Peter Halley

1980年代後半――ネットワークが複雑になる

1980年代後半になると、ハレーの画面は初期の単一cellや単純なconduitから、複数のcell、循環する導管、地下空間、セクターへと複雑化します。《Two Cells with Circulating Conduit》《Collision Circuit》《A Monstrous Paradox》などでは、導管は画面内部を回り込み、ひとつの系として閉じたり、画面外へ続いたりします。社会のモデルが単純な監獄からネットワークへ変化していくのです。

この変化は、ハレー自身がFoucault的な「監禁」からBaudrillard的な「抑止・誘惑」へ関心を移したと説明したことと重なります。現代人は強制されるだけでなく、自ら快適なシステムへ参加します。コンピュータ、企業組織、郊外住宅、電話、クレジットカードは便利で魅力的であり、その魅力によって社会システムは拡大します。明るい蛍光色は、閉塞を告発する暗い色ではなく、システムそのものが持つ誘惑を示しています。

ヨーロッパでの評価と1991–92年の回顧展

1989年にはMuseum Haus Esters（Krefeld）で個展が開催され、Saint-Étienne、ロンドンICAへ巡回しました。1991年にはCAPC musée d’art contemporain de Bordeauxで1982–91年の作品をまとめた展覧会が開催され、Pully／Lausanne、Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía、Stedelijk Museum Amsterdamへ巡回します。これによってハレーは1980年代ニューヨークの一時的な流行ではなく、戦後幾何学抽象を再編した作家としてヨーロッパで制度的に評価されました。

この時期の展示は、同じ語彙を反復してきたこと自体を歴史として見せる機会になりました。cell、prison、conduitという数少ないモチーフが、色、位置、数、画面サイズ、接続方法によって変化し続けることが明確になります。ハレーにとって作品は一回の「新しいスタイル」の提示ではなく、限定された記号体系を長期間テストする研究です。

《The Acid Test》――フローチャート化する絵画

Whitney Museum所蔵《The Acid Test》（1991–92）は、4つのカンヴァスからなる大規模作品です。蛍光色とざらついたcellが、複数の帯状構造へ重なり、初期よりもはるかに複雑な回路を形成しています。Whitneyはこの画面をフローチャート、マイクロチップ、電気回路の図像と結びつけています。

重要なのは、ハレーが具体的な電子機器を忠実に描いていないことです。画面は「コンピュータの絵」ではなく、現代社会が人間と情報をノードと経路として組織する、そのモデルを示しています。名称《The Acid Test》も、抽象形の無題性から離れ、絵画を文化的な言語空間へ近づけます。

版画――閉じたcellに出来事を起こす

1989年頃からハレーは版画制作を本格化し、Kodalith、スクリーンプリント、レリーフ印刷、デジタル出力を使います。絵画ではcellとconduitの静的な配置が中心でしたが、版画では同じcellが変化、爆発、汚染、崩壊する連続的な物語を扱うことが増えました。

また道路標識、ATM画面、広告、レコードジャケットなどから採取した単語や短い文をKodalithへ変換する作品も制作しました。これらの言語断片は、都市で人間が絶えず受け取る指示や情報のように機能します。ハレーの関心が建築的な空間だけでなく、情報が人間へ到達する経路へ広がったことが分かります。

《Exploding Cell》

1994年の《Exploding Cell》は9点のスクリーンプリントからなる連作で、一つのcellが、汚染、爆発、溶融、消失へと変化する過程を漫画のコマのように示します。MoMAは、この作品がハレーのcellとconduitが単なる抽象形ではなく、建築的・社会的身体を示す象徴的図式であることを明確にするシリーズと説明しています。

《Exploding Cell》には、それまでの絵画にはなかった時間があります。閉鎖されたcellに出来事が起こり、状態が変わっていくからです。その後、この画像は壁紙、デジタルファイル、インタラクティブ作品へ展開され、同じイメージが媒体を越えて複製・変形されること自体が作品のテーマになります。

