Lee Krasner

壊して、組み直す

捨てたドローイングが新しい材料になる

クラスナーは破り捨てた白黒のドローイングをしばらく床に放置しました。Guggenheim Bilbaoの資料によれば、数週間後にスタジオへ戻ったとき、散らばった破片の組み合わせに新しい可能性を見出します。そこで破片を別の支持体へ貼り、自分自身の古い絵画や失敗作まで切り刻み、コラージュとして再構成し始めました。

この方法は、最初から計画された「コラージュ作品」の制作とは少し異なります。一度完成した、あるいは失敗したと判断した作品を材料へ戻し、その意味や構図をいったん壊してから別の作品へ変換しています。過去の制作を保存するのではなく、現在の制作のために再び使える素材として扱ったのです。

《Desert Moon》と1955年のコラージュ展

1955年の《Desert Moon》では、自作を切った紙片が縦長の形や有機的な形として組み合わされ、その上からさらに絵具が加えられています。LACMAによれば、クラスナーは1940年代からコラージュを試していましたが、1950年代にはこの方法が大型化し、より重要な制作方法になりました。

同年、Stable Galleryでコラージュ作品をまとめて発表します。Guggenheim Bilbaoは、クラスナーが1951年の個展作品を切り直した断片、新聞、厚い写真用紙、麻布、さらにポロックが捨てたドローイングの一部まで組み込んだことを記録しています。ここでは作品の「完成」は固定された終点ではありません。一度完成した作品でも、必要であれば壊して次の作品へ移すことができます。

破壊は否定ではなく、制作の継続になる

クラスナーは、以前の作品を壊す行為を自己否定だけで終わらせませんでした。破片の形、以前描かれた線、異なる時期の色が新しい画面の中で予想外の関係を作ります。切ることによって、自分が意図して描いた形から距離を取り、偶然現れた形を再び選択できるようになります。

この「制作→破壊→再構成」という循環は晩年にも戻ってきます。1970年代の《Imperative》では、紙や過去の作品の断片、木炭、油彩を組み合わせ、再びコラージュを主要な方法として使いました。クラスナーにとって過去の作品は、保存すべき完成品であると同時に、必要なら再び加工できる現在の材料でもありました。

クラスナーの絵画をどう見るか

一つの「クラスナー様式」を探さない

クラスナーの作品を年代順に並べると、同じ作家とは思えないほど画面が変化します。1940年代の小さな格子状の絵画、1950年代の切断されたコラージュ、巨大な有機形態、褐色の激しい筆触、1960年代の鮮やかな色彩、1970年代の幾何学的な再コラージュ。それぞれの時期に共通する一つの外見を探すのは困難です。

MoMAもクラスナーを「絶えず自分の抽象を更新した」作家として紹介しています。変化は一貫性の欠如ではなく、むしろ同じ方法へ固定されることを拒む制作姿勢そのものだったと考えられます。

形がどこから来たのかを見る

抽象画でも、クラスナーの形は完全に無関係な幾何学記号ではありません。葉、種、身体、細胞、文字、植物、骨格のように見える形が繰り返し現れます。《Gaea》では花や身体を思わせる有機的な形が、大きな画面を回転するように動きます。

本人は完全に抽象的なアイデアから作品を作るという考えに距離を置いていました。MoMAの《Gaea》解説でも、彼女が自然や生命の根源的な形から出発していたことが紹介されています。具体物を描いてはいないが、自然や身体から完全に切り離されてもいない。その中間にクラスナーの抽象があります。

画面サイズと身体の関係を見る

Little Imagesは小さなテーブル上で制作できる規模でした。それに対して《The Seasons》は横幅5メートルを超え、《Cobalt Night》も約4.1メートルあります。画面が大きくなると、指先や手首だけではなく、腕、肩、胴体を使った動作が必要になります。

Whitneyは《The Seasons》について、画面を横切る大きな曲線を追うことで、クラスナーが腕全体を使って描いた動きを想像できると説明しています。筆触は感情の痕跡であるだけでなく、画家と画面の物理的な大きさの関係でもあります。

「女性作家だから」という説明だけに閉じない

クラスナーは女性であることによって、同時代の男性作家と同じようには評価されませんでした。ハンス・ホフマンが彼女の作品を褒める際に「女性が描いたとは思えない」と述べた逸話は、当時の制度的な偏見を象徴しています。

