そのtechnologyを内部へ取り込む方法を探しました。

《Pin-up》1961

MoMA所蔵《Pin-up》のような作品では、pin-up cultureと絵画的処理が組み合わされます。printed imageとhandmade markの境界を残すことがHamiltonらしい特徴です。

《Adonis in Y Fronts》1963

男性下着広告を扱う作品は、consumer cultureにおける男性身体のimage化も対象にします。Popのsexualityは女性pin-upだけではありません。

1963年Hamilton初の米国訪問

NPGは1963年をHamiltonが初めてUnited Statesを訪れた年として記録しています。1950年代には主に印刷物を通して見ていたAmerican cultureへ、本人が実際に接触する段階が始まります。

Marilyn Monroe

Hamiltonは1960年代にMarilyn Monroeのpress photographsを扱いました。star imageを本人の内面を描くportraitではなく、mediaによって選別・印刷・修正されるimageとして扱います。

《My Marilyn》1965

Marilyn自身がcontact sheetに書き込んだselection marksを含むphotographsを使い、starが自分のimageを選別する行為そのものを作品化しました。celebrity imageが制作・編集・消去される過程を見せています。

Duchamp《Large Glass》再制作

Hamiltonは1960年代半ば、TateでのDuchamp展に向けて《The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even》の再制作に取り組みました。Pop artistが同時にDuchamp研究者だったことは、Hamiltonをconsumer imageryだけの作家として見る見方を修正します。

high／lowの境界を一方向に壊すのではない

Hamiltonはpopular cultureをhigh artへ昇格させただけではありません。Duchamp、Van Eyckなど美術史への深い関心と広告imageを同じ思考の中に置き、双方を比較可能にしました。

1960年代初頭 — 次の世代

Independent Groupが1955年頃までに正式な活動を終えた後、1960年代初頭にRoyal College of Art周辺から別のPop世代が現れます。彼らは1950年代の理論的議論をそのまま継承したわけではありません。

1961年Young Contemporaries

NPGは1961年Young Contemporaries展にDavid Hockney、Allen Jones、Derek Boshier、Peter Phillipsらが参加したことをBritish Popの新世代登場の重要な出来事としています。

Hamiltonの直接の弟子ではない

HockneyらがHamiltonの作品を知り、RCAへHamilton自身がvisiting artistとして訪れることはありましたが、1950年代Independent Groupのprogrammeをそのまま継承したわけではありません。世代の接続は文化的環境を介したものです。

Royal College of Art

1959年前後のRCAは、traditional drawing trainingとAmerican abstraction、新しいfigurative imageryが衝突する活気ある環境でした。Hockney自身も、当時は学生たちがそれまで受けた伝統教育から離れ、何を描くべきか模索していたと回想しています。

American abstractionの圧力

Hockneyは、当時American abstractionが非常に強い存在だったと振り返っています。British Popは、consumer cultureへの反応だけでなく、抽象絵画が支配的な状況で再びimageを使う理由を探す動きでもありました。

Peter Blake

Blakeはmovie stars、wrestlers、musicians、badges、magazine、玩具、fairground cultureをpaintingやcollageへ取り込みました。Hamiltonよりnostalgicで個人的なpopular cultureへの愛着が強く、British Pop内部の違いを示します。

《The First Real Target》1961

Blakeはsports shopで購入した実物のarchery targetを使い、Jasper JohnsのTarget paintingへ応答しました。Tateは、Johnsがtargetをpaintへ変えたのに対し、Blakeは「本物」のtargetを使うことでfine artの境界を問い返したと説明しています。

音楽star

Blakeは1950年代からmusiciansのimageを作品へ使い、1964年にはBeach Boysのpress photographをscreenprintにしました。Pop Artとpop musicが同じLondon cultureの中で接近していきます。

Pauline Boty

BotyはBritish Pop史の重要人物ですが、長く男性中心の叙述から見えにくくなっていました。RCAでは1958年からstained glassを学び、painting、collage、film、broadcastingを横断しました。

1961年AIA Gallery

RCAはBotyが1961年のAIA Gallery Pop Art展へ参加したことを記録しています。Young Contemporaries周辺の男性作家だけでなく、同時期に女性作家もPopの形成に関与していました。

女性側からcelebrityとsexualityを見る

BotyはMarilyn Monroeなどstar imageを扱いながら、女性の欲望、sexuality、patriarchyを作品の問題にしました。male gazeが支配的だったpopular imageryを、女性artist自身の立場から再配置した点が重要です。

