Jack Whitten

《Light Sheet I》――音を色へ変える

1969年《Light Sheet I》は、約2.86×2.90mの巨大なアクリル絵画です。MoMAの回顧展音声でWhittenは、New YorkでJohn Coltraneらの演奏を聴き、自分はsaxophoneでは彼らのレベルへ到達できないと悟った一方、「hornでできないならpaintでやる」と考えたと語っています。画面にJazzを描写するのではなく、密度、速度、重なり、余白の関係を絵画へ変換しました。

この時期はまだ1970年代のDeveloper以前で、手の痕跡が強く残ります。しかし、音を視覚へ翻訳しようとする考えは後年も持続しました。Jazzのimprovisationは感情の爆発ではなく、構造を知ったうえで瞬間的な判断を行う技術です。Whittenが材料研究を徹底しながら偶然性を許した姿勢とよく重なります。

《Siberian Salt Grinder》――表面を一度で引く

1974年《Siberian Salt Grinder》は、MoMA所蔵の縦長アクリル作品です。画面は一見すると霧や氷のような光を含みますが、風景を描いたものではありません。Whittenが1970年代に開発した道具と流動的アクリルによって、表面の密度を一気に変化させています。

MoMAは、この時期の作品を「何を見るか」ではなく「どう見るか」の歴史として説明しています。絵具の引き方によって光が表面内部から現れるように見え、筆跡を読み取るより、画像が発生した痕跡を追う体験になります。抽象表現主義的なgestureから、processとopticsへ移ったことが明確です。

《Kappa I》――「gray is power」

1976年《Kappa I》では、Whitten独自の半透明なacrylic slipと溝付きDeveloperが用いられました。上半分の白い矩形は乾燥させ、下半分はまだ濡れた状態で黒いslipを横方向へ引くことで、同じ白と黒の組み合わせから異なる表面反応を生みます。

ここで灰色は黒と白を単純に混ぜた中間色ではありません。透明層、乾燥差、溝、下地が重なって生じる空間です。Whittenが「gray is power」と書いたのは、色彩の派手さを抑えることで、見る人が微細な距離や振動へ敏感になることを発見したからでした。

Greek Alphabet seriesは長く十分に研究されませんでしたが、2022–23年Dia展で約40点が集められ、1970年代の技法転換が一つの実験体系として見えるようになりました。

1980年の火災と再出発

1980年、Whittenの生活と制作環境を襲った火災は、キャリアの重要な中断となりました。2026年Hauser & Wirth《The Numinous》は、この火災後に一定期間制作を停止し、その後より強い切迫感と精神的関心をもって制作へ戻った1980年代を中心に再構成しています。

この時期、1970年代のDeveloperによる一回操作から、再び積層、型取り、relief、collageへ方法が広がります。技法の後退ではありません。むしろ「作者の手を消す」という1970年代の目標から、物質そのものに記憶や霊的な存在感を与える方向へ変化しました。

死後の評価では、1970年代の発明と1990年代以降のtesseraeの間にある1980年代が長く空白として扱われてきました。《The Numinous》がこの時期を単独で取り上げたことは、Whittenの後期技法がどのように準備されたかを考えるうえで重要です。

1980年代――Soulspace、Site、光と霊性

1980年代のSoulspace paintingsや円形acrylic reliefでは、Whittenは天体航法、宇宙、方向感覚、spiritといった概念へ関心を深めました。同時期のSite paintingsでは、manhole cover、tire treadなど都市表面の凹凸を型取りし、paintingへ移します。1970年代にスタジオ床を擦り出した経験が、都市そのものを版のように使う方法へ拡張しました。

ここで「spiritual」という言葉を曖昧な神秘主義として扱うと作品を弱めます。Whittenにとってmaterialとspiritは対立しません。触れることのできるpaint、wood、ash、metalの中へ、記憶や人物の存在を定着させることが重要でした。物質を徹底的に操作することによって、物質を越える感覚を作ろうとしたのです。

2026年《The Numinous》は、pixel状のgrid、Site paintings、frottage、Soulspaceを並べ、tesserae以前からWhittenが「単位の集合」「表面の記録」「光による奥行き」を研究していたことを明らかにしています。

tesserae――絵具をモザイク片へ変える

1980年代後半からWhittenは、acrylic medium、gel、varnish、powder pigmentなどを型へ流し込み、乾燥した絵具の板や小片を作るようになります。それらを切断し、砕き、canvas上のwet acrylicへ埋め込む方法を「paint as collage」と呼び、小片を古代mosaicにならって`tesserae`と名付けました。