1990年代――コンピュータとデジタル画像

ハレーは1992年頃からコンピュータを制作へ導入しました。最初は色の組み合わせや画面比率の検討に使い、その後フローチャート、壁紙、インタラクティブ作品など、デジタルファイル自体を作品素材として扱うようになります。彼が惹かれたのは最新技術の高度な操作ではなく、誰でも使える一般的なソフトウェアと、安価で大量複製できる機械的な見た目でした。

これはDay-GloやRoll-a-Texを選んだ理由と共通しています。専門家の技巧より、商業的・大衆的な技術を使うことで、芸術家の特権的な手仕事から距離を取るのです。デジタル画像はコピーしても劣化せず、色や形を変更し、別のサイズへ展開できます。ハレーはこの性質を、版画の複製可能性を拡張するものとして捉えました。

MoMAと最初期のデジタル作品収蔵

1997–98年、MoMAは《New Concepts in Printmaking 1: Peter Halley》を開催し、版画、壁紙、フローチャート、デジタル制作をまとめて紹介しました。1996年に制作された《Exploding Cell》のインタラクティブ・デジタル版は、MoMAの記録によれば同館が最初に取得したデジタル作品となりました。観客は画面上でcellの配色を選び、自分のバージョンを生成できます。

これは単に「画家がコンピュータを使った」という技術史的な逸話ではありません。ハレーは1980年代から、人間がシステムの端末として接続される社会を描いてきました。1990年代には観客自身がコンピュータ端末へ接続し、作品の配色を操作する状況が生まれます。作品の主題だったネットワークが、作品の制作・鑑賞条件そのものへ移ったのです。

絵画からインスタレーションへ

1990年代半ば以降、ハレーは絵画を壁面のデジタルプリント、シルクスクリーン、立体レリーフ、照明などと組み合わせる大規模インスタレーションを継続します。1995年のDallas Museum of Art《Encounters 6》では、絵画、巨大スクリーンプリント、グラスファイバー・レリーフ、デジタル生成したフローチャートを統合しました。

ここでは絵画の中にあったcellとconduitが、美術館の壁と観客の動線へ拡張します。1980年代には画面が都市のモデルでしたが、インスタレーションでは観客がそのモデルの内部へ入ります。ハレーの制作が絵画から離れたのではなく、絵画の論理を建築スケールに拡張したと考える方が正確です。

index magazine――絵画の外に文化的ネットワークを作る

1996年から2005年まで、ハレーはindex magazineの出版に関わりました。雑誌は美術だけに限定せず、映画、音楽、ファッション、建築、写真、文学など多分野の人物への長時間インタビューを掲載し、Wolfgang Tillmansをはじめとする写真家や若い文化人の活動とも接続しました。

この出版活動は絵画と無関係な副業ではありません。ハレーの作品がcellとconduitによるネットワークを扱っていたように、indexも異なる文化領域をインタビューでつなぐメディアでした。ただし絵画が管理されたネットワークの閉塞を描くのに対し、雑誌は人と人を横断的につなぐ別のネットワークを作ろうとしました。批評だけでなく、文化を流通させる制度そのものを実践した活動と言えます。

教育者としてのハレー

ハレーはSchool of Visual Arts、UCLA、Columbia Universityなどで教えたのち、1999年頃からYale School of Artで教員となり、2002年から2011年まで絵画・版画大学院のDirector of Graduate Studiesを務めました。2010年にはWilliam Leffingwell Professor of Paintingに任命されています。

彼の教育者としての位置は、制作と言語化を分けない姿勢と関係しています。ハレーは作品の「意味を説明する」ことを避ける世代の画家ではなく、むしろ制作を歴史・社会・技術の中で言葉にすることを積極的に行いました。後続世代にとって、画家が批評家、編集者、教師を同時に担えることを示した点も重要です。

2000年代――「同じ語彙を続ける」こと

ハレーは1980年代にcellとconduitを発明して以降、40年以上その語彙を捨てていません。これは同じ作品を繰り返しているようにも見えます。しかし実際には、cellの数、conduitの接続、画面の分割、蛍光色、金属色、真珠光沢色、サイズ、デジタル印刷、建築的設置が変化し続けています。

