ダン・フレヴィン（Dan Flavin、1933–1996）は、1963年以降、市販の蛍光灯をほぼ唯一の基本材料として使い続け、絵画・彫刻・建築の境界を根本から組み替えたアメリカの現代美術家です。一本の直管蛍光灯を壁へ斜めに取り付けた《the diagonal of May 25, 1963》を出発点に、角、壁、床、廊下、階段、開口部へ光を配置し、作品を独立した物体ではなく、周囲の建築と観客の身体まで含む「状況」として成立させました。一般に「ネオン作品」と呼ばれることがありますが、フレヴィンが用いたのは特注の曲げたネオン管ではなく、青、緑、ピンク、赤、黄、紫外線、複数種の白など、市販規格の蛍光灯と既製の金属製器具です。限られた色と長さしか選べない工業製品を受け入れ、その制約そのものを構成原理にした点に、Donald Judd、Carl Andre、Sol LeWittらと並ぶ1960年代Minimalismの重要性があります。
しかしフレヴィンを「最小限の工業材料を使ったミニマリスト」とだけ説明すると、作品が実際に作り出す複雑さを見失います。器具自体は単純でも、発光すると色は壁へ広がり、隣接色と混じり、角を消し、通路を遮り、部屋の距離感を変えます。さらに作品にはConstantin Brancusi、Henri Matisse、Piet Mondrian、Vladimir Tatlin、Barnett Newman、Jasper Johns、Sol LeWitt、友人、家族などへの長い献辞が付き、匿名的な工業製品と非常に個人的な記憶が共存します。カトリック教育を受け、初期作品を《icons》と名づけ、晩年にはMilanoの教会全体の光を設計しながらも、本人は作品を神秘的・超越的に読むことを繰り返し退けました。本記事では、1950年代の美術館勤務と美術史研究、1961–63年の《icons》、一本の蛍光灯への転換、Tatlinへの「monuments」、corners／barriers／corridors、Diaとの長期的関係、作品証明書と交換可能なランプという保存問題、1983年Dan Flavin Art Institute、1996年最後のChiesa Rossa計画、そして2026年の《Grids》再検証とGuggenheim Bilbaoの次期展覧会までをたどり、フレヴィンが「光を作品にした」のではなく、「光によって展示空間そのものを作品へ変えた」ことの意味を考えます。
CONTENTS
- 生涯と制作の変遷
- カトリック教育と聖職者への道
- 米空軍と韓国――気象観測を学ぶ
- New Yorkへ戻る――美術史と美術館勤務
- 最初は素描と絵画から始まった
- 1961年《icons》――絵画に電球を付ける
- なぜ「icon」と呼んだのか
- 1963年《the diagonal》――一本だけで成立する
- Brancusiへの献辞――彫刻を減らして光へ
- ネオンではなく市販の蛍光灯
- 規格の制約を受け入れる
- 色は「塗る」のではなく空気で混ざる
- 角を使う――壁面彫刻から空間へ
- 《pink out of a corner》――Jasper Johnsへの献辞
- 《the nominal three》――反復とWilliam of Ockham
- 《monuments for V. Tatlin》――ユートピアへの仮設記念碑
- Minimalismとの関係
- 本人は「Minimalist」という分類を好まなかった
- 「彫刻」ではなくsituations
- barriers――作品が通路を塞ぐ
- 《greens crossing greens》――Mondrianに「なかった緑」
- corridors――見る人の動線を作る
- 献辞――無機質な作品に個人的記憶を入れる
- Matisseと色彩の系譜
- Barnett Newman――光の「zip」
- Dan Flavinの作品をどう見るか
- 主要作品
- 「temporary monuments」――永続性を疑う
- 作品証明書と設計図
- 蛍光管は交換してよいのか
- サイト・スペシフィックと再設置の矛盾
- Dia Art Foundationとの関係
- 1983年Dan Flavin Art Institute
- 1971／1992年Guggenheim――螺旋建築へ光を合わせる
- 日本美術収集――単純化できない趣味と関心
- 1980–90年代――初期原理を拡張する
- Chiesa Rossa――最後の計画
- 宗教的に見えるが、本人は神秘化を拒んだ
- Installation Artへの影響
- 2026年《Grids》――後期形式の再検証
- 2026年の現在地
- Dan Flavinは何を変えたのか
- 略年譜
- 参考資料・出典
生涯と制作の変遷
Dan Flavinは1933年、New York市QueensのJamaicaに生まれました。少年期にはカトリック教育を受け、十代には一時神学校で聖職者を目指しましたが、その道を離れます。1950年代半ばにはUnited States Air Forceに入り、韓国で勤務し、気象観測・気象学の訓練を受けました。除隊後New Yorkへ戻り、1956年にNew School for Social Research、1957～59年にColumbia Universityで美術史を学びます。
同時に美術館でguardやelevator operatorなどの仕事をし、American Museum of Natural History、Museum of Modern Art、Solomon R. Guggenheim MuseumなどNew Yorkの文化施設と接触しました。1961年Judson Galleryで最初の個展を開催し、同年から箱状の絵画へ電球や蛍光灯を組み込む《icons》を制作。1963年には市販蛍光灯だけを使う《the diagonal of May 25, 1963》へ到達します。その後は1996年の死まで、市販蛍光灯を限定された基本語彙として使い続けました。