この発明の重要性は、絵具が「塗るもの」でなくなることです。通常の絵画ではpaintはsupportへ付着してfilmになりますが、Whittenはpaintそのものを一度独立したobjectとして作り、その後canvasへ配置します。paintingとsculptureの境界が材料レベルで消えます。

tesseraeは小さなpixelにも似ています。1990年代以降、digital imageが社会へ浸透する時期と重なり、Whitten自身もtechnology、computer、quantum physicsへ強い関心を持ちました。ただしcomputer screenを模倣したのではなく、古代mosaicとdigital pixelという遠く離れた視覚単位を同じ絵具の物質へ重ねました。

Black Monoliths――追悼を抽象で行う

1988年から2017年まで続くBlack Monolithsは、Whittenの最重要seriesの一つです。James Baldwin、Ralph Ellison、Barbara Jordan、W. E. B. Du Bois、Jacob Lawrence、Muhammad Aliなど、黒人文化・政治・芸術の人物へ捧げられた全11点からなります。題名のmonolithは、Creteの自宅近くにある岩の露頭と、揺るがない人物の存在感を重ねています。

Whittenはこれらを単なるdedicationではなく「gift」と考えていました。また古代ギリシャ語のzographos、つまり「lifeを書く／描く」という考えを参照し、肖像の顔を描かずに人物の生命を物質へ変換しようとします。多くの作品ではtesseraeが人型、halo、fieldを形成します。

このシリーズは、抽象とportraitureの境界を問い直します。顔がなくても、材料、色、題名、構図、埋め込まれた物によって個人の記憶を具体化できる。Whittenは「誰かを似せて描くこと」から「その人が生きた力を画面へ定着させること」へ肖像の概念を拡張しました。

James Baldwinと最初のBlack Monolith

1988年《Black Monolith I, A Tribute to James Baldwin》はシリーズ第一作で、約244×208cmの大型canvasです。James Baldwinは人種、sexuality、Americaの道徳的矛盾を鋭く言語化した作家であり、Whittenにとって黒人知識人の重要なモデルでした。

作品はBaldwinの顔を描かず、巨大で暗い中心と周囲の物質的表面から人物を想起させます。この「見える肖像を描かず、存在を作る」方法がBlack Monolith seriesの基礎となりました。Baldwinの文章がAmericaの見たくない現実を言葉で可視化したように、Whittenは抽象表面によって存在の密度を作ろうとします。

Ralph Ellison――「見えない人」をどう描くか

1994年《Black Monolith II: Homage to Ralph Ellison The Invisible Man》では、acrylicだけでなくmolasses、copper、salt、coal、ash、chocolate、onion、herbs、rust、eggshell、razor bladeなど異質な物質がcanvasへ組み込まれました。Ralph Ellisonの死の年に制作され、Brooklyn Museumに所蔵されています。

暗い人型のような中心部は、周囲の明るいtesseraeによって輪郭が現れます。Ellisonの『Invisible Man』が「存在しないから見えない」のではなく、社会が見ることを拒むために不可視になる黒人主体を描いたことに応答し、Whittenも「見えないもの」を空白ではなく高密度の物質で表しました。

さらに食物、金属、灰、刃物といった素材を混ぜることで、portraitが視覚情報だけではないことを示します。人物の文化、危険、生活、死を連想させる物質が、絵具の内部に埋め込まれています。

memorial paintings――絵画を「贈り物」にする

Whittenは多数の作品を自分に影響を与えた人物へ捧げました。Norman Lewis、Arshile Gorky、Robert Rauschenberg、Allen Ginsberg、Wayne Thiebaud、家族など対象は広く、黒人文化だけに限定されません。本人は2012年のstudio noteで、これらは「mere dedications」ではなく「gifts」だと書いています。

ここでmemorialは墓碑のように過去を固定するものではありません。自分が受け取ったものをpaintへ変換して相手へ返す循環です。人物の外見を再現せず、色、material、rhythm、構造を通して関係を保存します。

この考えはWhittenの美術史観ともつながります。Art historyを「誰が誰を超えたか」という進歩史としてではなく、mentor、friend、writer、musicianから受け取った知識が別の作品へ流れるnetworkとして理解していました。