本人はこの長期的な制作を「数少ない記号を再配置する40年間のチェス」のように語ってきました。同じルールのなかで盤面が変わるため、時代ごとの社会構造が作品に反映されます。1980年代の画面は比較的単純な監禁と導管でしたが、1990年代以降は接続が増殖し、2000年代には複数のprisonが積層し、2010年代以降にはgrid、デジタル壁画、建築空間が複雑に組み合わされます。

複雑化する画面――ポストモダン・バロック

ハレーは2018年のインタビューで、1990年代以降、色、塗料の種類、conduitの数が増え、作品が「baroque」と呼び得るほど複雑化したことを認めています。彼はこれを、World Wide Web以降に通信経路が爆発的に増えた状況と重ねています。

初期の一つのcellと一本のconduitが、現在では多数の区画と経路へ増殖する。これは単なる装飾化ではなく、社会システムの複雑化を絵画構造へ移す方法です。一方でハレー自身はEttore SottsassやLeigh Boweryの派手さにも惹かれており、批評性だけで画面の過剰さを説明することはできません。制度分析と視覚的快楽が共存しています。

色は批評であり快楽でもある

ハレーの蛍光色を「消費社会の毒々しさ」の象徴としてだけ読むと、作品の魅力を半分失います。本人はDay-Gloの明るさそのものに惹かれています。専門的な混色技術を使わなくても極端に強い色を得られることを、Pop ArtとMinimal Artに共通する民主的な制作態度と結びつけています。

つまりDay-Gloは、人工社会への批判であると同時に、人工物への愛着でもあります。ハレーは現代文化の外から批判しているのではなく、その内部で魅了されながら違和感を感じています。作品の蛍光色が楽しいのに、構造は閉塞しているという矛盾こそ重要です。

Malevich、Albers、Newman、Minimalismとの距離

ハレーの幾何学は、Malevich、Mondrian、Albers、Barnett Newman、Frank Stella、Donald Judd、Robert Morrisなど20世紀の幾何学的モダニズムを前提としています。しかし彼は、正方形や単純形態が歴史や社会から独立した普遍言語になり得るという考えを疑いました。

たとえばAlbersの正方形が色彩関係の知覚実験であるなら、ハレーの正方形は社会的な部屋です。Newmanのzipが崇高な空間を開くなら、conduitは情報や資源を輸送します。Minimal Artの立方体が作品の物理的事実を示すなら、ハレーは同じ工業的形式を社会制度のモデルとして読み替えます。彼はモダニズムを拒否したのではなく、その形式を保持したまま意味を反転させました。

Pop Artとの近さ

ハレー自身は、抽象絵画よりAndy WarholのPop Artに近いと語ることがあります。その理由は、作品が純粋な内部世界を表現するのではなく、すでに社会に存在する記号、材料、色、複製技術を利用するからです。Day-Glo、Roll-a-Tex、デジタル印刷は、Warholの商業印刷やスクリーンプリントと同じく、芸術外の技術を美術へ持ち込みます。

さらにWarholが商品や有名人のイメージを反復したのに対し、ハレーは商品社会を支える抽象的な構造を反復します。Campbell’s Soup Canではなく、それを生産・流通・消費するシステムを幾何学化した、と考えると両者の近さと違いが見えます。

Jeff Koonsとの違い

ハレーとJeff Koonsは1985年頃のInternational with Monument、1986年Sonnabend Gallery、1987年Whitney Biennialなど同じ場で注目され、Neo-Geo／Neo-Conceptualの文脈で並べられました。しかし作品の方法は異なります。Koonsは掃除機、バスケットボール、高級酒広告、ステンレス製商品など、欲望の対象を実物や広告イメージとして提示しました。

ハレーが扱うのは、その欲望を流通させるより抽象的な構造です。部屋、回路、道路、情報ネットワーク、企業組織のような「形式」を描きます。Koonsが商品の表面と魅力を拡大したのに対し、ハレーは商品社会の背後で人間を区画・接続する見えにくいシステムをモデル化したと言えるでしょう。