1964年Green Galleryで蛍光灯作品を本格的に発表し、1967年Museum of Contemporary Art Chicago、1969年National Gallery of Canadaで重要な個展を開催。1971年Guggenheim Museumの建築へ対応した大規模作品を制作し、1974年設立のDia Art FoundationはFlavin作品を多数収集・委嘱しました。1983年にはBridgehamptonの旧消防署・教会を自ら改修してDan Flavin Art Instituteを開館。1992年にはGuggenheim Museum再開に際しrotunda全体へ作品を拡張しました。1996年11月29日Riverhead, New Yorkで死去。直前に設計したMilanoのSanta Maria Annunciata in Chiesa Rossaの光環境は翌1997年にFondazione Prada、Dia Center for the Arts、Estateの協力で完成しました。
カトリック教育と聖職者への道
Flavinは若い頃、カトリックの神学校へ進み、一時は聖職者になることを考えていました。この経歴は、初期シリーズが《icons》と呼ばれたことや、光を使う作品が宗教的・超越的に見えることから、しばしば制作の鍵として語られます。
しかし因果関係を単純化するのは危険です。SFMOMAが紹介するように、本人は自分の光を「spiritual presence」の表現として神秘化する解釈に抵抗しました。彼にとって蛍光灯はまず市販される具体的な工業製品でした。「光だから精神的」とする鑑賞をあえて地上へ引き戻し、器具、電源、壁、床という物質条件から作品を考えました。
むしろ興味深いのは、宗教的語彙を完全に捨てず、世俗的な工業製品へ移した点です。《icon》という神聖な像を示す言葉を、Masoniteの箱と市販電球へ与える。このずれには、敬意、皮肉、個人的記憶が同時にあります。
米空軍と韓国――気象観測を学ぶ
1950年代半ば、FlavinはU.S. Air Forceに勤務し、韓国へ派遣されました。SFMOMAは彼が軍でmeteorological trainingを受けたと記録し、Diaもmid-1950sにKoreaで勤務したことを確認しています。
この経験を後のlight artへ直接結びつける資料は十分ではありません。しかし、空、光、時間、測定可能な現象へ早い時期から接した経歴として興味深いものです。重要なのは、Flavinが神秘的な「光の天才」として突然出現したのではなく、軍務、美術史、美術館労働、素描、絵画という複数の経験を経て、1963年に非常に限定的な材料へ絞り込んだことです。
New Yorkへ戻る――美術史と美術館勤務
除隊後、FlavinはNew Yorkで美術史を学びました。New School for Social Researchで1956年、Columbia Universityで1957～59年に学び、美術館で働きながら作品を見続けます。Guggenheim Museumで同僚だったWard Jacksonには後に長い献辞を付した1971年の作品を制作しました。
美術館勤務は単なる生活費のための仕事ではありませんでした。展示室の壁、角、床、階段、照明器具を日常的に見る環境は、作品を「物」より「展示される状況」として考えることへつながります。Flavinが後に通常は作品が置かれない角や通路を積極的に使ったことは、美術館建築そのものを熟知していた経験と響き合います。
最初は素描と絵画から始まった
Flavinは光だけを制作した作家ではありません。生涯を通じてdrawingを続け、風景、海辺、制作設計図、献辞付きの図面を大量に残しました。2004年National Gallery of Artの回顧展も44点のlight installationに加え、96点のdrawings、sketches、collage-constructionsを展示しました。
これは重要です。蛍光灯作品が工業製品だけでできているからといって、artist’s handやdrawingが消滅したわけではありません。Flavinは事前に配置を描き、色と長さを記録し、certificateへdiagramを付けました。完成作では手仕事を見せない一方、構想と権利の根拠としてdrawingが残ります。
1961年《icons》――絵画に電球を付ける
1961年から63年頃に制作された《icons》は、後の蛍光灯作品へ移行する決定的なseriesです。Masoniteや木で作った四角い箱を単色に塗り、その側面・表面へincandescent bulbやfluorescent lightを取り付けました。Diaの2015年展示checklistには《icon I (the heart)》《icon II (the mystery)》《icon V (Coran’s Broadway Flesh)》《icon VII (via crucis)》《icon VIII》などが記録されています。
ここではまだ「絵画」があります。塗装された正方形の物体へ現実の電球が付くことで、描かれた光と実際の光、絵画と物体が同じ作品に存在します。1963年以降、Flavinは塗ったboxを不要と判断し、光源とfixtureだけを残しました。
なぜ「icon」と呼んだのか
Diaは《icons》という呼称について、FlavinのCatholic upbringingを考えれば意図的な選択だったと説明しています。しかし伝統的宗教iconとは異なり、作品は完全に非具象で、友人や知人、文化的人物への献辞が付きます。