Creteの彫刻――AfricaとMediterraneanをつなぐ

Creteで制作されたsculptureは、wild cypress、mulberry、olive wood、marble、bone、metal、glass、fishing lineなど周辺で手に入る素材を組み合わせます。Kongoのpower figure、Southern United Statesの「make do」の文化、Cycladic figure、Minoan artなどが一つの作品に交差します。

Met《Odyssey》が強調したのは、WhittenがAfricaとEuropeを分離した文明として考えなかったことです。Mediterraneanは両者を隔てる境界ではなく、長い交易・移動・文化交換の海でした。African diasporaである自身の歴史を、AtlanticだけでなくMediterraneanの移動史にも接続します。

またsculptureはほぼ販売されず、自宅に置かれました。New York art marketから離れたCreteでの制作は、評価や商品化から一定の距離を保つ私的なritualでもありました。この非公開性が、2018年までWhitten像から彫刻をほぼ消していた理由でもあります。

《The Tomb of Socrates》――彫刻、儀礼、時間

2009年《The Tomb of Socrates》はwild cypress、black mulberry、marble、brassなどを組み合わせた彫刻で、約66×52×21cm。哲学者Socratesの墓を直接再現したものではなく、木と石、空洞、接合部によって記憶のための器を作ります。

Whittenのsculptureでは、carvingとassemblageが同時に使われます。木を削って形を作るだけでなく、異質な物を挿入し、結び、留める。この構造はtesserae paintingとよく似ています。paintingで小片をwet acrylicへ埋め込む方法と、sculptureでfound materialをwoodへ組み込む方法は、別媒体の同じ思考と見ることができます。

題名にSocratesを置くことで、古代Mediterraneanの知、死、対話の伝統へ作品をつなぎます。WhittenのCrete作品は「Greek style」を借りるのではなく、現在の自分が古代文化とどう会話できるかを試す場でした。

《9.11.01》――経験を物質へ封じ込める

2006年《9.11.01》は、Whittenが2001年9月11日の同時多発テロを自宅近くで目撃した経験から約5年かけて制作した巨大作品です。Tribecaに住んでいた彼は航空機が頭上を通過し、World Trade Centerへ衝突した直後の破片、炎、煙、人々の叫びを街路で体験しました。その後しばらく制作できず、この作品だけを長期間作り続けたと語っています。

画面にはacrylicだけでなくash、animal blood、hairなどが混ぜ込まれ、約3.05×6.10mの巨大な黒い構造を作ります。U.S. dollar billのpyramidを思わせる幾何学と、燃焼や崩壊を思わせる物質が重なり、抽象と具体的記憶が分離しません。

ここで重要なのは、惨事を再現する映像を描かなかったことです。Whittenは既に現実を直接見ており、それをもう一度図像化するのではなく、経験の重さを物質へ封じ込めました。《NY Battle Ground》から約40年後、社会的暴力への応答がgestureからtesseraeとmaterialへ変化したことが分かります。

pixel、電子画像、量子力学

Whittenは新技術を美術の外部にある脅威とは考えませんでした。1970年代にはphotographyのshutterとDeveloperを比較し、1980年代にはelectrostatic printingやcopy technology、1990年代以降はpixel、digital imaging、quantum physicsへ関心を広げます。

tesseraeは古代mosaicの単位であると同時に、digital imageを構成するpixelのようにも働きます。遠くからは一つのimage、近くでは独立したunitが見える。その二重性が、Whittenにとって現代の視覚と古代の物質文化を接続する方法になりました。

ただしtechnologyを未来主義的に礼賛していたわけではありません。新しい装置は知覚を拡張する可能性を持つ一方、戦争、監視、media violenceにも使われます。Whittenはtechnologyの形式を取り込みながら、人間のmemory、spirit、politicsと切り離さないようにしました。

《Self Portrait: Entrainment》――顔を描かない自画像

2008年《Self Portrait: Entrainment》では、Whitten自身のsunglass lensesが画面中央に置かれ、その周囲へ黒と白のtesseraeが放射状に広がります。顔を描かず、「自分が世界を見るために使ったレンズ」を自画像の中心に置く作品です。

自画像を外見の記録ではなく、知覚の装置として考えている点が重要です。Whittenの作品全体が「何を描くか」より「どう見るか」を問題にしてきたことを、最も個人的なportraitへ置き換えています。

題名のentrainmentには、異なるrhythmが互いに同期する意味があります。個人の眼、周囲の世界、光、tesseraeの波が一つのfieldへ同期するように構成され、自我を孤立した中心ではなく関係の中に置きます。