政治image

Botyの作品はcelebrityだけでなく政治やcurrent affairsにも反応しました。Pop Artをconsumer goodsだけの運動に限定できないことを示します。

Derek Boshier

BoshierはHockneyと同じ1959–62年RCA世代で、RCAも彼をBritish Popのkey playerと位置づけています。map、flag、商品、国家的symbolなどを使い、consumer cultureと政治の関係へ関心を向けました。

《Pop Goes the Easel》1962

Ken RussellのBBC film《Pop Goes the Easel》にはPeter Blake、Pauline Boty、Derek Boshierらが登場し、Pop artistsの作品だけでなくfashion、生活、personaまでmediaへ乗せました。Pop Art自身がtelevision cultureの一部になる段階です。

Peter Phillips

Phillipsはracing、pinball、machine、advertisingなどを鮮烈な色で組み合わせました。American consumer imageを英国側から観察していた1950年代から、より直接的で大型のPop paintingへ移る1960年代の変化を示します。

Allen Jones

Jonesはfigure、fashion、sexualityを強く扱い、flatな色面と身体の変形を発展させました。British Popのsexual imageryがHamiltonの広告分析から若い世代の身体表現へ変化する一例です。

Patrick Caulfield

CaulfieldはRCAでHockneyらより一学年下の世代に属し、太い輪郭と平坦な色で日用品やinteriorを描きました。Popと結びつけられながらも、本人のpaintingはdesignされた平面とart historyへの関心を持つ独自の方向へ進みます。

Richard Smith

Richard Smithはpackagingやadvertisingのscale感をabstract paintingへ接続しました。British Popが必ずしも具象的な商品imageだけではなく、commercial designの形・色・surfaceを抽象へ持ち込んだことを示します。

British Popは一つの見た目ではない

Hamiltonのanalytical collage、Blakeのnostalgia、Botyのcelebrityとfemale sexuality、Boshierの政治性、Hockneyの文字と個人的欲望は大きく異なります。「明るい原色と商品」というstyle definitionだけでは足りません。

David Hockney — Popから始まりPopを越える

Hockneyは1961年Young ContemporariesでBritish Popの新世代として注目されましたが、本人は後にPop Artそのものへ強い帰属意識がなかったと述べています。彼をPop iconだけでなく、picture-makingの問題を一生追い続けた作家として見る必要があります。

Bradford School of Art

Hockneyは1953–57年Bradford School of Artで学び、life drawingを中心とするtraditional trainingを受けました。初期からdrawing能力が高く、Pop Artが「描けない作家によるcommercial imagery」ではなかったことが分かります。

conscientious objector

1957–59年、Hockneyはconscientious objectorとしてNational Serviceを軍務ではなく病院orderlyとして行いました。その後1959年にRCAへ入ります。

1959年RCA入学

RCAでR.B. Kitaj、Derek Boshier、Allen Jones、Peter Phillips、Patrick Caulfieldらと出会いました。visiting artistsにはFrancis Bacon、Richard Hamilton、Joe Tilson、Peter Blake、Richard Smithらが含まれていました。

伝統教育から何を描くかへ

HockneyはBradfordでしっかりしたdrawingを学んだ後、RCAで抽象と新しいfigurative artがぶつかる環境に入りました。技術を捨てるのではなく、何をimageにするかが問題になります。

Picasso展

RCA時代にTateの大規模Picasso展を見たことは、styleを一つに固定しなくてもよいという感覚へつながりました。Hockneyが後に「多様な描き方」を積極的に使う背景として重要です。

《Demonstrations of Versatility》

1962年Young ContemporariesでHockneyは複数の異なるstyleを意図的に提示しました。一人のartistは一つのsignature styleを持つべきだというmodernistな期待そのものを遊びの対象にしています。

《Doll Boy》1960–61

初期Hockneyではfigure、文字、graffitiのようなmarkが混ざります。consumer imageryだけでなく、自分自身のsexual identityと私的な符号が画面へ入り始めます。

Walt Whitman

HockneyはWalt Whitmanの詩を読み、男性同士の愛を語る言葉を作品へ取り入れました。advertising sloganではない文学textがPop的な文字imageと同じ画面に入ります。