つまりiconは「聖なる像」の再現ではなく、誰かの記憶へ捧げられる光る物体になります。工業製品と記念、世俗と宗教、冗談と追悼が一つの題名へ重なる構造は、その後のFlavin作品全体に続きます。
1963年《the diagonal》――一本だけで成立する
1963年5月25日に構想された《the diagonal of May 25, 1963》は、Flavinが初めてfluorescent fixtureだけで成立させた作品として美術史上重要です。八フィートの一本の蛍光灯を壁へ45度程度の角度で取り付ける。それだけで、壁面、光、影、床へ広がる反射までが作品へ変わります。
The Met所蔵のcool white版はRobert Rosenblumへ、最初のyellow版はConstantin Brancusiへ献呈されました。一本の既製品を使う決断は、制作技術を極端に削ります。しかし作品の経験は貧しくなりません。fixtureという線と、放射して境界を持たない光が同時に見えるため、物体と空間の関係が不安定になります。
Brancusiへの献辞――彫刻を減らして光へ
最初の《diagonal》がBrancusiへ献呈されたことは象徴的です。Brancusiは彫刻の形態を単純化し、台座と作品の関係を再考した20世紀彫刻の中心人物でした。Flavinはそこからさらに量塊を減らし、細いindustrial fixtureとradiated lightへ向かいます。
ただし、FlavinがBrancusiを「超えて彫刻を非物質化した」と単純に進歩史へ置くべきではありません。蛍光灯にはglass、metal、electricityという明確な物質があり、光は器具なしに存在しません。Flavinの革新は物質を消したのではなく、物体の周囲に生じる非固体のeffectsまで作品の範囲へ含めたことです。
ネオンではなく市販の蛍光灯
Flavin作品を「neon art」と呼ぶ例がありますが、技術的には重要な誤りです。neon tubingは通常、glass tubeを曲げ、内部へgasを封入して特注形状を作ります。Flavinが1963年以降に基本単位としたのは、店舗、事務所、工場でも使われるcommercially available straight fluorescent lampsとmetal fixturesでした。
SFMOMAによれば、彼はstandard colorとしてblue、green、pink、red、yellow、ultraviolet、そして複数種のwhiteを用い、長さも主に2、4、6、8 feetなど市販規格に従いました。artistが自由に「好きな色・好きな長さ」を作るのではなく、industryが提供する選択肢の中で構成します。
この条件がMinimalismと深く関係します。作者の手で一点物を加工するより、既製のunitを選び、反復し、配置する。芸術家の役割がfabricatorからselector／organizerへ変化します。
規格の制約を受け入れる
Flavinは制約を不自由として隠しませんでした。commercial lampの長さと色が有限であることをそのまま受け入れます。Guggenheimは《the nominal three》について、一、二、三本と増える基本unitの加算構造を、fluorescent tubeをbuilding blockとして使う例と説明しています。
この考えはDonald JuddやSol LeWittのserialityと同時代的です。ただしFlavinの場合、同じunitを繰り返しても光が周囲へ拡散するため、数学的に同一の反復が知覚的には同一になりません。壁の色、天井高、床材、隣のlampとの距離で見え方が変わります。
色は「塗る」のではなく空気で混ざる
Flavinにとってcolorはpaintingとの最も強い接点です。Guggenheim所蔵《untitled (to Henri Matisse)》ではpink、yellow、blue、greenというcommercial fluorescent colorsを縦に並べます。個々のtubeは異なる色ですが、周囲へ放射した光は壁面と空気中で混ざり、全体として意外なほどwhitishなglowを作ります。
絵具ならblueとyellowを混ぜれば物質的なgreenになりますが、colored lightは加法混色で異なる振る舞いをします。Flavinは「色を塗る」のではなく、色光同士の距離と反射を配置しました。この意味で彼の作品はpaintingを否定すると同時に、paintingが長く扱ってきたcolorとlightを現実空間へ外在化します。
角を使う――壁面彫刻から空間へ
1963年《pink out of a corner (to Jasper Johns)》は一本のpink fluorescent tubeをroom cornerへ垂直に置いた作品です。MoMAが指摘するように、cornerは通常作品を展示する中心ではなく、二つの壁が出会う「余白」です。
しかし発光するとcorner lineがpink lightに包まれ、建築上の境界が見えにくくなります。fixtureは角を示しながら、光は同時に角を消す。Flavinの作品は物体を置くことでspaceを占有するのではなく、既存建築の読み方を変更します。
《pink out of a corner》――Jasper Johnsへの献辞
題名のJasper Johnsは、flagやtargetなど既存記号を絵画へ持ち込み、表象と実物の境界を揺らした同時代artistです。Flavinもcommercial fixtureという「すでに存在するもの」をartへ移しますが、Duchamp的ready-madeを置くだけではなく、電源を入れて周囲のspaceを変えます。