スクリーン社会を「予言した」のか

現在ハレーの作品を見ると、スマートフォン、SNS、クラウド、データセンター、オンライン会議の画面を連想しやすいため、「インターネット社会を予言した」と説明されることがあります。実際、1980年代の作品が今日のネットワーク社会に驚くほど近く見えることは確かです。しかし予言という言葉は慎重に使う必要があります。

ハレーが最初に観察していたのは、すでに当時存在していた電話、電気、テレビ、コンピュータ、郊外道路、企業官僚制、集合住宅でした。デジタル社会がそれらの構造をさらに強化したため、作品のモデルが古びなかったのです。彼が予測したというより、工業社会から情報社会へ移る際の基本構造――孤立した端末がネットワークによって結ばれること――を早い段階で抽象化した、と考える方が正確です。

2024年《The Mirror Stage》

2024年9月から2025年1月までNSU Art Museum Fort Lauderdaleで開催された《Peter Halley: The Mirror Stage》では、ハレーは巨大な展示室を中央壁で二分し、互いによく似た二つの空間を作りました。観客は一方から他方へ直接移動できず、別々の入口を使って両側を経験しなければなりません。壁面には反射性の高い素材が貼られ、巨大な蛍光色の絵画と色面グリッドが配置されました。

これは1980年代のcellという概念を観客の身体へ拡張した作品です。観客自身が区切られた部屋へ入り、鏡像のような別空間を想像しながら移動します。絵画で描いてきた「隔離されながら接続された空間」が、実際の建築体験として再構成されました。

2025年《ALTAR》

2025年、The FLAG Art FoundationのSpotlight企画で《ALTAR》が発表されました。伝統的な祭壇画の形式を借りた開閉式の多翼作品で、外側には金色に塗られた模造レンガ、内部には蛍光色とRoll-a-Texのパネル、さらに奥には爆発するcellのデジタル画像が配置されています。

ここでは1980年代から使ってきた「壁」「cell」「人工建材」、1990年代の《Exploding Cell》、デジタル印刷が一つの物体へ折り畳まれています。作品を開くたびに別の層が現れる構造は、社会システムの表面を剥がして内部を見るようでもあり、宗教的な祭壇画と消費社会の人工素材を混ぜるアイロニーもあります。ハレーが古い語彙を単に再利用するのではなく、自身の制作史そのものを素材化していることが分かります。

2026年――東京、モナコ、ミラノ、モデナ

2026年10月4日現在、ハレーは活発に新作発表を続けています。1月28日から4月3日までAlmine Rech Monacoで《Recent Paintings》、3月28日から4月29日までGalerie Nikolaus Ruzicska Salzburgで《Six Paintings for Salzburg》、4月11日から5月30日までSão PauloのAlmeida & Daleで《The American Connection》が開催されました。いずれもcell、prison、conduitの語彙が、現在のハイパーコネクテッドな社会へ引きつけて再提示されています。

日本では5月28日から8月22日までCeysson & Bénétière Tokyoで《Parable》が開催され、2025–26年制作の未発表作品が紹介されました。中心作《Parable》は約4.88メートル幅の大型作で、8点の絵画と、デジタル出力を基底に真珠光沢アクリルを加えた紙作品が展示されました。1980年代に始まったDay-GloとRoll-a-Texの語彙が、デジタル制作と併存する現在形として示されています。

さらに10月1日から2027年1月31日までTriennale MilanoでPeter Halley展が開催中です。版画、インスタレーション、デジタル実験を30年以上にわたって横断する構成で、デジタル媒体を単なる技術更新ではなく継続的な実験空間として位置づけています。そして10月3日にはGalleria Mazzoli Modenaで《Peter Halley: New Paintings and Studies, 2022–2026》が開幕しました。資料確認日の前日に始まったばかりの展覧会で、近年の絵画とスタディをまとめています。