《We Two Boys Together Clinging》1961

題名はWhitmanの詩から取り、男性二人の関係を直接的に作品化しました。人物は自然主義的portraitではなく、記号、文字、数字の中へ組み込まれています。

1961年Britainでの同性愛

Hockney自身もRCAの回想で、1961年にはhomosexualityが違法だったと述べています。その社会環境で男性同士の愛を作品へ明示的に持ち込んだことは、初期作品の重要な歴史的条件です。

個人的経験をPopへ入れる

American Popがbrandやcommodityの匿名性を強く使うのに対し、初期Hockneyは恋愛、詩、friendship、sexual identityを画面へ混ぜました。British Popが一枚岩ではないことがここにも現れます。

《Tea Painting in an Illusionistic Style》1961

Hockneyは日常的なtea packageを絵画の主題へ持ち込み、packageの平面graphicとpaintingのillusionistic spaceを衝突させました。商品を描くことと「絵が奥行きを作ること」の二つを同時に問題にしています。

Typhoo tea

teaはBritainの日常生活に極めて普通のconsumer productです。Warholのsoup canがAmerican supermarketを象徴するより前に、Hockneyは英国の日常商品をpaintingへ変換していました。

「illusionistic style」という題名

題名自体がpaintingの技術へ言及しています。商品imageを使っていても、Hockneyの関心はconsumer cultureだけでなく、flat surfaceがどうillusionを生むのかという古典的な絵画問題にもありました。

文字と数字

Hockneyは初期作品で言葉、数字、暗号のような記号を頻繁に使いました。これにより絵は「見るimage」であると同時に「読むsurface」になります。

1961年の評価

HockneyはYoung Contemporariesへの参加に加え、1961年John Moores Liverpool Exhibitionのjunior sectionで賞を得ました。学生時代から急速に評価が高まります。

1961年New York初訪問

Hockneyは1961年にNew Yorkを訪れ、MoMAのWilliam S. Liebermanと出会い、printsが購入されました。英国の学生artistが早くからAmerican art worldへ直接接続したことは世代変化を示します。

《A Rake’s Progress》

New Yorkでの経験を基にHogarthの同名seriesを現代化し、etching seriesへ展開しました。18世紀British art historyと1960年代Americaを同じ作品で接続する方法は、Hockneyが単純なPop consumer artistではないことを示します。

HogarthとPop

popular print culture、urban narrative、文字とimageを使ったHogarthは、Hockneyにとってhistorical resourceになりました。Pop Artは過去の美術を拒絶するより、別の角度から読み直すこともできました。

1962年RCA卒業

Hockneyは1962年にRCAをgold medalで卒業しました。student Popという一時的現象ではなく、すでにLondon art sceneで重要な若手として認識されていました。

1963年Kasmin Gallery個展

1963年の初個展《Pictures with People In》は完売し、Hockneyの社会的知名度が急上昇します。RCAのexperimental studentからcommercial gallery artistへ短期間で移行しました。

Domestic Scenes

1963年前後には二人の人物が室内にいるdomestic sceneを描き、consumer objectsより人間関係へ関心を広げます。Pop的なflatnessとpersonal narrativeが共存しました。

Americaがimageから経験へ変わる

Independent GroupにとってAmericaはmagazineを介したimageである部分が大きかったのに対し、Hockney世代は実際にNew YorkやCaliforniaへ旅行できました。British PopのAmerican cultureへの距離が縮まります。

Warholとの接触

Hockneyは1963年末のNew YorkでAndy Warholらと出会います。British PopとAmerican Popが同時代の別々の起源から出発しながら、1960年代半ばには人的networkとしても交差します。

1964年Los Angeles

Hockneyは1964年1月にLos Angelesを初訪問し、Southern Californiaのlandscape、architecture、men、swimming poolsへ強く惹かれました。American imageは雑誌の切り抜きではなく、自分が生活し見る場所になります。

acrylic paint

Hockneyの公式chronologyは1964年にacrylic paintを使い始めたと記録しています。速乾性と均質な色面はCaliforniaの強い光、建築の直線、pool surfaceを描く方法と相性が良く、画面はさらにflatで明瞭になります。

Polaroid photograph

同じ1964年頃からPolaroidも使い始めました。写真をpaintingの敵として拒むのではなく、構図・記憶・surface研究の補助として利用する姿勢が後の仕事へ続きます。

swimming poolという主題

British climateではprivate poolは特別なluxuryに見えましたが、Californiaでは日常的な住宅設備として存在しました。HockneyにとってpoolはAmerican lifestyleのsymbolであると同時に、水、反射、透明性を描く絵画上の問題でもありました。