献辞は作品解釈を一義的に決めません。pinkがJohnsの特定作品を象徴するわけではなく、Flavinは友人・同僚・先行作家との関係を題名の内部へ残しました。無表情なindustrial unitに人間関係のhistoryが付着します。
《the nominal three》――反復とWilliam of Ockham
《the nominal three (to William of Ockham)》（1963）は、一本、二本、三本という蛍光灯のgroupを一定間隔で並べる作品です。14世紀哲学者William of Ockhamへの献辞は、「必要以上に存在者を増やすべきではない」と後世に要約されたOckham’s razorを連想させます。
最少のunitから単純な加算規則だけで作品を作ることはMinimalismのserial logicに近い一方、実際のspaceでは三群の光が重なり、壁面に連続したfieldを作ります。構造は数えられるほど単純でも、知覚は連続的です。
《monuments for V. Tatlin》――ユートピアへの仮設記念碑
1964年から1990年までFlavinはVladimir Tatlinに捧げる《”monuments” for V. Tatlin》を39のconfigurationで制作しました。MoMA所蔵《”monument” 1》はcool white fluorescent lightsを階段状に垂直配置し、Tatlinの未実現《Monument to the Third International》を連想させます。
Tatlinの1919–20年計画は巨大なsteel-and-glass structureによって革命後社会の技術的未来を象徴しようとしました。Flavinはその壮大なutopian monumentを、hardware storeで買える蛍光灯へ縮小します。敬意と皮肉が同時にあります。
SFMOMAは、Flavinがこれらを「temporary monuments」と考えた点を強調しています。永遠性を期待されるmonumentを、寿命のある蛍光管で作る。Tatlinの未実現未来とFlavinの消耗する光が重なることで、「記念碑とは永続しなければならないのか」という問題が生まれます。
Minimalismとの関係
1960年代のFlavinはDonald Judd、Carl Andre、Robert Morris、Sol LeWittらとともにMinimalismの代表的artistとして美術史に位置づけられます。工業製品、単純なgeometric form、serial repetition、author’s touchの抑制、pedestalの拒否など共通点は明確です。
MoMAもMinimalismのmaterial historyにおいて、traditional fine-art materialではなくindustrial fabricationやcommercial materialsを採用した例としてFlavin《”monument” 1 for V. Tatlin》を挙げています。作品は「artistが何を手で作ったか」より、どのunitをどのrelationで配置したかへ重点を移します。
本人は「Minimalist」という分類を好まなかった
しかしWalker Art Centerが指摘するように、Flavin自身はMinimalistというlabelを積極的には受け入れませんでした。分類語は複数artistを理解するには便利ですが、Flavinの作品にはJuddのobjectとは異なるcolor、dedication、humor、architectureへの依存があります。
特に光は物体の境界から外へ広がるため、「minimal object」という理解だけでは不十分です。fixtureは単純でも、作品の知覚的範囲は部屋全体へ拡大します。最少のmaterialから最大限のenvironmental effectが生まれる逆説がFlavinの独自性です。
「彫刻」ではなくsituations
Flavinは自身のlight worksをsculptureと呼ぶより「situations」や「proposals」と呼ぶことを好みました。MoMAは1969年《untitled》の解説で、physical fluorescent tubingとilluminated surroundingsとのrelationshipから成立するsituationsとして彼が考えていたことを紹介しています。
この言葉を使うと作品の境界が変わります。fixtureだけを写真で切り抜けば作品の半分しか記録できません。壁に落ちるcolor、隣の部屋から見えるglow、観客が通れるかどうか、角度によってtubeが隠れることまで含めて一つのsituationです。
barriers――作品が通路を塞ぐ
1960年代半ば以降、Flavinはfluorescent fixturesをroomの端から端へ伸ばし、実際にviewerのmovementを制限するbarrierを制作します。それまで彫刻は観客が周囲を自由に歩ける物体であることが多かったのに対し、Flavinのbarrierは進路そのものを変えます。
光は非物質的に見えますが、fixtureは物理的に通路を塞ぎます。「immaterial light art」という印象と「入れない」という身体的事実が同時に存在します。この矛盾がbarrier作品の強さです。
《greens crossing greens》――Mondrianに「なかった緑」