《Apps for Obama》――政治とデジタル形式

2011年《Apps for Obama》はBarack Obamaへ捧げられた作品で、画面にはapplication iconやdigital interfaceを連想させる単位が展開します。Hamburger Bahnhofの《Jack’s Jacks》は、この作品をWhittenの献辞絵画の一つとして紹介し、Martin Luther King Jr.からObamaまで政治史と抽象が長く接続していたことを示しました。

Obamaのportraitを描く代わりに、smartphone時代の「app」という形式を題名と構成へ取り込みます。初のAfrican American Presidentという歴史的出来事を、伝統的な英雄肖像ではなく、情報を起動し、接続し、選択するdigital unitの比喩へ変換しています。

Whittenにとってpoliticsは人物の顔を描くことと同義ではありません。時代を代表するtechnologyと、その人物が象徴する社会変化を一つのabstract structureへ組み込むことができます。

《Atopolis》――Édouard Glissantと「場所なき場所」

2014年《Atopolis: For Édouard Glissant》は、8枚のpanelからなる約3.16×6.31mのWhitten最大級のpaintingです。タイトルのatopolisは「場所を持たない」という意味で、Martinique出身の詩人・思想家Édouard Glissantの関係性・diaspora・世界観への応答として作られました。

Whittenは、African diasporaにとって「sense of place」は最初から保証されたものではなく、強制移住と奴隷制によって破壊された後、自ら作り直さなければならなかったと説明しています。画面は多数のtesserae、mold、色の単位から構成され、固定された中心を持たない都市やnetworkのように広がります。

彼はAtopolisを、境界のないcity、関係がinterconnectedでegalitarianな場所として語りました。これは単純なutopiaではなく、異なる出自を持つ単位が個別性を失わずに隣り合う構造です。mosaic techniqueそのものが、Glissant的な「relation」を物質化しています。

《Quantum Wall VIII》――最後の作品

2017年《Quantum Wall, VIII (For Arshile Gorky, My First Love In Painting)》は、Whittenが死の直前に完成させた最後の作品です。色鮮やかなacrylic tesseraeが厚く並び、壁でありながら透過・振動・拡張を感じさせる表面を作ります。

献辞の相手Arshile Gorkyは、Southern University時代からWhittenが強く惹かれた画家でした。diaspora、暴力、喪失を経験したGorkyに、自身のAlabamaでの経験と共通性を見いだし、「color structureの中にsufferingを読む」と語っています。

Whittenはquantum mechanicsによって「wall」という閉じた境界の概念は時代遅れになったと考えました。粒子と波、固定と流動、materialとspiritが一つのpaintingに共存する。最終作が、最初に愛した画家へ戻りながら、最も新しい宇宙論的関心を含むことは象徴的です。

Black abstraction――誰に抽象する自由があるのか

Whittenの再評価で中心となった論点の一つがBlack abstractionです。1960年代には黒人作家がCivil RightsやBlack Powerを直接的に表象するべきだという期待があり、一方、主流美術館ではabstract artが人種を越えた「universal」な形式として語られながら、その中心作家は白人男性に偏っていました。

Whittenはこの矛盾の中で、黒人としての経験を捨てずにabstract painterである権利を主張しました。《Birmingham 1964》《NY Battle Ground》のように社会暴力へ直接近い作品もあれば、Greek Alphabetのように形式的研究へ集中した作品もあります。後年にはBlack Monolithsで黒人文化の人物を抽象portraitへ変換しました。

したがって「political work」と「formal work」を別の箱へ分けること自体がWhittenには合いません。material innovationによってWestern aestheticsを変えること、黒人の歴史をmemoryとして保存すること、自由にabstractionを選ぶことが同じpracticeの異なる面でした。

即興と規律――Jazzの哲学

WhittenはJazzをしばしば制作の基本原理として説明しました。特にJohn Coltrane、Thelonious Monk、Miles Davisらの音楽は、既存structureを壊すのではなく、そのstructureを熟知した上で新しい関係を即興的に作るモデルでした。

Developerによる一回操作も、tesseraeの積層も見た目ほど自由放任ではありません。acrylicの化学、乾燥速度、粘度、toolの形、supportの吸収性を理解しなければ、狙った範囲の偶然は生まれません。Jazzと同じく、freedomはknowledgeの反対ではなく、その上に成立します。

この考えは、Whittenが若い作家に「experiment」を強調した理由でもあります。新しさは奇抜な見た目を発明することではなく、materialsとprocessを深く知り、まだ見たことのない結果を引き出すことでした。