水はどう描けるのか

水面は透明で反射し、風や人の動きで常に変わります。Hockneyは波を写実的に一つの方式で描くのではなく、線、pattern、flat colour、splashなど異なる記号で繰り返し試しました。

《Sunbather》

California作品ではmale bodyがpoolやsunlightと結びつきます。consumer paradiseのimageであると同時に、Hockney自身の同性欲望をより開かれた形で描ける環境としてLos Angelesが重要でした。

Californiaとsexuality

Britainでは同性愛がなお法的制約の中にあった時期、HockneyはLos Angelesのmagazine cultureやsocial environmentに別の自由を見出しました。pool paintingsを単なる富裕層の生活風景に限定せず見る必要があります。

《Peter Getting Out of Nick’s Pool》1966

poolから上がる男性を描いた作品では、水面、male figure、architectureが一つの明快な構図へ整理されています。1967年John Moores Liverpool Exhibitionでfirst prizeを得ました。

《A Bigger Splash》1967

1967年、HockneyはBerkeleyで教えながら《A Bigger Splash》を制作しました。Tate所蔵の大画面ではmodern house、diving board、blue pool、そして人間が消えた直後の大きなsplashだけが描かれます。

一瞬の水しぶきをゆっくり描く

Hockneyは、写真なら瞬間的に凍結できるsplashを非常に時間をかけてpaintすることに面白さを感じたと説明しています。高速の出来事とslow paintingという時間の矛盾が作品の中心です。

写真が変えた時間感覚

肉眼では一瞬で消える水しぶきもphotographなら停止できます。Hockneyは写真をsourceにしながら、写真が作る停止時間を手描きで再制作し、media間の差を作品化しました。

人物がいないのに人間がいる

《A Bigger Splash》にはdiver本人が見えません。しかしsplashが直前の身体運動を示すため、不在の人物が強く想像されます。

建築のflatness

houseは直線的で、空とpoolは大きな色面に分かれます。三次元空間を描きながら、canvasそのものの平面性も強く意識させる構成です。

《A Bigger Splash》は典型的Popだけではない

商品logoやcomicを直接使っていません。それでもCalifornia lifestyle、photographic image、modern architecture、鮮やかなflat colourを扱い、British Popから生まれた関心が新しいpainting problemへ変化したことを示します。

HockneyがPopから離れていく意味

1960年代後半のHockneyはportrait、space、photography、perspectiveへ問題を広げます。Pop Artの「卒業」と考えるより、Popが開いたcontemporary imageryの自由を使って別の絵画問題へ進んだと見る方が適切です。

British PopとAmerican Pop

British PopはAmerican Popより「先」で優れていた、あるいはAmerican PopがBritish Popを単に模倣した、という関係ではありません。両地域は異なる社会条件からpopular imageryへ接近し、1960年代に相互に接触しました。

英国側の観察距離

1950年代British artistsはAmerican consumer cultureをmagazineやfilmを通して観察することが多く、分析的・未来予測的な距離がありました。

米国側の直接性

Warhol、Lichtenstein、Rosenquistらはadvertising、comic、supermarket、televisionが巨大産業として日常を覆う環境の内部で制作しました。scaleや反復もBritish worksとは異なる方向へ発展します。

scaleの違い

Hamiltonの1956年collageは小さい一方、RosenquistやLichtensteinはbillboardやcomic frameを巨大化しました。Pop Artは同じimage sourceでも、scaleの扱いで地域差が見えます。

handmadeとmachine-made

Hamiltonは機械複製imageとpaintingを重ね、Hockneyは手描きの痕跡を残しました。Warholはsilkscreen反復を強く使います。Pop Artを「機械的」一語でまとめることはできません。

consumerismの賛否を二択にしない

British PopもAmerican Popも、商品文化を描くから賛美、皮肉があるから批判という単純な分類ではありません。欲望と批判、魅力と距離が同時に存在する作品が多くあります。