1966年《greens crossing greens (to Piet Mondrian who lacked green)》は二本の長いgreen fluorescent barrierを異なる高さで交差させる作品です。Guggenheim資料に残るFlavin自身の記述では、greenを広範囲で明るく、同時にtotal barrierとして柔らかい色と考えていました。
題名はMondrianへの敬意と冗談を同時に含みます。Mondrianはred、blue、yellowを中心としたNeo-Plasticismで知られ、greenを避けました。Flavinはその画家へ、空間全体をgreenに染める作品を捧げます。painting historyがwallからroomへ移されます。
さらにbarriersが交差するためviewerはgalleryを通常どおり通過できません。Guggenheimは、museum experienceをliteralに侵入・反転させる作品と説明しています。見る人の身体がcolor compositionの外部にいられなくなります。
corridors――見る人の動線を作る
Flavinはbarrierからさらに、corridorやpassageを作るinstallationへ進みました。fluorescent lightを平行な壁や仕切りに取り付け、viewerが狭い空間を進むことで、光の色と強度が時間的に変化します。
LACMAの2004–07 retrospectiveでは、E.F. Hauserman Co. showroomのために制作されたcorridorsを再構成しました。これはFlavinが「空間に作品を置く」のではなく、作品によって空間そのものを設計していたことを示します。
後のinstallation artで一般化する「観客が作品の内部を歩く」という経験を、Flavinは1960年代からcommercial fluorescent unitsだけで作っていました。
献辞――無機質な作品に個人的記憶を入れる
Flavin作品のtitleには頻繁に括弧付きのdedicationがあります。Brancusi、Matisse、Mondrian、Tatlin、Barnett Newman、Jasper Johns、Sol LeWitt、Heiner Friedrich、Ward Jackson、家族、友人、愛犬まで、対象は幅広いものです。
これはMinimalismを「個人的感情を排除した無名的art」と説明する時に重要な例外です。fixtureはmass-producedで、configurationもsimpleですが、titleは極端にspecificです。作品自体を見ただけでは分からないpersonal historyが言葉として付加されます。
そのためFlavinのartは冷たいindustrial abstractionとpersonal memorialの間にあります。献辞は作品を伝記的symbolへ還元しない一方、完全なanonymityも拒みます。
Matisseと色彩の系譜
1964年《untitled (to Henri Matisse)》は、pink、yellow、blue、greenを一つのvertical fixtureへ並べた作品です。Guggenheimは、このdedicationがFlavin自身をpaintingとcolorのhistorical lineageへ位置づけようとする意識を示すと説明しています。
Matisseはpigmentのcolor relationを平面で操作しました。Flavinは同じ問題をcolored lightとしてreal spaceへ移します。paintingを捨てたartistが、paintingの偉大なcoloristへ献辞を付けることは、拒絶より継承を示します。
Barnett Newman――光の「zip」
FlavinはBarnett Newmanと交流し、1970年には《untitled (to Barnett Newman to commemorate his simple problem, red, yellow and blue)》を制作しました。NGA所蔵作はred、yellow、blueの八フィートfixture六本でcornerを構成します。
Newmanのpaintingでは巨大なcolor fieldをvertical zipが分割しました。The MetもFlavinのvertical spans of lightとNewmanのzipの関係を指摘しています。Flavinはcanvas内のvertical lineをactual fluorescent fixtureへ変え、color fieldをwall、ceiling、floorへ放射します。
一方、題名の「simple problem」は冗談めいており、敬意を過剰なhero worshipへしません。Flavinのhistorical dedicationには常にrespectとironyの両方があります。
Dan Flavinの作品をどう見るか
第一に、蛍光灯の形だけでなく、周囲の壁を見ることです。fixtureの外側に広がるcolored haloこそ作品の大部分を占めます。第二に、数歩移動してください。隣のcolorとのmixing、fixtureの裏側、cornerの消え方が変化します。
第三に、lampの長さと色が市販規格であることを意識してください。artistが自由形を造形したのではなく、既存catalogueから選択しています。第四に、titleのdedicationを確認してください。見た目だけならanonymousなworkに、特定人物とのhistorical relationが追加されます。
第五に、光を自動的に「spiritual」と読まないことです。Flavin自身はlightをmatter-of-factなinstrumentとして強調しました。ただし、viewerが宗教的・崇高な感覚を持つことまで作品が禁止するわけではありません。その矛盾を残す方がFlavinに近い見方です。
