Julian Opie

喜多川歌麿――人物を簡略化しても個性は残る

オピーは日本の浮世絵を長年収集し、とりわけ喜多川歌麿と歌川広重を「heroes」と呼んでいます。歌麿の美人画では、顔の輪郭や目鼻の形は現代の写実肖像ほど細かく描き分けられていません。それでも髪型、姿勢、衣服、持ち物、仕草によって人物の個性が生まれます。

オピーはこの点を自分のportraitと重ねました。「似せるためには写真のdetailが必要」という西洋近代以後の常識とは別のportrait systemが、浮世絵には存在します。

さらに浮世絵は一点物ではなく、版元、絵師、彫師、摺師によって多数制作された複製メディアでした。オピー自身もscreenprint、edition、digital image、public signageを積極的に使います。視覚言語だけでなく、「複製される美術」という制度面でも浮世絵は重要な参照源です。

《Ruth with cigarette》――浮世絵と現代の肖像

2005年頃の《Ruth with cigarette》では、現代の女性が煙草を持つ姿を半身で描きます。オピー自身は、このseriesを歌麿の女性像から着想したと説明しています。歌麿が女性を髪を梳く、手紙を読むといった日常的な動作の中で描いたように、Ruthも「portraitのために硬く正面を向く」のではなく、自分の行為の中にいます。

ここではhistorical quotationが仮装として使われるのではありません。現代の服装、煙草、身体を、江戸期のportrait compositionと同じ方法で読めるかを試しています。

オピーが浮世絵から学んだのは「日本風の模様」ではなく、平面性、輪郭、cropping、複製、日常動作を通じて人物を成立させる方法です。そのため作品はJaponismeの装飾的引用とは異なる位置にあります。

歌川広重――風景、移動、縦長画面

風景では歌川広重が重要です。オピーは広重作品を収集し、縦長の画面、手前に大きな木や人物を置いて奥行きを強める構図、雨、鳥、舟、旗などによってmovementを示す方法に強く影響されたと語っています。

広重の版画は静止画ですが、雨が降り、舟が進み、人が橋を渡ります。オピーはその「示唆されたmovement」をcomputer animationによって実際に動かせると考えます。

ここでもdigital technologyは伝統を断絶するものではありません。19世紀木版画の視覚的発明を21世紀のscreenへ翻訳しているのです。

古代エジプト、ローマ、ルネサンスを同時に見る

オピーの歩行人物は、現代都市の通行人だけをsourceにしていません。本人はEgyptian striding figures、Greek Tanagra figurines、Roman mosaicsやfriezesを繰り返し挙げています。

古代の人物像はしばしば輪郭と姿勢によって役割や動作を伝えます。写真的な一瞬より、「歩く人」「運ぶ人」「戦う人」という型が明快です。オピーのfiguresも個人肖像でありながら、同時に「walking person」という型になります。

初期ルネサンスの遠近法、17世紀portrait、19世紀浮世絵、現代のanimationを同時に使うことから分かるように、彼の美術史参照は年代順の進歩史ではありません。異なる時代から「いま使える描き方」を選び、自分のvisual languageへ組み込みます。

歩く人物――「ポーズ」から「通過する身体」へ

2000年代後半から2010年代にかけて、walking figuresがオピーの中心的主題になります。本人によれば、子どもの迎えを待ちながら車から街路を眺めていたとき、通行人一人ひとりがモデルとして非常に興味深いことに気づきました。

肖像のmodelはcameraを意識してposeしますが、通行人はどこかへ向かい、携帯電話を使い、煙草を吸い、bagを持ち、artistを意識せず通過します。身体は自分の目的のために動いています。

オピーは、この「自分を見せようとしていない姿」に魅力を感じます。歩行はportraitとdocumentaryの中間にあり、個人のstyleが服装だけでなくgaitへ現れます。本人は歩き方をhandwritingやvoiceと同じくらい個人的なものと捉えています。

Muybridgeと連続写真――動きを分解する

歩行animationを作る際、オピーは人物をfilmで撮り、動きをframeへ分解し、二歩分ほどのcycleを選んで輪郭を描き直します。この工程はEadweard Muybridgeの連続写真を思わせます。

ただし、Muybridgeが科学的に運動を分解しようとしたのに対し、オピーはその連続frameから「滑らかにloopするdrawing」を作ります。すべてのframeを忠実にtraceするのではなく、動きが自然に見えるよう修正します。