近年の再評価――1980年代を現在から読む

2023年のMudam Luxembourg《Conduits: Paintings from the 1980s》は、ハレーの1980年代作品を30点規模で再検証した、30年以上ぶりの重要な美術館調査でした。未発表の素描、ノート、スタディも含め、当時の絵画を都市化、工業化、ポスト工業社会、核の脅威、AIDS危機、パーソナルコンピュータとビデオゲームの普及という社会史の中へ戻しています。

2024年Museo Nacional Thyssen-Bornemiszaの《Peter Halley in Spain》は、1985年から2024年までの20点を集め、1992年Reina Sofía以来のスペインでの本格的回顧として開催されました。同館は、モダニズムが理想的合理性として扱った幾何学を、ハレーが社会的監禁と制御の形式へ転換し、デジタル時代の「体系的孤立と全面的接続」を先取りしたと評価しています。

こうした再評価の背景には、現在の社会がハレーの1980年代作品に追いついたように見えることがあります。個室で暮らしながらネットワークへ常時接続し、アルゴリズム、企業システム、物流、データセンターに依存する社会では、cellとconduitは歴史的記号ではなく現役のモデルに見えます。しかし同時に、美術館研究は当時の具体的な政治・経済・文化状況へ作品を戻し、「デジタル社会を予言した天才」という単純な神話から距離を取っています。

Peter Halleyは何を変えたのか

第一に、幾何学抽象を「社会を描かない純粋芸術」から、社会そのものを描く言語へ転換しました。正方形は理想的な形ではなく、監獄、部屋、コンピュータ端末、行政区画になる。線は構成要素ではなく、電気、情報、交通を流す導管になる。抽象形式に具体的な社会機能を与えたことが大きな変化です。

第二に、モダニズム批判を絵画放棄によってではなく、絵画内部から行いました。1980年代には写真、映像、言語、インスタレーションが批評的メディアとして勢いを持つ一方、ハレーはカンヴァスを使い続けました。絵画の歴史的形式を保持しながら、その意味だけを反転することで、抽象絵画にも制度批評的な可能性があることを示しました。

第三に、素材を意味として使いました。Roll-a-Texは安価な住宅の壁、Day-Gloは広告・安全標識・電子光、金属色や真珠光沢色は工業製品の表面を連想させます。素材が「美しい色と質感」以上に、社会環境の出自を持っています。

第四に、孤立と接続が同じシステムの二面であることを視覚化しました。cellは閉じているのにconduitでつながっている。この構造は集合住宅、企業、病院、電話網だけでなく、今日のスマートフォン、SNS、クラウド、リモートワークにも通じます。

第五に、画家が同時に批評家であり得るモデルを作りました。「The Crisis in Geometry」「The Deployment of the Geometric」などの文章は、自作の宣伝ではなく、同時代美術と社会を分析する独立した批評として読まれました。2000年にはCollege Art AssociationのFrank Jewett Mather Awardを受賞しており、文章活動そのものが制度的に評価されています。

第六に、絵画の記号を版画、デジタル作品、壁紙、建築的インスタレーションへ拡張しました。《Exploding Cell》ではcellが時間的に変化し、MoMAのインタラクティブ版では観客がデジタル端末を通じて作品へ参加します。《The Mirror Stage》では観客自身がcellのような空間へ入ります。

第七に、同じモチーフを40年以上続けることを「停滞」ではなく研究方法へ変えました。社会が工業化から情報化、インターネット、SNS、アルゴリズムへ移るたび、同じcellとconduitが別の意味を帯びます。変化する社会を測る固定された座標軸として、自分の語彙を維持しているのです。

そして最も重要なのは、ハレーが抽象と具象の区別をずらしたことです。彼の画面には人間も街もコンピュータも写実的には描かれません。それでも、私たちがどのような部屋に入り、どのネットワークへ接続され、どのシステムに管理されているかを具体的に示しています。ハレーの言葉を借りれば、彼は「抽象的な社会のリアリスト」です。蛍光色の四角形が現在も古びないのは、それが未来を予言したからというより、近代以降の社会を支える最も基本的な構造――区画し、接続し、流通させること――を、極端に単純な図として描き続けているからです。