第六に、photographだけで作品を理解しないことです。cameraは光の露出とwhite balanceを変え、実際の色混合、眼のadaptation、歩行時の変化を正確には記録できません。Flavinは実物のspaceで経験されることを前提とするartistです。
主要作品
塗装されたboxへ光源を組み込んだ《icons》から、一本の蛍光灯、《corners》《monuments》《barriers》、建築全体へ応答するGuggenheimとChiesa Rossaまで、市販規格の蛍光灯という極端に限定された材料が、色・空間・観客の動線をどこまで変えられるかを示す12点を選びました。
アイコン VII（十字架の道）
icon VII (via crucis) / 1962–1964 / アクリル、Masonite、昼光色蛍光灯 / Dia Art Foundation公式作品記録参照
Dia Art Foundation
塗装されたboxと実際の光源を一体化した《icons》seriesの一作。絵画へ光を付加する段階から、1963年以降の蛍光灯だけによる作品へ移る重要な過渡期を示します。
1963年5月25日の対角線
The Diagonal of May 25, 1963 (To Robert Rosenblum) / 1963 / 金属、ガラス、蛍光灯 / 10 × 9.4 × 246.5 cm
The Metropolitan Museum of Art, New York
蛍光灯だけで成立するFlavin最初期の基準作。一本の8-foot tubeを壁へ斜めに置き、fixtureと周囲へ放射する光の双方を作品へしました。
角から出るピンク（ジャスパー・ジョーンズへ）
pink out of a corner (to Jasper Johns) / 1963 / 蛍光灯、金属製器具 / 約244 cm高
The Museum of Modern Art, New York
通常は展示の余白であるroom cornerへ一本のpink tubeを垂直配置。光が二面の壁へ広がり、角を示すと同時に視覚的には消してしまいます。
名目的な三（ウィリアム・オブ・オッカムへ）
the nominal three (to William of Ockham) / 1963 / 昼光色蛍光灯、金属製器具 / 8-foot規格の蛍光灯を1本・2本・3本の三群として配置
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Panza Collection
一本、二本、三本とunitを加算する単純なserial structure。William of Ockhamへの献辞とともに、最少の要素から知覚的な光のfieldを作ります。
無題（アンリ・マティスへ）
untitled (to Henri Matisse) / 1964 / ピンク、黄、青、緑の蛍光灯 / 244 cm高
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
commercial fluorescent lightの主要四色を縦に並べた作品。Matisseへの献辞によって、Flavinが自らのlight artをpaintingの色彩史とも接続していたことが分かります。
V・タトリンのための「記念碑」1
"monument" 1 for V. Tatlin / 1964 / 蛍光灯、金属製器具 / 243.8 × 58.7 × 10.8 cm
The Museum of Modern Art, New York
1964–90年に39のconfigurationへ発展したTatlin series最初の作品。未実現の革命的巨大建築を、市販のcool-white fluorescent lightsによる「temporary monument」へ置き換えました。
緑と緑の交差（緑を欠いたピート・モンドリアンへ）
greens crossing greens (to Piet Mondrian who lacked green) / 1966 / 緑色蛍光灯 / 第1部122 cm高 × 610 cm幅／第2部61 cm高 × 670 cm幅
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Panza Collection
二本のgreen-light barrierを異なる高さで交差させ、galleryを実際に横断できなくする作品。Mondrianへの敬意と冗談、painting historyとviewer movementを同時に扱います。
無題（親愛なる不屈のソルへ、スティーヴン、ソニア、ダンから）2
untitled (to dear, durable Sol from Stephen, Sonja and Dan) two / 1966/1969 / cool white、daylight蛍光灯、器具 / 243.8 × 243.8 × 20.3 cm
Walker Art Center, Minneapolis
Sol LeWittへ捧げたcorner work。白色系でも異なる種類の蛍光灯を組み合わせ、同じ「白」が周囲の壁で別の色味へ感じられることを示します。
無題（バーネット・ニューマンへ――赤、黄、青という彼の単純な問題を記念して）
untitled (to Barnett Newman to commemorate his simple problem, red, yellow and blue) / 1970 / 赤、黄、青の蛍光灯 / 365.8 × 243.8 cm
National Gallery of Art, Washington, D.C.