つまりcameraは現実をそのまま作品へ運ぶ装置ではなく、drawingの資料です。photograph→選択→trace→単純化→animationという複数段階を経て、実在の歩行は新しい記号へ変換されます。

街の通行人をモデルにする

オピーの「walkers」はstudio modelではなく、実際の街で撮影した通行人をsourceにすることが多くあります。Londonで始めた方法をMumbai、Seoul、Melbourne、New York、Busanなどへ広げました。

現地のphotographerへ指示を出し、大量の歩行者写真を撮影してもらい、その中から人物を選びます。服装、bag、tattoo、hair、姿勢など、artistがinventしきれない偶然のdetailが作品へ残ります。

この方法は都市の「代表的市民」を統計的に選んでいるわけではありません。あくまでvisual interestによるselectionです。したがって一つのseriesをその都市の社会学的断面とみなすことはできません。それでも、都市ごとの服装、光、歩行の違いがdrawingへ入り、同じvisual systemの中で比較されます。

London、Mumbai、Seoul、Melbourne、New York

都市ごとのwalkersは、オピーの作品にlocalityを持ち込みます。Londonでは黒や灰色のbusiness attireが多く、Seoulではより明るい色やaccessoriesが目立ったと本人は述べています。Melbourneでは現地photographerが街路を撮影し、約60人分のdrawingを作りました。

しかし作品が完成すると、背景は消されることが多くあります。都市の固有景観ではなく、人物の衣服と身体だけが残る。この削除によってlocalityは弱まる一方、別の都市に設置しても読める普遍的なfigureになります。

オピーは「誰でも同じ」というglobalizationのimageを作るのではなく、共通のvisual grammarの中で差異がどこに残るかを探していると見る方が適切です。

《Promenade》――LEDを現代の彫像にする

2012年CalgaryのEast Villageへ設置された《Promenade》は、高さ4.8mの四面LED towerです。Jeremy、Jennifer、Rod、Tina、Verity、Krisという人物がそれぞれ異なる速度で歩き続け、追い越し、集まり、また離れます。

screenの中のfigureですが、四面構造と巨大scaleによってpublic sculptureとして機能します。古代のstriding statueが石の中で歩行を固定したのに対し、LEDでは歩行そのものが永遠にrepeatされます。

興味深いのは、技術が高度になっても描写は単純な線と色のままだという点です。LEDの目的は写真のようなrealismを得ることではなく、「石像ではできない時間」を彫刻へ追加することです。

公共空間――美術館の外でどう見えるか

オピーはTokyo、New York、Prague、Dublin、Seoul、Calgary、Taipei、Hong Kong、Lisbonなど多くの都市でpublic projectを制作しています。office building、station、hotel、shopping complex、hospitalなど、日常の移動空間が多いことが特徴です。

本人はGINZA SIXのprojectについて、galleryやmuseumのwhite roomとは異なり、現実世界は情報と人で混雑しているため、その中で「目立ちながら邪魔にならない」作品を作る必要があると語っています。

public artでは観客は作品を見る目的で訪れるとは限りません。shopping、通勤、旅行の途中で偶然imageと出会います。その点でオピーの簡潔なvisual languageは非常に強く機能します。数秒でも認識でき、遠距離でも読めるからです。

同時に、商業施設へ作品を置くことは、作品と広告の境界を曖昧にします。オピーはこの曖昧さを避けません。彼のimageはもともとsignageとadvertisingから学んでおり、美術だけが都市の視覚環境から隔離されるべきだとは考えていません。

木、石、鋼、ブロンズ、LED――線を物質へ変換する

オピーの制作を画面上のdigital drawingだけで理解すると、materialの多様性を見落とします。1980年代のsteel、1990年代のwoodとglass、2000年代のvinyl、LCD、granite、2010年代のbronze、limestone、mosaic、cut metal、そして近年のLEDやVRまで、非常に多くの製作技術を使います。

drawingは共通していますが、materialによって線の性格は変わります。stoneへ彫れば重く永続的になり、vinylならcommercial signのようにflatになり、LEDではlightになって動きます。

本人は近年、paintというskinで覆うよりsteelやconcreteなど素材自体でdrawingすることにも関心を持つと述べています。つまり簡潔なimageの裏側には、常に「何で作るか」というsculptor的判断があります。