しかし、作品をジェンダー差別の歴史だけで説明すると、絵画そのものの変化が見えにくくなります。社会的な条件を理解したうえで、切断、反復、色、支持体、筆触、スケールといった具体的な制作方法を見ることが必要です。

ポロックとの関係をどう見るか

「ポロックの妻」になる以前から画家だった

クラスナーはポロックに出会う以前から、WPAで働き、American Abstract Artistsに参加し、ホフマンのもとで学び、ニューヨークの前衛美術家や批評家と広い関係を築いていました。MoMAは、1940年代初頭のクラスナーをすでにニューヨーク美術界の中心にいた人物として説明しています。

実際、ポロックをデ・クーニング、ホフマン、グリーンバーグらへ接続したのはクラスナーでした。二人の関係は、一方が作家でもう一方が支援者だったという単純な構図ではありません。

互いの作品を見ていた

スプリングスでは別々のスタジオで制作していましたが、二人は互いの作品について意見を交わしていました。またクラスナーの1950年代のコラージュには、ポロックが捨てたドローイングの断片が使われた例もあります。そこでは文字通り二人の制作物が一枚の作品の中で重なっています。

一方で、ポロックが国際的に成功するにつれて、クラスナー自身の活動は長く「Mrs. Jackson Pollock」という立場の陰に置かれました。現在の研究では、二人を比較しつつ、それぞれ異なる制作を持つ独立した作家として検討する方向が強まっています。

1956年以後

1956年8月、クラスナーがヨーロッパに滞在している間にポロックが自動車事故で死去しました。帰国したクラスナーは遺産管理者としてポロック作品の保存と評価形成を担う一方、自身の制作も続けました。

翌1957年頃から、ポロックが使っていた納屋のスタジオを使用するようになり、画面は大幅に大型化します。《The Seasons》はその最初期の成果の一つです。夫の死を契機とした作品であることは確かですが、その変化を悲嘆だけで説明するのではなく、新しい制作空間を獲得したという物理的な条件も見る必要があります。

小さな画面から巨大な画面へ

《The Seasons》：再生する画面

1957年の《The Seasons》は横幅約5.18メートルに達し、それまでのクラスナー最大級の作品でした。Whitneyは、植物、果実、身体を思わせる形が画面全体を埋め、生命の循環や再生を想起させる作品として紹介しています。

ポロックの死から一年後に制作され、クラスナー自身も、制作を続けられるのかという問いに対する一つの答えだったという趣旨の発言を残しています。喪失の直後に、黒く閉じた画面ではなく、緑、ピンク、白などの有機的な形が広がる点は重要です。

夜に描くため、色を捨てる

1959年頃から1960年代初頭、クラスナーは不眠に悩み、夜中にスタジオで制作することが増えます。Metの《Night Creatures》解説によれば、夜の人工光の下では色を正確に判断したくないと考え、黒、白、アンバーなど限られた色に絞りました。この一連は「Night Journeys」と呼ばれています。

《Cobalt Night》のような大画面では、褐色、黒、白、赤みを帯びた筆触が激しく交差します。色数を減らした結果、筆の速度、方向、絵具の厚みがより強く前面へ出ました。

1960年代：色彩が戻る

1960年代半ばになると、鮮やかな色彩が再び戻ります。《Gaea》ではピンク、赤、緑、白などが巨大な有機形態を作り、画面全体が循環するように構成されています。MoMAは、この時期のクラスナーが身体全体を使って大きな筆触を描いていたことを指摘しています。

ここで重要なのは、初期の小さな記号的画面が「未熟」で、巨大な身振りが「完成形」だったわけではないことです。クラスナーは後にもコラージュへ戻ります。小／大、幾何学／有機形、色彩／無彩色を何度も往復しました。

評価の変化

抽象表現主義の中心にいながら、長く周縁化された

クラスナーは抽象表現主義の形成期から活動していましたが、戦後美術史では長くポロック、デ・クーニング、ロスコ、ニューマンら男性作家が中心に語られました。MoMAも、クラスナーが自分の作家としてのアイデンティティを、ポロックの妻・未亡人としての役割とは別に確立する必要があったことを指摘しています。

しかし作品を年代順に見ると、クラスナーは周辺的な追随者ではありません。1940年代のオールオーヴァーな小画面、1950年代の作品破壊とコラージュ、巨大画面、1970年代の再構成まで、一貫して抽象絵画の仕組みそのものを実験していました。