Barnett Newmanの色面とvertical zipを、実際のcolored lightとcorner architectureへ移したような作品。六本の8-foot fixtureが壁・床・天井へ色を放射します。
無題（ウォード・ジャクソンへ）
untitled (to Ward Jackson, an old friend and colleague who, during the Fall of 1957 when I finally returned to New York from Washington and joined him to work together in this museum, kindly communicated) / 1971 / daylight、ピンク、黄、緑、青の蛍光灯 / 2-footおよび8-foot規格器具、設置寸法は建築に応じる
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Frank Lloyd Wrightのspiral rampへ合わせて設計されたsite-responsive installation。1992年にはrotunda全体へ拡張され、建築そのものを作品の構成要素にしました。
無題（レオへ、彼のギャラリー30周年を記念して）
untitled (in honor of Leo at the 30th anniversary of his gallery) / 1987 / 赤、ピンク、黄、青、緑の蛍光灯 / 243.8 × 243.8 cm
San Francisco Museum of Modern Art
Leo Castelli Galleryの30周年に捧げたsquare configuration。初期の限定的なunit vocabularyを維持しながら、晩年には複数色を高密度で組織する方向へ発展したことを示します。
無題（サンタ・マリア・アヌンチアータ・イン・キエーザ・ロッサ）
Untitled, Santa Maria Annunciata in Chiesa Rossa / 1996（1997年実現） / 緑、青、ピンク、golden、紫外線の蛍光灯によるサイト・スペシフィック・インスタレーション / 教会建築全体に応じる、サイズ可変
Santa Maria Annunciata in Chiesa Rossa, Milan / Fondazione Prada
Flavin最後の設計の一つ。死後1997年にFondazione Prada、Dia Center for the Arts、Estateが実現し、nave、transept、apseを異なる色光で満たす恒久作品として現在も公開されています。
「temporary monuments」――永続性を疑う
Flavinが《monuments for V. Tatlin》を「temporary monuments」と呼んだことは、作品の保存を考えるうえでも重要です。traditional monumentはbronzeやstoneで永続性を求めますが、fluorescent lampは必ずburn outします。glassは割れ、ballastやfixtureの規格も変わり、メーカーは製品を廃止します。
National Galleryの教育資料は、Flavin自身がburnt-out bulbsを大きな問題とは考えず、作品をpermanent objectとはみなしていなかったこと、museumでは所有を示すdiagram／certificateに従ってlampを管理していることを説明しています。作品のidentityは「1963年にartistが触れた同じ一本のtube」が残ることではありません。
この考えはtraditional conservationと緊張します。絵画ならoriginal pigmentやcanvasを可能な限り保存しますが、Flavinでは消耗品を交換しなければ作品を点灯できません。保存とはoriginal materialを固定することではなく、authorized configuration、color、fixture、spatial relationshipを将来へ伝えることになります。
作品証明書と設計図
Flavinは1970年頃からgraph paper上のdiagram、typed description、embossed seal、signatureなどを持つcertificateを使用しました。Guggenheim Panza Collection Initiativeには《the nominal three》などのcertificateが保存され、workのedition、lamp type、配置を確認できます。
このcertificateは所有証明であると同時に、作品を将来再構成するinstructionsでもあります。光作品ではphysical tubeが交換されるため、documentが作品のcontinuityを支える役割はtraditional sculptureより大きくなります。
Sol LeWittのwall drawingsなどConceptual Artにも、instructionとcertificateが作品を持続させる例があります。Flavinはvisual effectが非常にsensuousである一方、その存在をlegal／technical documentが支えるという二重構造を持ちます。
蛍光管は交換してよいのか
現在、Flavin作品の保存で最も現実的な問題の一つがfluorescent lampsの入手です。David Zwirner／Estate of Dan Flavinは2025年現在もconservation and lamp replacement専用窓口を設けており、作品のlamp交換が継続的な専門業務になっていることが分かります。
重要なのは、単に同じ長さのLED tubeへ替えればよいわけではないことです。fluorescent lampは色温度、蛍光体、発光面、fixtureの見え方、startup behaviorまで作品のappearanceへ関わります。GuggenheimのPanza Collection Initiativeもhistoric fixtures、replacement、medium obsolescence、color variationをFlavin conservationの主要問題として研究してきました。