物よりmedia image

Hamiltonにとって冷蔵庫や車そのものより、それがadvertisingでどう見えるかが重要でした。Pop Artはobject artである以上に、media imageの流通を扱うartでもあります。

originalとcopy

雑誌切り抜き、screenprint、photographを使うことで、作品が「artistがゼロから生み出した唯一のimage」という神話が揺らぎます。

appropriationの前史

後のAppropriation Artほど制度化されてはいませんが、既存imageを切り取り再文脈化するPopの方法は、1970–80年代以降のimage appropriationへ重要な前例を作りました。

artとdesign

Independent GroupからHamiltonまで、graphic design、industrial design、architectureとfine artの境界は流動的でした。Pop Artをpainting movementだけにすると、この起源が失われます。

展示design

《Man, Machine and Motion》《This is Tomorrow》は、完成した美術品だけでなくdisplay technologyそのものを作品化しました。これは後のinstallation art史から見ても重要です。

architectureとPop

SmithsonsやVoelckerの参加が示すように、Popの初期問題には家、都市、interior、material、technologyが含まれていました。

televisionとPop

1950年代以降、テレビは家庭へ大量imageを送り込みます。Pop Artが「美術館の外のimage」を扱った背景には、この視覚環境の急拡大があります。

magazineとPop

雑誌はimage sourceであるだけでなく、作品の流通modelでもありました。切り抜き可能で、短命で、大量印刷されるimage文化はHamiltonの1957年定義そのものです。

若者文化

music、fashion、motor scooters、film、magazinesが若者のidentityを形成し、artist自身もpublic personalityとしてmediaへ登場します。Pop Artは「若者を描く」だけでなく、美術界の世代構造も変えました。

art schoolの役割

RCAのようなart schoolはpainting技術を教える場所であると同時に、film、design、music、fashion、bohemiaが交差する社会空間でした。1960年代British cultureの多くがart schoolを経由したことは重要です。

classとBritish Pop

British Popの若い作家にはLondon eliteだけでなくBradfordなど地方都市出身者もいました。scholarshipとart educationの拡大は、異なるclass backgroundの若者がLondon cultural sceneへ入る経路を広げました。

Hockneyが語るBohemia

HockneyはRCA時代を、classやrespectabilityからある程度自由になれるBohemian environmentとして振り返っています。この社会空間がsexual identityとartistic experimentの両方を支えました。

British Popとgender

Pop imageryはpin-upやadvertisingに依存したため、女性身体がobjectとして多用されました。Botyの再評価は、Popを男性作家が女性imageを見る歴史だけにしないために重要です。

AmericanizationだけでなくBritish contextを見る

British PopはAmerican imagesへ夢中になりましたが、1956年はSuez Crisisの年でもあり、Britainの国際的地位が変化する時期でした。Americaを未来の豊かさとして見る視線は、British Empireの衰退と無関係ではありませんが、個々の作品を単一の政治寓意へ還元することも避ける必要があります。

1956年という転換点

《This is Tomorrow》、commercial televisionの拡大、supermarket型消費、Suez Crisisなどが同時期に重なります。戦後British identityそのものが再編される環境の中でPopが成立しました。

なぜHamiltonを特に重視するのか

Hamiltonはpopular imageryを使った「早い作家」であるだけでなく、そのimage cultureの性格を言語化し、展示形式を作り、paintingへ応用し、Duchamp研究と接続しました。作品・理論・curatingを同時に行ったため、Pop Artの成立を構造的に理解するうえで特に重要です。

「Warholより早かった」で終わらせない

Hamiltonを評価する理由を「Warholより何年早い」に限定すると、彼の独自性が年代競争へ縮小されます。重要なのは、image circulation、consumer desire、technology、art historyを一つの制作体系として長く考えたことです。

「最初」は美術史が後から作る

1956年当時、Hamiltonのcollageが直ちに「世界最初のPop masterpiece」として共有されたわけではありません。後のPop Art成功を知る美術史が《This is Tomorrow》を起点として読み返し、そのcollageを象徴的な最初へ位置づけました。

PaolozziとHamiltonを競わせない

Paolozziの1947年collageとHamiltonの1956年collageは、どちらが真の第一号かを決めるためだけに比較する必要はありません。前者はAmerican magazine imageの衝撃を早くcollage化し、後者はconsumer interiorを高度に編集してPopの問題を明晰にまとめました。

Allowayを忘れない

Pop Artはartistsだけで成立したのではなく、Allowayの批評がpopular cultureを美術理論として言語化しました。movement nameとhistorical narrativeにはcriticの仕事が不可欠でした。