略年譜

1953

9月24日、ニューヨークに生まれる。幼少期をマンハッタンで過ごす。

1956

父Rudolph Halleyが死去。父は法律家で、Kefauver委員会の主任法律顧問として組織犯罪調査に関わった。

1971

Phillips Academy Andoverを卒業し、Yale Universityへ進学。

1973–74頃

一時的にNew Orleansで生活。北東部とは異なる都市文化と社会構造を経験する。

1975

Yale Universityを卒業。美術専攻ではなく美術史でB.A.取得。Matisse、New York School、Conceptual Artなどを研究しながら制作を継続。

1977

ヨーロッパを訪れ、VeniceでTintorettoを見て強い影響を受ける。

1978

University of New OrleansでMFA in Painting取得。Picassoや幾何学構成を参照する絵画を制作。

1979

American Academy and Institute of Arts and Lettersの賞を受賞。

1980

New Yorkへ戻りEast 7th Streetのロフトで生活。都市の人工的な幾何学を制作の中心問題として捉え始める。P.S.122で《Post-Classical Paintings and Drawings》。

1981

《The Prison of History》《Freudian Painting》《Prison with Conduit》などを制作。Roll-a-Texを使い、prison／cell／conduitの語彙を形成。Arts Magazineへ批評文を発表し始める。

1982

《Day-Glo Prison》《Red Cell with Conduit》などで蛍光色を本格的に導入。「Notes on the Paintings」でcell、conduit、Roll-a-Tex、Day-Gloの意味を整理。

1983

《Two Cells with Conduit and Underground Chamber》など、地下空間と複数cellを組み合わせる構成へ進む。

1984

Arts Magazineに「The Crisis in Geometry」を発表。International with MonumentのMeyer Vaismanと出会う。

1985

4月、International with Monumentで重要な個展。São Paulo Biennial、Infotainment等へ参加。cellとconduitの語彙が国際的に知られ始める。

1986

「The Deployment of the Geometric」等を発表。10月、Sonnabend GalleryのAshley Bickerton、Peter Halley、Jeff Koons、Meyer Vaismanによる4人展に参加。Neo-Geo／Neo-Conceptualの代表的存在として論じられる。

1987

Whitney Biennialへ参加。《Blue Cell with Triple Conduit》《Yesterday, Today, Tomorrow》などを制作。「Notes on Abstraction」を発表。Sonnabend Galleryで個展。

1988

《Two Cells with Circulating Conduit》《Red Cell》などネットワーク構造を複雑化。初期論考集《Collected Essays 1981–1987》刊行。

1989

Museum Haus Esters, Krefeldで大規模個展。Saint-Étienne、Institute of Contemporary Arts Londonへ巡回。版画制作を拡張。

1990

Kodalithやレリーフ作品を発表。Sonnabend周辺で形成された1980年代の文脈から、より広い国際的評価へ移る。

1991

CAPC Bordeauxで《Works: 1982 to 1991》。Pully／Lausanne、Reina Sofía、Stedelijk Museumへ巡回。Whitney Biennialに再参加。

1991–92

《The Acid Test》制作。複数パネルと複雑な導管によるフローチャート的な構成が顕著になる。

1992–93

コンピュータを色・比率・フローチャート制作へ導入。ネット上のThe Thingのためのデジタル作品にも関わる。

1994

9点組《Exploding Cell》制作。cellの汚染、爆発、溶融、消滅という時間的な物語を版画で展開。

1995

Dallas Museum of Art《Encounters 6》で絵画、シルクスクリーン、レリーフ、デジタル・フローチャートを統合した大型インスタレーション。以後、建築的展示を継続。