身体とスケール――小像から巨大画面まで

オピーは小さなGreek Tanagra figurineについて、小さい像を見ることで逆に自分が小さくなったように感じ、想像上の世界が巨大化すると語っています。scaleは単に大きいほど強いわけではありません。

一方、公共作品ではfigureを数mへ拡大し、建築と競合させます。等身大なら「人とすれ違う」感覚になり、巨大ならmonument、screen内ならsignageへ近づきます。

同じwalking figureでも、scaleが変わると作品の社会的意味が変わります。オピーはこの違いを利用し、portraitを個人所有できるprintからcity-scale installationまで移動させています。

2018–19年NGV――美術館全体を一つの都市にする

2018年11月から2019年2月までNational Gallery of Victoriaで開催された大規模個展は、オピーの作品をportraitだけでなくurban environment全体として示しました。60点以上が展示され、館内のFederation Courtには最大13mのskyscraper群が立ち、水壁の背後ではdigital carpが泳ぎ、庭にはstone sheepやhorse、crowが配置されました。

中央galleryでは1993年から当時までのmoving image worksを40点以上集めています。初期の道路animationからwalking figuresまでを並べることで、digital movementがcareer後半に突然加わった要素ではないことが明確になりました。

またMelbourneの実際の通行人をsourceにした作品を現地で見せたことも重要です。美術館内部に架空の都市を作りながら、その都市の住民が作品へ戻ってきます。exhibition designと個々のworkが分離せず、空間全体が一つのimage systemになります。

収集家としてのオピー

オピーは自ら作品を作るだけでなく、古今の美術を収集しています。studioには17世紀Old Master portrait、古代Egyptian sarcophagus、Indonesiaの木彫、日本の19世紀浮世絵、contemporary artなどが共存しています。

このcollectionを見ると、彼の引用が美術史の教科書的知識だけから来ていないことが分かります。作品と生活し、毎日見る中で、その形や技術を自分のdrawingへ取り込んでいます。

「originality」を過去と切断した新しさとして考えるのではなく、既存のvisual languagesを理解し、現在のmaterialへ翻訳する能力として考えている点が特徴です。1983年《Eat Dirt, Art History》の態度が成熟した形とも言えます。

2017年《Julian Opie after Van Dyck》

2017年National Portrait Galleryでは、Van Dyckの自画像とオピーの新作portraitを同じ17世紀galleryで対話させる《Julian Opie after Van Dyck》が開催されました。

オピーのportraitはurban signs、advertising、animationに似ていますが、本人は古典portraitのpose、cropping、衣服、手の位置も研究しています。現代的なgraphic styleとhistorical portraitureは対立しません。

人物を単純なlineへ変えることは「歴史を捨てること」ではなく、portraitが数百年間使ってきた構図を別のvisual languageへ置き換えることです。National Portrait GalleryでVan Dyckの近くに展示されたことで、この連続性が明示されました。

VR――描かれた世界へ身体ごと入る

2022年、オピーは《OP.VR/01》として初のVR installationを制作し、TokyoのPARCO Museumで発表しました。もともと彼はexhibition planningのため、galleryの3D modelをVRで歩き、作品配置を検討していました。その作業空間そのものが面白くなり、観客にも共有する作品へ変えたと説明しています。

2023年Lisson Gallery Londonの《OP.VR@LISSON/London》では、VR空間と現実galleryの作品を並置しました。物理法則から解放されたvirtual worldでも、彼は奇抜なfantasyへ行くより、gallery、plinth、painting、sculptureといった馴染みのある構造を残しています。

これは重要です。VRの新奇さを見せることが目的ではなく、「現実らしさがどのように脳内で組み立てられるか」を体験させます。極端にsimplifiedなdrawingでも、空間内に適切に置かれれば身体はそれをworldとして受け入れます。

現実を見ること自体が「モデル化」なのか

オピーはVRについて、人間の視覚も外界を直接見ているのではなく、網膜へ入った情報を脳が解釈してmodelを作っていると書いています。その意味では「real world」と「virtual world」は完全な反対ではありません。

彼の単純化されたdrawingが成立する理由もここにあります。脳は線と色を受け取り、足りない情報を補い、「人が歩いている」「道路が続いている」と理解します。作品は現実の劣化版ではなく、知覚のmodel-makingを意識化する装置です。

初期のsteel sculptureからVRまで四十年を通して見ると、技術は変わっても問題は一貫しています。絵を作るとは、世界を別の小さな世界へmodel化することなのです。