2015年《Five Decades of Painting》

2014～16年にMuseum of Contemporary Art San Diego、Wexner Center for the Arts、Walker Art Centerを巡回した《Jack Whitten: Five Decades of Painting》は、約60点で50年のpaintingを振り返る当時最大の回顧展でした。1960年代のghost paintings、1970年代のslabs、1980年代のacrylic skins、tesseraeまで、長く分断されて見えていた時期を初めて連続的に提示しました。

この展覧会は晩年の国際的再評価を大きく加速させました。それ以前にもWhitney Museumの1974年個展、Studio Museum in Harlemの1983年回顧など重要な機会はありましたが、長いcareer全体をmaterial innovationの連続として見る枠組みが定着したのはこの時期です。

ただし、2015年展はtitle通りpainting中心でした。Whittenが五十年以上作り続けたsculptureはまだほぼ別の歴史に隠れており、それが2018年《Odyssey》で大きく覆されます。

2018年《Odyssey》――彫刻史の発見

2018年Baltimore Museum of ArtとThe Metropolitan Museum of Artで開催された《Odyssey: Jack Whitten Sculpture, 1963–2017》は、Whitten死去直後に開かれ、約40点のsculptureを初めて体系的に紹介しました。これらの多くは生前ほとんど公開・販売されておらず、既存のartist imageを大きく変えました。

展覧会ではsculptureだけでなくBlack Monolith全11点と、African、Minoan、Mycenaean、Cycladic、American artの参照作品も並べられました。WhittenのpracticeをNew York abstractionだけから説明せず、South、Africa、Mediterranean、Creteを横断するtransnationalな視点で読む構成です。

この展示によって、tesseraeが単なるpainting techniqueではなく、carving、assemblage、mosaic、ritual objectの経験から生まれたことがより明確になりました。死後評価の最初の重要な転換です。

2022–23年Greek Alphabet再評価

2022年11月から2023年7月までDia Beaconで《Jack Whitten: The Greek Alphabet Paintings》が開催されました。1975～78年のseries約40点を集めた初の展覧会で、長く数点ずつしか公開されてこなかった重要な研究群を一つの体系として見せました。

Diaはこのseriesを、WhittenがAbstract Expressionismのgestureを離れ、process、tool、materialへ移った決定的時期として位置づけました。Greek lettersは隠されたsymbolic meaningというより、variationを整理するためのalphabetとして機能し、同じ制限された色彩の中でtoolとsurfaceの差を比較できます。

またJacqueline Humphriesを招いたtalkなど、現在のabstract paintersとの対話も行われました。Whittenの1970年代がhistorical curiosityではなく、現在のpainting practiceへ直接つながる技術研究として再評価されたことが重要です。

2025年MoMA《The Messenger》

2025年3月23日から8月2日までMoMAで《Jack Whitten: The Messenger》が開催されました。MoMAはこれを、約60年・すべての媒体を初めて横断するWhitten初の包括的retrospectiveと位置づけ、painting、sculpture、drawingなど175点以上を展示しました。

展覧会が重要だったのは、technical innovationとrace、war、love、technology、Jazzを別々にせず、一つのcareerとして提示したことです。1960年代のCivil Rights関連作品からDeveloper、Greek Alphabet、Black Monolith、Crete sculpture、9.11.01、Atopolis、Quantum Wallまでが連続して見えることで、「formal experimenter」と「political artist」という二つのWhitten像が統合されました。

同時にMoMA conservation teamは、Whittenの独自材料と技法を本格的に調査しました。studioが2018年の死後ほぼそのまま残されていたため、tool、mold、材料、noteを作品と照合でき、研究は美術史だけでなくconservation scienceの新しい段階へ進みました。

2025–26年Dia《Prime Mover》

2025年10月24日から2026年6月22日までDia Beaconで開催された《Prime Mover》は、1970～78年の紙作品24点へ焦点を当てました。多くは近年Diaへ収蔵され、ほとんど未公開だった作品です。

炭素棒の擦り出し、乾湿の黒pigment、collage、specialty paperを使い、canvasと並行してtool・surfaceの実験が行われていたことが明らかになりました。妻Mary Whittenがpaper conservatorとしてspecialty paperを入手していたことも、制作が家庭内の知識交換によって支えられていた事実を示します。

《Studio Floor #2》《Flat Tool K》などを見ると、1970年代のpainting innovationは突然Developerから始まったのではなく、床、紙、frottage、圧力を小規模に試す研究から生まれたことが分かります。