1996

index magazineを創刊・出版。《Exploding Cell》のインタラクティブ・デジタル版をMoMAと制作。

1997–98

MoMA《New Concepts in Printmaking 1: Peter Halley》。デジタル作品、壁紙、フローチャート、版画をまとめて紹介。

1999

Yale School of Artで教員活動を開始する時期。制作・批評・編集・教育を並行。

2000

College Art AssociationのFrank Jewett Mather Awardを批評活動に対して受賞。

2002–2011

Yale School of Artで絵画・版画大学院Director of Graduate Studiesを務める。

2005

《Blackout》《Edutainment》など、複数cellと強い蛍光色による大型作品を制作。index magazineの紙媒体活動が終盤を迎える。

2010

Yale UniversityのWilliam Leffingwell Professor of Paintingに任命。

2014

Musée d’Art Moderne de Saint-Étienne Métropoleで《Since 2000》。21世紀の作品をまとめて検証。

2016

Schirn Kunsthalle Frankfurtで大規模なインスタレーションを制作。

2018

New YorkのLever Houseで《New York, New York》。建築、光、色フィルム、絵画を統合した大規模環境を展開。

2021

Dallas Contemporary《CELL GRIDS》。2015年以降のcellをグリッド状に配置した作品群を、街路のような立体展示構造で提示。

2023

Mudam Luxembourg《Conduits: Paintings from the 1980s》。30点規模の初期作品と未発表資料によって、1980年代の制作を30年以上ぶりに美術館で本格再検証。

2024

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza《Peter Halley in Spain》、NSU Art Museum《The Mirror Stage》。1985–2024年の回顧と、鏡像的な建築空間による新作インスタレーションが並行。

2025

FLAG Art Foundationで《ALTAR》を発表。模造レンガ、Roll-a-Tex、蛍光色、デジタル《Exploding Cell》を開閉式祭壇画へ統合。New Orleansでは1977–78年の初期作も再検証される。

2026

Monaco、Salzburg、São Paulo、Tokyoで個展。Tokyoの《Parable》では2025–26年新作を発表。10月1日Triennale Milano展、10月3日Galleria Mazzoli Modena《New Paintings and Studies, 2022–2026》が開幕し、現在も制作と再評価が続く。

参考資料・出典

本ページはPeter Halley公式サイト、Mudam Luxembourg、The Museum of Modern Art、Whitney Museum of American Art、The Broad、Museum of Contemporary Art Tokyo、Museo Nacional Thyssen-Bornemisza、NSU Art Museum、Yale University、Smithsonian Archives of American Art、The FLAG Art Foundation、Triennale Milano、Ceysson & Bénétière等の美術館・大学・公式アーカイブ・展覧会資料を中心に参照し、ART LIBRARYが独自に構成・執筆しました。Neo-Geoという呼称はハレーが宣言して組織した運動名としてではなく、1980年代半ばに批評上用いられた分類として扱っています。また、作品を「インターネット社会の予言」と単純化せず、本人の1980年代の文章と2023年Mudamの研究に基づき、工業化・郊外化・官僚制・電話・コンピュータ・電子娯楽など当時すでに存在した社会システムの分析として整理しました。

• Peter Halley — Official Site
• Peter Halley — 1980s Works
• Peter Halley — Selected Essays
• Peter Halley — The Crisis in Geometry, 1984
• Peter Halley — The Deployment of the Geometric, 1986
• Smithsonian Archives of American Art — Oral history interview with Peter Halley, 2021
• Mudam Luxembourg — Peter Halley: Conduits: Paintings from the 1980s
• The Museum of Modern Art — Peter Halley
• Whitney Museum of American Art — Peter Halley
• The Broad — Peter Halley
• Museum of Contemporary Art Tokyo — Rectangular Cell with Underground Conduit
• Museo Nacional Thyssen-Bornemisza — Peter Halley in Spain
• NSU Art Museum — Peter Halley: The Mirror Stage
• Yale University — Peter Halley Appointed the Leffingwell Professor
• The FLAG Art Foundation — Spotlight: Peter Halley / ALTAR
• Ceysson & Bénétière Tokyo — Peter Halley: Parable, 2026
• Triennale Milano — Peter Halley, 2026–2027
• Galleria Mazzoli — Peter Halley: New Paintings and Studies 2022–2026

資料確認日：2026年10月4日　／　ART LIBRARY