子どもを描く――歩き方から個性を見る

2024年頃からオピーは4〜8歳ほどの20人のschool childrenを撮影し、新しいseriesを開始しました。それ以前は成人とscaleを合わせにくいため、子どもをwalkers projectから外していたと本人は述べています。

撮影では一人ずつ学校のstageを歩いてもらい、そのfilmからsmoothな二歩分のloopを選び、約30枚ほどのdrawingへ分解してanimationを作ります。子どもは成人ほど歩き方が均質化しておらず、腕、脚、頭の動きに強い個性があります。

本人は、それぞれの歩行を古代temple wallのfriezeやGreek vaseのfiguresと比較しています。現代のschool childrenが歴史的figure typeへ重ねられる一方、忘れ物をした服、落ち着かないgestureなど具体的な個性も残ります。

走る身体――《Marathon. Women.》

2024年から25年頃には、British athleticsのtop athletesを撮影し、sprinting figuresを作品化しました。walkingよりはるかに速いrunningでは、一瞬の姿勢が肉眼で追いにくく、videoで分解することが重要になります。

2025年9月にGINZA SIXで公開された《Marathon. Women.》では、7人の女性runnerが異なる色と速度で大型LED screenを走り続けます。modelはBritish elite athletesで、screenは吹き抜けの両面から見える構造です。

歩く人物では都市の日常が題材でしたが、runnerでは身体の能力そのものが強く現れます。それでも顔を詳しく描写せず、脚、腕、髪、服、rhythmによって人物を識別させる基本原理は変わりません。

2025–26年GINZA SIX――商業空間と公共作品

《Marathon. Women.》は2025年9月11日からGINZA SIX中央吹き抜けに設置され、2026年10月4日時点でも展示が続いています。公式案内では2027年4月までの予定とされています。作品は幅約10m、奥行約8m、高さ約1mの吊り下げ構造で、複数階から見ることができます。

さらに2026年4月10日から6月30日には屋上庭園に《20 Children》、1階entranceに《Playground》が設置されました。《Playground》ではオピーが初めてmesh LEDを採用し、透明に近いscreen上へwalking childrenを浮遊させました。

美術館ではなく高級商業施設であることは、このprojectの意味の一部です。広告、shopping、建築、人流の中へ作品を置き、art imageとcommercial imageの境界を曖昧にします。Blurのalbum cover以来続く、作品を「美術だけの場所」へ閉じない態度が大規模空間へ展開されています。

2026年蔚山市立美術館――VRと大型映像

2026年7月2日から10月5日まで、韓国のUlsan Art MuseumではJulian Opie個展が開催されています。2026年10月4日時点では会期最終日前日にあたり、XR Lab、museum lawn、media screenを使ってVRと大型メディア作品を横断的に展示しています。

館内では《OP.VR/Venice》を体験でき、屋外では大型LED towerやmedia screenにportrait／walking figuresが展開されています。美術館側は、Opieが人物とurban landscapeをsimplified lines、colours、formsへ変換し、現実とvirtual realityの間に新しいvisual languageを作っていると位置づけています。

1980年代のsteel sculptureから見ると、素材は大きく変わりました。しかし「drawingを空間へ置く」という考えは同じです。VRでもLEDでも、最終的に問われるのはtechnologyの新しさではなく、線と色がどの程度「そこに存在するもの」として感じられるかです。

Pop Artなのか、Minimalismなのか

オピーはしばしばPop Artと結びつけられます。鮮明な色、大衆文化、album cover、advertisingとの近さを考えれば理解できます。しかしAndy Warholのようにcelebrity imageやconsumer commodityの複製そのものを中心にした作家ではありません。

Minimalismとの共通点もあります。形を単純化し、反復し、物体と空間を重視します。しかしDonald Juddのようにrepresentationを排除するのではなく、オピーは最後まで「これは人」「これは車」「これはtree」と読めるimageを残します。

彼の作品はPopとMinimalismの間にあるというより、両者が分けてきた問題を気にしないと言った方が近いでしょう。recognisable imageもmaterial objectも同時に必要です。

「デジタル作家」という呼び方の限界

コンピューターを制作に使い、LCD、LED、VRを積極的に導入しているため、オピーをdigital artistと呼ぶことはできます。しかし、それだけでは狭すぎます。