2026年《The Numinous》――1980年代を読み直す

2026年9月30日から2027年1月10日までHauser & Wirth Downtown Los Angelesで《Jack Whitten: The Numinous》が開催されています。2025年MoMA大回顧展の次に、1980年代だけへ焦点を絞ったことが重要です。

展示にはSoulspace paintings、celestial navigationを参照する円形acrylic relief、後のtesseraeを予告するpixel状grid、manhole coverやtire treadなど都市表面から型を取ったSite paintings、frottageが含まれます。1970年代のmechanical processと1990年代のmosaic paintingの間にある「missing decade」が、spiritual transmissionとmaterial experimentの時期として再評価されています。

2026年現在のWhitten研究は、代表作を固定する段階から、各年代の未研究領域を詳細に掘る段階へ移っています。《The Numinous》は、late styleが突然現れたのではなく、1980年代のrelief、cast、grid、site memoryを経て形成されたことを示す重要な展覧会です。

保存――自作材料と未知の技法

Whitten作品の保存は難しい課題を含みます。独自に配合したacrylic slip、gel、varnish、pigment、organic material、metal、ash、bloodなど、通常のpaintingでは想定されない材料が多く、作品ごとに化学的挙動が異なります。

tesseraeも単純な既製acrylicではなく、型、厚み、添加物、接着層が作品によって変化します。ひび割れ、黄変、剥離が起きたとき、どの程度が作者の意図したmaterial agingなのかを判断するにはstudio noteとtoolの研究が必要です。

MoMAが2025年に行ったtechnical studyの意義はここにあります。Whittenのstudioを「作品の裏側」としてではなく、material recipe、experiment、failureを保存するarchiveとして読むことによって、今後のconservationとcataloguingの基盤が作られています。

再評価、市場、制度

Whittenは2010年代に市場と制度の双方で急速に評価を高めました。しかし「晩年に発見された無名作家」という物語は正確ではありません。1974年にはWhitney Museumで個展、1983年にはStudio Museum in Harlemで10年回顧があり、長く制作と展示を続けていました。

変化したのは、どの時期が美術史の中心として読まれるかです。2015年のpainting retrospective、2018年のsculpture展、2022年Greek Alphabet、2025年MoMA、2025–26年紙作品、2026年1980年代と、毎回別のchapterが制度によって可視化されています。

market priceの上昇はその再評価と並行しますが、価格を重要性の証明にするべきではありません。むしろ、美術館がなぜ長くsculptureや中期作品を十分に研究しなかったのか、Black abstract artistがどのようにmainstream canonへ位置づけられてきたかを検討する必要があります。

Jack Whittenは何を変えたのか

第一に、paintingのimageをbrushstrokeの蓄積からprocessの結果へ変えました。Developerによる一回操作は、作者の身振りを減らしながら速度、圧力、時間を画面へ残し、photographyのshutterに近い新しいimage generationを作りました。

第二に、paintを「塗る材料」からindependent objectへ変えました。乾燥acrylicを切り出したtesseraeは、paintingとcollage、relief、sculptureの境界を消し、後の多くのmaterial-based abstractionに先行する発想となりました。

第三に、ancient mosaicとdigital pixel、African objectとMediterranean sculpture、Jazz improvisationとquantum physicsを同じpracticeの内部で接続しました。異文化を表面的に混ぜるのではなく、自身のdiasporaとmigrationの経験を通じて「関係」を作ることが中心でした。

第四に、abstract portraitureとmemorial paintingを更新しました。顔を描かなくてもJames Baldwin、Ralph Ellison、Gorky、Du Boisらの存在をmaterial structureとして記憶できることを示しました。portraitはlikenessではなく、relationとmemoryの形式になります。

第五に、Black artistがabstractionを選ぶこと自体を政治的実践として押し広げました。Civil Rightsに参加した経験を持ちながら、社会的メッセージを具象へ限定せず、視覚制度やWestern aestheticsそのものを変えることをpoliticsと考えました。

そして最も重要なのは、Whittenが六十年近く「一つの技法を発明した人」に留まらなかったことです。brushからDeveloperへ、slabからGreek Alphabetへ、cast surfaceからtesseraeへ、paintingからsculptureへ、pixelからquantumへと、成功した方法を次の実験によって絶えず破壊しました。彼にとってabstractionとはstyleではなく、まだ存在しない見方を作り続ける研究方法でした。