Whitechapel Gallery

《This is Tomorrow》を受け入れたWhitechapel Galleryの制度的役割も大きいと言えます。実験的なcollaborative environmentをpublic exhibitionとして提示したことで、Independent Groupの議論がより広い観客へ開かれました。

後世のmuseumが起源を固定する

NPG、Tate、MoMA、WhitneyなどがHamilton、Paolozzi、HockneyをPop史へ位置づけることで、1950年代Londonの活動は国際的な美術史の「起源」として定着しました。canon形成そのものも歴史の一部です。

日常が美術史の中心へ入る

tea packet、vacuum cleaner、television、car advertisement、pin-up、magazine、swimming poolといったものが、歴史画や神話と同じように本格的な美術史のsubjectになります。これは20世紀後半の大きな転換です。

Pop Artは欲望の構造を見る

商品を描くこと以上に、人がなぜそれを欲しくなるのか、その欲望を広告imageがどう作るのかがHamiltonからHockneyまで重要です。consumer desireとsexual desireはしばしば同じ画面で接触します。

絵とは何かという問題

Pop Artはsubject matterの革命だけではありません。既存の写真を使う、文字を置く、商品packageを絵にする、printを反復することで、「絵はartistが手で現実を再現するもの」という前提を変えました。

Hockneyへ残ったpicture-making

HockneyはPopの直接的な商品imageから離れた後も、写真とpainting、瞬間と時間、perspectiveとflatnessを考え続けました。British Popの歴史は、その後の彼のimage研究へつながる入口でもあります。

1967年を区切りにする理由

《A Bigger Splash》はHockneyがBritish Popの若手という枠を越え、California、photography、水、modern architectureを自分の絵画問題へ統合した時期を象徴します。同年、Britainではmale homosexualityの私的行為が一部非犯罪化され、1960年代前半とは社会条件も変わり始めます。

Pop Artは1967年で終わらない

Hamiltonはその後もmedia、politics、technologyを扱い、Hockneyもportrait、photography、stage design、digital drawingへ展開します。本記事の終点は運動の消滅ではなく、1950年代に始まったBritish Popの問題が別の領域へ枝分かれする境界です。

designへの遺産

album cover、fashion、advertising、graphic designとの境界を曖昧にしたBritish Popは、1960年代Londonのvisual culture全体へ影響しました。Peter BlakeのBeatles《Sgt. Pepper’s》coverやHamiltonのBeatles《White Album》designはその後の象徴的な展開です。

Conceptual Artへの遺産

Hamiltonのimage analysis、展示設計、Duchamp研究は、PopだけでなくConceptual Artやappropriationへも接続します。見た目が派手な商品imageという枠を超えた遺産があります。

Postmodern image cultureへの遺産

既存imageを引用し、copyとoriginalの境界を揺らす方法は、1970–80年代以降のpostmodern artへ広く受け継がれます。

英国ポップをどう理解するか

British PopはAmericaのconsumer cultureを真似した地方版ではありません。戦後BritainがAmerican mass cultureと向き合う距離、ICAの異分野研究、Whitechapelの展示実験、RCAのart-school culture、sexualityとyouth cultureが重なって成立しました。

Hamiltonの位置

Hamiltonの1956年collageを「最初のPop Art作品」と呼ぶ伝統には十分な理由がありますが、その価値は第一号という称号だけではありません。1955年のexhibition design、1956年のcollage、1957年の定義、その後のpainting・print・Duchamp研究まで続く一貫したimage分析こそ、彼をPop Art史の最重要人物の一人にしています。

Hockneyの位置

Hockneyは1961年のBritish Pop新世代から出発しながら、personal desire、poetry、文字、商品、New York、Los Angeles、水、photographyへ関心を広げました。Pop Artの語に収まらなくなる速さそのものが、彼の重要性です。

ART HISTORYとしてのまとめ

1952年のPaolozzi《BUNK!》presentationから1967年のHockney《A Bigger Splash》までを見ると、Pop Artは突然Warholのsoup canから始まったわけではないことが分かります。Independent Groupはmass mediaとtechnologyを研究対象へ変え、Hamiltonは《Man, Machine and Motion》《This is Tomorrow》と1956年collage、1957年の定義によってPopの問題を明確化しました。1961年以降、Blake、Boty、Boshier、Hockneyらはそれを若者文化、sexuality、personal narrativeへ広げ、HockneyはCaliforniaで写真とpaintingの時間へ進みます。英国ポップの歴史とは、popular cultureを美術へ持ち込んだ歴史であると同時に、美術が同時代のimage環境をどのように考えるかを作り直した歴史です。