彼のdrawingはsteel、stone、wood、mosaic、screenprintでも成立します。本人もcomputerを「絵を作る多くの道具の一つ」として扱い、古い技術と新しい技術のあいだに序列を置いていません。

むしろ特徴的なのは、同じimageを異なる技術へ翻訳できることです。lineは手描きからdigital dataへ、dataからvinyl cutting、stone carving、LED animationへ移動します。技術そのものより、翻訳可能なvisual languageを作ったことが重要です。

複製可能な画像と「原作」

オピーの作品にはeditionが多く、同じdrawingが複数のsizeやmaterialで現れます。BlurのportraitもCD cover、billboard、printとして流通し、walking figuresもpainting、sculpture、animationへ展開されます。

traditional paintingのように「artistが触れた唯一のcanvas」をoriginalの中心へ置く考えとは異なります。一つのdrawingがsourceとなり、それを工房や専門業者とともに複数の物質へ変換します。

ここにも浮世絵との接続があります。imageの価値を唯一性だけに置かず、適切なproduction systemによって複製されることを受け入れる。ただし無制限に同じ物を作るわけではなく、editionやmaterial specificationによってartworkとして管理されます。

オピーの作品は、digital ageにおいて「originalとは画像なのか、dataなのか、物体なのか」という問いを自然に含んでいます。本人がその問題を理論的sloganにするより、制作方法そのものが問いを発生させます。

Julian Opieは何を変えたのか

第一に、具象と抽象の間にある「認識できる最小限」を長期的な制作方法にしました。細部を減らしても人物や建物が消えない地点を探り、単純化を独立したvisual languageへ発展させました。

第二に、彫刻とdrawingの境界を更新しました。鋼板の溶接からLED screenまで、線を物質化し、画像を実際の空間へ置き続けています。

第三に、古代美術、Old Masters、浮世絵、漫画、道路標識、computer gameを同じ視覚史の中で扱いました。美術館の歴史と日常の情報designを上下関係なく利用する姿勢です。

第四に、portraitを「細かく描くほど似る」という考えから解放しました。最小限の線でも個人が残ることを示し、digital ageのicon的な顔の文化と美術史的portraitを接続しました。

第五に、movementを彫刻の問題へしました。歩行、走行、呼吸、瞬きをloop animationへ変え、石像やfriezeが暗示してきた動きを実際の時間として作品へ導入しました。

第六に、公共空間と商業空間を積極的な展示場所にしました。station、office、shopping complex、airportでも読み取れるimageを作り、美術館へ行かない人々との偶然の接触を作品の条件にしています。

第七に、新技術を「新しさ」の証明としてではなく、古くから続く絵画の問題を試す手段として使いました。VRであっても問いは、MasaccioやHiroshigeと同じく「平面や像から別の世界をどう作るか」です。

そして最も重要なのは、オピーが「見る」という行為を、現実を受動的に受け取ることではなく、常に情報を削り、分類し、補完し、モデル化する行為として捉えたことです。彼の人物が数本の線で人間に見えるとき、作品が単純なのではありません。私たち自身の知覚が、驚くほど少ない情報から世界を作っていることが可視化されているのです。

略年譜

1958

Londonに生まれる。のち家族とOxfordへ移り、美術館、大学建築、自然環境に囲まれて育つ。

1979–1982頃

Goldsmiths CollegeでMichael Craig-Martinに学ぶ。公式CVでは1983年卒業と記載される。

1982

Lisson Galleryのgroup exhibitionへ参加。

1983

Lisson Galleryで初個展。《Eat Dirt, Art History》《Making It》などpainted steelによる具象彫刻を制作。Hayward／Serpentineの《The Sculpture Show》へ参加。

1984–1985

Kölnischer Kunstverein個展がGroninger Museumへ巡回。ICA London、Fondation Cartierでも個展。日本の国立近代美術館巡回展にも参加。

1987

Documenta 8, Kasselへ参加。抽象化された物体・建築作品を展開。

1990

British Art Show、Sydney Biennale等へ参加。物体から都市・環境全体へ関心を拡張。

1993

Hayward Gallery個展。《Imagine you are driving》を開始し、道路・車・移動する視点をcomputer game的なvisual languageへ変換。

1995–1996

British School at RomeのSargant Fellowship、Atelier Calder residency。建築・都市を単純な模型へ還元する作品を発展。

1996

《You pass an office building》などoffice building seriesを制作。

1998–1999

《Landscape?》《Cars?》《Cityscape?》《Imagine you are walking》《Imagine you are driving》など一連のscreenprintsを制作。後にMoMAが収蔵。