1965年以降の大規模展

1965年、ロンドンのWhitechapel Galleryで大規模な個展が開かれ、1973–74年にはWhitney Museumで「Lee Krasner: Large Paintings」が開催されました。1983年にはMuseum of Fine Arts, Houstonを起点とするアメリカで初めての本格的な回顧展が始まり、San Francisco Museum of Modern Artなどを巡回しました。

クラスナーは1984年6月19日にニューヨークで死去し、その回顧展がMoMAへ到着した同年12月を見ることはできませんでした。MoMAでの回顧展は、彼女の長い制作をポロックとの関係だけではなく、一人の画家の変化として見る重要な機会になりました。

現在の見方

現在では、クラスナーを「女性版ポロック」のように見る説明は大きく後退しています。MoMA、Whitney、National Gallery of Artなどは、それぞれ異なる時期の作品を収蔵し、繰り返される自己更新を彼女の重要な特徴として扱っています。

とくに、過去の作品を切断して再利用する方法は、直線的な「進歩」とは異なる制作観を示します。前の作品を乗り越えて捨てるのではなく、物理的に壊して次の作品の内部へ残す。クラスナーの作品では、過去と現在が同じ画面の中で実際の物質として共存しています。

画像利用について

2026年現在、MoMA、Whitney、The Metropolitan Museum of Art、National Gallery of Art、LACMAなどのクラスナー作品には、Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society（ARS）による著作権表示があります。ART LIBRARYでは作品画像を無断転載せず、現在は主要作品を画像なしで掲載します。画像を追加する場合は、権利者または所蔵館からウェブ掲載の利用条件が明示されたものに限ります。

略年譜

1908

10月27日、ニューヨークのブルックリンに生まれる。

1920年代

Cooper Union、Art Students League、National Academy of Designなどで美術を学ぶ。

1929

開館したばかりのMuseum of Modern Artを訪れ、ヨーロッパ近代美術から強い衝撃を受ける。

1934–1940年代初頭

New Dealの公共美術事業に参加し、WPA Federal Art Projectの壁画部門などで働く。

1937頃

ハンス・ホフマンのもとで学び始める。American Abstract Artistsにも参加。

1942

「French and American Painting」展に出品。ジャクソン・ポロックと出会う。

1945

ポロックと結婚。ロングアイランドのスプリングスへ移住。

1946–1949

「Little Images」シリーズを制作。

1951

Betty Parsons Galleryで個展。《Number 3 (Untitled)》など大型の幾何学的抽象画を制作。

1953頃

自作のドローイングや絵画を破り、その断片を利用したコラージュ制作を本格化。

1955

Stable Galleryで大型コラージュを発表。《Desert Moon》《Bald Eagle》などを制作。

1956

8月、ポロックが自動車事故で死去。

1957

ポロックが使用していた納屋のスタジオへ移り、大画面制作を進める。《The Seasons》を制作。

1959–1960年代初頭

夜間制作を中心とする「Night Journeys」の時期。黒、白、褐色を主体とする巨大作品を制作。

1962

《Cobalt Night》など大規模な作品を制作。

1965

ロンドンのWhitechapel Galleryで大規模個展。

1966

《Gaea》を制作。

1973–1974

Whitney Museum of American Artで「Lee Krasner: Large Paintings」開催。

1976

コラージュへ再び本格的に取り組み、《Imperative》などを制作。

1983

Museum of Fine Arts, Houstonでアメリカ初の本格的な回顧展が開幕。

1984

6月19日、ニューヨークで死去。同年12月、回顧展がMoMAで開催される。

参考資料・出典

本ページはThe Museum of Modern Art、Whitney Museum of American Art、Pollock-Krasner House and Study Center、The Metropolitan Museum of Art、National Gallery of Art、LACMA、Guggenheim Bilbaoなどの美術館・研究機関資料を参照してART LIBRARYが独自に執筆しました。原文の全文翻訳ではありません。

• The Museum of Modern Art — Lee Krasner
• Whitney Museum of American Art — Lee Krasner
• Pollock-Krasner House and Study Center — Lee Krasner
• The Museum of Modern Art — Untitled, 1949
• Whitney Museum — White Squares
• The Museum of Modern Art — Number 3 (Untitled)
• LACMA — Desert Moon
• Whitney Museum — The Seasons
• National Gallery of Art — Cobalt Night
• The Museum of Modern Art — Gaea
• National Gallery of Art — Imperative
• Guggenheim Bilbao — Stable Gallery / Krasner’s Collages

資料確認日：2026年10月1日　／　ART LIBRARY