次へ — 1960年代ヨーロッパの別の展開

戦後Europeの空白補強を続けるなら、次はNouveau RéalismeとYves Klein、ZERO、あるいはSituationist Internationalを独立記事として扱うと、British Popと同時代に大陸Europeで起きていた「日常物、光、都市、行為」への展開を比較できるようになります。

参考資料・出典

本ページは、Whitechapel Gallery、Institute of Contemporary Arts（ICA）、National Portrait Gallery、Museum of Modern Art（MoMA）、Royal College of Art、David Hockney公式アーカイブ、Tate、Art UK等の美術館・教育機関・作家アーカイブを中心に参照し、ART LIBRARYが独自に構成・執筆しています。原文の全文翻訳ではありません。

Independent GroupについてはNational Portrait Galleryの公式group recordを参照し、1952–55年にICAで活動し、mass culture、advertising、material possessions、technologyを議論したこと、1952年の初期会合でEduardo Paolozziが《BUNK!》imagesを提示したことを扱いました。同館はPaolozziの1947年《I was a Rich Man’s Plaything》に「POP」という語が現れることも、Pop Art形成史の重要な前史として紹介しています。

1956年《This is Tomorrow》についてはWhitechapel Gallery公式archiveを参照し、Theo Crosbyの構想、38 participants／12 groupsという共同制作形式、Group 2がRichard Hamilton・John McHale・John Voelcker、Group 6がEduardo Paolozzi・Alison and Peter Smithson・Nigel Hendersonであったことを確認しました。またLawrence Allowayが展覧会を従来の知覚習慣を横断するspectatorshipの実験として論じたことを扱いました。

《This is Tomorrow》の開催期間についてはWhitechapel Galleryのhistory archiveに記録された1956年8月9日–9月9日を採用しました。後世のWhitechapel資料がこの展覧会をpost-war British artの重要な転換点として位置づけていることも参照しています。

Richard Hamilton《Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?》についてはNational Portrait Gallery、Whitney Museum／Getty ULAN record、MoMAのPop Art関連資料を参照しました。本記事では、この作品が「最初のPop Art作品」と呼ばれることが多いという評価を紹介しつつ、Paolozziの1947年collageと1952年presentationが先行することを併記し、Pop Artの起源を一人の単独発明とはしていません。

Hamiltonの1957年Pop Art定義についてはMoMA「From Soup Cans to Flying Saucers」を参照しました。MoMAはHamiltonが1957年にPopular、Transient、Expendable、Low cost、Mass produced、Young、Witty、Sexy、Gimmicky、Glamorous、Big Businessという語で新しい文化を定式化したことを重視しています。本記事では長い原文引用を避け、各語の意味を日本語で展開しました。

「Pop Art」という語の発明者については、MoMAがHamiltonの1957年の定式化を強く位置づける一方、他の美術史記述ではLawrence Allowayの批評上の用法が重視されるため、本記事では一人の「発明者」を断定せず、Independent Group内部で形成・定着した語彙として扱いました。

Hamilton《Man, Machine and Motion》についてはICA公式archiveを参照し、1955年にHatton Galleryで最初に展示され、その後ICA Londonへ移り、人間とvelocity、exploration、technology、speedの関係を扱い、Aquatic、Terrestrial、Aerial、Interplanetaryという四領域で構成されたことを扱いました。

Hamiltonの作家的位置についてはNational Portrait GalleryとMoMA artist recordを参照し、英国Pop Artの最初期を代表する人物でありながら、collage、painting、print、photography、curating、design、Duchamp研究など複数mediaを横断したことを重視しました。

Independent Groupから1960年代の若いBritish Popへの移行についてはNational Portrait Gallery「Pop Art Portraits」を参照し、1961年Young ContemporariesにDavid Hockney、Allen Jones、Derek Boshier、Peter Phillipsらが参加し、British Popの新世代が可視化されたことを扱いました。1950年代Independent Groupと若いRCA世代の関係は単純な直接継承とはしていません。