2000

Blur『The Best Of』の4人のportraitを制作。album cover、billboard、商品へ広く複製される。

2002

Tokyo・Dentsu Buildingにwalking LED monolithsを設置。animationを公共彫刻へ拡張。

2004–2005

New York City Hall ParkでPublic Art Fund project。都市空間での人物・看板・建築作品を拡張。

2005

LCD自画像《Julian with T-shirt》制作。呼吸と瞬きによるanimated portraitを発展。

2006

Utamaroを参照した《Ruth with cigarette》やShahnozaをモデルとする作品を展開。Omotesando Hills, Tokyoでもpublic project。

2008

Art Tower Mitoで個展。Dublinで《Walking on O’Connell Street》。

2009

Tokyo・SCAI The Bathhouseで個展。Hiroshigeを参照したJapanese landscapeへの関心を展開。

2011

British Museum Japanese Galleries project。浮世絵収集・研究との関係を深める。

2012

Calgaryに4面LED公共彫刻《Promenade》を恒久設置。Roman・Egyptian friezeや歩行像との関係を明確化。

2014

Tokyo・SCAI The Bathhouse個展。walking figures、landscape、silhouetteなどを複数媒体で展開。

2017

National Portrait Gallery, Londonで《Julian Opie after Van Dyck》。歴史的portraitureと自身のdrawingを直接対話させる。

2018–2019

National Gallery of Victoriaでオーストラリア初の大規模個展。60点以上を館内外へ配置し、40点以上のmoving imagesをまとめて展示。

2019

Tokyo Opera City Art Galleryで個展。New Yorkの通行人を用いたwalking seriesなどを展開。

2022

PARCO Museum Tokyoで初のVR作品《OP.VR》を発表。Venice、Lisbonなどでも公共project。

2023

Lisson Gallery Londonで《OP.VR@LISSON/London》、Busanで《OP.VR@Kukje/F1963.BUSAN》。現実展示とvirtual exhibitionを往復する。

2024

school childrenを撮影し、20人の歩行を描く新projectを開始。《Promenade à Paris》をPorte de Clichy Metro Stationで展開。

2025

9月11日、GINZA SIXで大型LED installation《Marathon. Women.》公開。British elite female runnersをモデルに、7人が無限に走るanimationを制作。

2026

4–6月GINZA SIXで《20 Children》《Playground》。7月2日–10月5日Ulsan Art MuseumでVR、屋外LED、media screenを用いた個展。10月4日時点で同展は開催中。《Marathon. Women.》はGINZA SIXで継続展示。

参考資料・出典

本ページはJulian Opie公式作品アーカイブと作家自身のテキスト、The Museum of Modern Art、National Portrait Gallery、National Gallery of Victoria、Ulsan Art Museum、GINZA SIX等の公式資料を中心に参照し、ART LIBRARYが独自に構成・執筆しました。Opieについては、現在よく知られるportrait styleだけから遡って説明せず、1980年代のpainted steel sculpture、1990年代のroad／architecture、2000年代以降のanimation、浮世絵・古代美術への参照、公共空間とVRまでを一つの「drawingの翻訳史」として整理しています。Goldsmithsの在籍・卒業年についてはNational Portrait Galleryが1979–82年在籍、作家公式CVが1983年卒業と記しているため、両者を区別して扱いました。

• Julian Opie — Curriculum Vitae
• Julian Opie / Tate Britain — interview and early works, 2004
• Julian Opie — Twenty Six Portraits, 2006
• Julian Opie — National Gallery of Victoria text, 2018
• Julian Opie — Reality and Virtual Reality, 2022
• Julian Opie — School Children, 2024
• Julian Opie — Ginza Six, 2025
• The Museum of Modern Art — Julian Opie
• The Museum of Modern Art — Imagine you are walking.
• National Portrait Gallery — Julian Opie
• National Portrait Gallery — Blur: prints by Julian Opie
• National Portrait Gallery — Julian with T-shirt
• National Portrait Gallery — Julian Opie after Van Dyck
• National Gallery of Victoria — Julian Opie, 2018–19
• Ulsan Art Museum — Julian Opie, 2026
• GINZA SIX — Marathon. Women.
• GINZA SIX — 20 Children / Playground

資料確認日：2026年10月4日　／　ART LIBRARY