よくある単純化と読み直し

第一の単純化は、「mosaic風の絵で知られる作家」と見ることです。tesseraeは重要ですが、それ以前に二十年以上に及ぶgesture、floor work、Developer、Greek Alphabet、frottage、cast surfaceの研究があります。mosaicは突然の装飾的転換ではありません。

第二は、「Abstract Expressionismの後継者」という理解です。de Kooningらから出発しましたが、1970年代には作者のhandを消す方向へ進み、むしろAbstract Expressionismの前提を内部から解体しました。

第三は、「Black identityを直接描かなかったformal painter」という見方です。《Birmingham 1964》《NY Battle Ground》《Black Monoliths》《9.11.01》《Atopolis》を見れば、history、race、diaspora、violenceは一貫して存在します。ただしそれをillustrationではなくmaterialとprocessへ変換しました。

第四は、「Creteのsculptureはpaintingとは別の余技」という理解です。2018年《Odyssey》以後、sculptureで培ったassemblage、carving、ritual、Mediterraneanへの関心がtesserae paintingと深く結びついていたことが明らかになっています。

第五は、「晩年にようやく評価された」という単純な再発見物語です。Whitney 1974、Studio Museum 1983、PS1 2007など長い展示歴がありました。現在起きているのは発見そのものではなく、作品群の全貌を分断せず研究する規模と制度的中心性が変わったことです。

略年譜

1939

12月5日、Alabama州Bessemerに生まれる。父は炭鉱労働者、母は裁縫師。Jim Crow体制下の人種隔離社会で育つ。

1957

Tuskegee Instituteでpre-medical studiesを開始。Martin Luther King Jr.の演説後に本人と会い、公民権運動への関与を深める。

1959–1960

Southern University, Baton Rougeで美術を学ぶ。学生sit-in protestの組織に参加。Arshile Gorkyの作品複製に強く惹かれる。

1960

南部の人種暴力から離れNew Yorkへ移住し、Cooper Unionへ入学。

1962–1963

New Yorkで最初期の彫刻を制作。Robert Blackburn、Romare Bearden、Norman Lewis、Willem de Kooningらとの交流を深める。

1964

Cooper Union修了。《Birmingham 1964》など、公民権運動の暴力と報道イメージを扱う作品を制作。

1965

Malcolm X暗殺後、《Homage to Malcolm》を制作。found materialを本格的に彫刻へ導入する。

1967

《NY Battle Ground》制作。Civil Rights Movement、Vietnam War、テレビ映像による暴力経験を抽象表現へ変換。

1968–1969

Martin Luther King Jr.関連作品を継続。《Light Sheet I》などJazzと抽象を接続する大画面を制作。1969年、妻Maryと初めてCreteを訪れる。

1970

制作をイーゼルから床へ移し、自作toolによるsystematic processへ転換。《Studio Floor #2》など紙作品でも床と表面を研究。

1970年代前半

巨大squeegee《Developer》を段階的に改良し、濡れたacrylicを一回で引くslab paintingsを発展。Afro-comb、saw、rakeなど多様なtoolを使用。

1974

《Siberian Salt Grinder》など制作。Whitney Museum of American Artで個展。

1975–1978

Greek Alphabet Paintingsを制作。黒、白、灰を中心に、comb、frottage、Developer、imprintingなどを体系的に実験。

1979

小型の《Self Portrait》などを制作。1970年代のprocess研究から1980年代のrelief・collageへ移る転換期。

1980

火災によって制作環境に大きな損失を受け、一時制作を中断。その後Soulspace、Site paintings、cast acrylic reliefなど新しい方向へ進む。

1983

Studio Museum in Harlemで10年間を振り返る回顧展。

1980年代半ば

CreteのAgia Galiniに夏の家を建設。彫刻制作を本格化し、African、Minoan、Cycladic、Southern vernacularの要素を横断的に研究。

1988

《Black Monolith I, A Tribute to James Baldwin》制作。Black Monolith series開始。

1990年代

乾燥acrylicを成形・切断した`tesserae`による「paint as collage」が成熟。digital pixelとancient mosaicを重ねる視覚言語を発展。

1994

Ralph Ellisonの死に応答し《Black Monolith II: Homage to Ralph Ellison The Invisible Man》制作。