Peter BlakeについてはTateの公式collection／shop解説を補助資料として参照し、popular music、film、weekly magazines、children’s culture、found objectsをhigh artと組み合わせたこと、《The First Real Target》1961がJasper JohnsのTarget paintingsへ応答して実物のarchery targetを用いたことを扱いました。

Pauline BotyについてはRoyal College of Art「Hidden Women」およびTateの作品解説を参照し、1958年RCAでstained glassを学び始め、1961年AIA GalleryのPop Art展へ参加し、celebrity、politics、female sexuality、sexism、patriarchyを扱ったこと、長く男性中心のBritish Pop史から周縁化された後に再評価が進んだことを扱いました。

Derek BoshierについてはRoyal College of Artの公式追悼記事を参照し、1959–62年にHockneyと同時期にPaintingを学び、British Popのkey playerとして活動し、Peter Blake・Pauline BotyとともにKen Russell《Pop Goes the Easel》1962へ登場したことを扱いました。

David HockneyのRCA時代についてはRoyal College of Artの2012年本人interviewと公式biographyを参照し、Bradford School of Artでのtraditional drawing training、conscientious objectorとしての病院勤務、1959年RCA入学、R.B. Kitaj、Derek Boshier、Allen Jones、Peter Phillips、Patrick Caulfieldらとの交流、Richard Hamilton、Peter Blake、Francis Baconらvisiting artistsとの接触を扱いました。

Hockney自身が後年「当時Pop Artそのものにそれほど関心があったわけではない」と振り返っている点もRCA interviewを参照しました。本記事ではHockneyをBritish Popへ歴史的に位置づけながら、本人の自己理解と後世の分類のずれも明記しています。

Hockneyの1960–67年の詳細年譜はDavid Hockney公式Illustrated Biographyを参照し、1961年Young ContemporariesとJohn Moores賞、Walt Whitmanを読んだlove paintings、1961年New York初訪問、1962年RCA gold medal、1963年Kasmin Gallery初個展、1964年Los Angeles初訪問とacrylic・Polaroidの使用開始、1966–67年のpool paintingsを扱いました。

Hockneyと同性欲望についてはRCA本人interviewで、1961年Britainではhomosexualityが違法だったと本人が明記していることを参照しました。《We Two Boys Together Clinging》などをその社会条件と併せて扱いつつ、作品をsexual biographyだけへ還元していません。

《A Bigger Splash》についてはDavid Hockney公式chronology、Tate、Art UKを参照し、1967年作、acrylic on canvas、Tate所蔵であること、Berkeleyで教えていた時期に制作され、写真が一瞬の水しぶきを停止させることへの関心から、瞬間的なsplashを長い時間をかけてpaintingへ変換したことを扱いました。

British PopとAmerican Popの比較についてはNational Portrait GalleryとMoMAを参照し、両者を先後関係だけで優劣化せず、1950年代BritainにおけるAmerican mass cultureへの距離と、1960年代United Statesにおけるconsumer／media environment内部からの制作という異なる条件として整理しました。

本記事では「Hamiltonが最初」という重要な美術史的評価を明確に扱いながら、それを単純なfirst-ever claimへ固定していません。Hamiltonの重要性を、1956年collageの年代だけでなく、1955年の展覧会設計、1957年のPop定義、広告とtechnologyの分析、Duchamp研究、複数mediaを横断する長期的実践から説明しています。

• Whitechapel Gallery — This is Tomorrow
• Whitechapel Gallery — Through the Decades: Exhibitions
• National Portrait Gallery — Independent Group
• National Portrait Gallery — Pop Art Portraits
• National Portrait Gallery — Richard Hamilton
• National Portrait Gallery — Eduardo Paolozzi
• Institute of Contemporary Arts — Man, Machine and Images in Motion / Richard Hamilton
• Museum of Modern Art — From Soup Cans to Flying Saucers
• Museum of Modern Art — Richard Hamilton
• Whitney Museum of American Art — Richard Hamilton
• Royal College of Art — David Hockney on his time at the RCA
• David Hockney — Illustrated Biography
• Royal College of Art — Hidden Women: Pauline Boty
• Royal College of Art — Derek Boshier
• Tate — Peter Blake, The First Real Target
• Tate — Pauline Boty
• Art UK / Tate — David Hockney, A Bigger Splash
• Tate — David Hockney, A Bigger Splash
• Victoria and Albert Museum — Post-war design: an introduction

資料確認日：2026年10月3日　／　ART LIBRARY