1998

Black Monolith seriesを継続し、Barbara Jordanら黒人文化・政治の重要人物への抽象的memorialを展開。

2001–2006

9月11日のWorld Trade Center attackをTribecaで目撃。数年間かけて《9.11.01》を制作し、2006年完成。

2007

MoMA PS1で個展。1960年代のKing関連作品と《9.11.01》を並べ、社会的暴力への長期的応答を示す。

2008

《Self Portrait: Entrainment》制作。自身のsunglass lensesを用い、顔を描かないself-portraitを試みる。

2009

Creteで《The Tomb of Socrates》など彫刻を制作。

2011

《Apps for Obama》制作。digital interfaceの語彙と政治的献辞を接続。

2014

Édouard Glissantへ捧げた8-panelの大作《Atopolis》完成。

2014–2016

《Jack Whitten: Five Decades of Painting》がMuseum of Contemporary Art San Diego、Wexner Center、Walker Art Centerを巡回。

2015

President Barack ObamaからNational Medal of Artsを授与される。

2017

Black Monolith seriesを含む新作をHauser & Wirthで発表。最後の作品《Quantum Wall VIII (For Arshile Gorky, My First Love In Painting)》完成。

2018

1月20日New Yorkで死去。Baltimore Museum of ArtとThe Metで《Odyssey: Jack Whitten Sculpture, 1963–2017》が開催され、ほぼ未公開だった彫刻群を本格的に紹介。

2019

Hamburger Bahnhofで《Jack’s Jacks》。献辞・memorial paintingsを中心に展示。

2022–2023

Dia Beaconで《Jack Whitten: The Greek Alphabet Paintings》。1975–78年のseries約40点を初めて集中的に展示。

2024

Hauser & Wirth Londonで《Speedchaser》。技術、速度、material experimentを再検討。

2025

MoMAで初の全6 decades・全媒体を横断する包括的retrospective《Jack Whitten: The Messenger》。175点以上を展示。10月、Dia Beaconで《Prime Mover》開幕。

2026

6月にDia《Prime Mover》終了。9月30日、Hauser & Wirth Downtown Los Angelesで1980年代に焦点を当てた《The Numinous》開幕。死後研究が代表作中心から各年代の詳細研究へ進む。

参考資料・出典

本ページはThe Museum of Modern Art、Dia Art Foundation、The Metropolitan Museum of Art、Whitney Museum of American Art、Walker Art Center、Hauser & Wirth、Glenstone、Wexner Center for the Arts、Brooklyn Museum関連資料等の公式・研究機関資料を中心に参照し、ART LIBRARYが独自に構成・執筆しました。Civil Rightsと抽象の関係については、Whittenが社会的表象を避けた作家だと単純化せず、本人の公民権運動参加、《Birmingham 1964》《NY Battle Ground》、memorial paintings、抽象行為そのものをpoliticalと考えた発言を併せて整理しています。また`tesserae`は一般的なmosaic tileではなくWhittenがacrylic paint自体を乾燥・成形して作った独自のpaint unitとして区別しました。2025年MoMA《The Messenger》、2025–26年Dia《Prime Mover》、2026–27年Hauser & Wirth《The Numinous》まで反映しています。

• The Museum of Modern Art — Jack Whitten
• MoMA — Jack Whitten: The Messenger
• MoMA Magazine — A Portrait of the Artist Jack Whitten, Surrounded by His Art
• MoMA — NY Battle Ground
• MoMA — Siberian Salt Grinder
• MoMA — Kappa I
• MoMA — Atopolis: For Édouard Glissant
• MoMA — Homage to Malcolm
• MoMA — 9.11.01
• MoMA — Developer Tool
• Dia Art Foundation — Jack Whitten: The Greek Alphabet Paintings
• Dia Art Foundation — Jack Whitten: Prime Mover
• Dia Art Foundation — Prime Mover Press Release
• The Metropolitan Museum of Art — Odyssey: Jack Whitten Sculpture, 1963–2017
• The Met — Odyssey Exhibition Galleries
• The Met — Homage To Malcolm
• Whitney Museum of American Art — Jack Whitten
• Walker Art Center — Jack Whitten: Five Decades of Painting
• Walker Art Center — Jack Whitten and the Philosophy of Jazz
• Wexner Center for the Arts — Jack Whitten: Five Decades of Painting
• Glenstone — Black Monolith I, A Tribute to James Baldwin
• Hauser & Wirth — Jack Whitten
• Hauser & Wirth — Self Portrait With Satellites
• Hauser & Wirth Ursula — Jack Whitten on Arshile Gorky
• Hauser & Wirth — Jack Whitten: The Numinous

資料確認日：2026年10月4日　／　ART LIBRARY