Flavin作品は工業製品を使ったため「交換可能で保存しやすい」と思われがちですが、逆です。市販品は市場から消えるため、特定時代のcommercial standardを維持することが難しくなります。大量生産品が美術館へ入ると、やがて希少なhistorical materialへ変わるという逆説があります。
サイト・スペシフィックと再設置の矛盾
Flavin作品には特定のcorner、wall length、corridorへ合わせて構想されたものがあります。一方、多くはcertificateとparametersに基づき別会場で再installationできます。つまりsite-specificでありながらportableでもあります。
《greens crossing greens》ではbarrierのlengthをwall boundariesに応じて変えられるとFlavin自身が記述しました。configurationの原理は固定される一方、実寸はarchitectureへ適応します。作品はoriginal siteのrelicではなく、規則と現場の交渉として再成立します。
この柔軟性は「site-specific＝一度移動したら作品でなくなる」という後世の定義とは異なります。Flavinのsituational practiceでは、場所ごとの違いが作品の失敗ではなく、作品が再び現在形になる条件です。
Dia Art Foundationとの関係
1974年に設立されたDia Art FoundationはFlavinのlate careerを支える中心機関となりました。Diaは約50点の作品を取得し、Grand Central Station、Marfa、Chelseaなどでsite-specific commissionを支援し、Bridgehamptonに永久展示施設を設けました。
Diaのmission自体が、通常のmuseumの期間・規模制限を越えてartistがambitious projectsを実現できる長期支援を目的としています。Flavinのようにarchitectureと長期間関係する作品には特に適した制度でした。
2004年にはDiaとNational Gallery of Artが共同で初のcomprehensive retrospectiveを組織し、catalogue raisonné《Dan Flavin: The Complete Lights》を刊行しました。現在のFlavin研究のchronologyと作品同定は、このprojectを大きな基盤としています。
1983年Dan Flavin Art Institute
1983年、DiaはLong IslandのBridgehamptonにDan Flavin Art Institute、現在のDia Bridgehamptonを開設しました。建物は20世紀初頭のShingle-style firehouseとして建てられ、後にBaptist churchとして使われたものです。Flavin自身が改修へ深く関わり、vestibuleと二階galleryに自作を恒久設置しました。
現在も二階には1963–81年の九作品からなるpermanent installationが維持されています。Diaは、Flavinがarchitectureとsculpturesを一つのunified ensembleとして設計したと説明しています。単に代表作九点を集めたmuseum roomではなく、窓、壁、通路、光の順序まで一体化した作品です。
興味深いのは一階をtemporary exhibitionsとprintshopに使う構想だったことです。Flavinは自分のmemorial museumだけを作ったのではなく、他artistsが継続的に展示する場所を考えました。2026年現在もDia Bridgehamptonはtemporary commissionを続けながらFlavinの永久展示を維持しています。
1971／1992年Guggenheim――螺旋建築へ光を合わせる
1971年、FlavinはSolomon R. Guggenheim MuseumのFrank Lloyd Wrightによる螺旋状architectureへ《untitled (to Ward Jackson…)》を設計しました。Guggenheimによれば、当初はramp一周分を占め、建物の変化する寸法へ「critically fitted」するよう構想されています。
1992年のmuseum reopeningでは、この作品をrotunda全体へ拡張し、婚約者Tracy Harrisへ捧げた新しいpink light installationと組み合わせました。通常、Guggenheimのcurved rampは作品展示を難しくする特殊建築ですが、Flavinにとっては建物そのものがcompositionの条件になります。
ここではfixtureを「見る」より、museumを歩く間に光がどこから現れ、別floorへどう漏れるかが作品になります。architectureが額縁ではなくmediumへ近づきます。
日本美術収集――単純化できない趣味と関心
Flavinは1980年代にEdo-periodのJapanese drawings and printsを収集し、Hokusai、Kuniyoshi、Hiroshigeらの作品を所有しました。Diaは1995年Dan Flavin Art Instituteで、そのprivate collectionを展示しています。
これを蛍光灯作品の直接的な「日本美術の影響」と断定する資料はありません。しかし、Flavinがindustrial American Minimalismだけに関心を限定していなかったことは重要です。drawing、historical art、landscape、print cultureへの広い関心があり、自身も海岸風景などの素描を生涯続けました。
Minimalismを「歴史や趣味を切断した無機質な運動」と考えると、こうしたcollectionやdedicationsが見えなくなります。Flavinのsimple formal vocabularyの背後には非常に広いart-historical memoryがありました。
1980–90年代――初期原理を拡張する
Flavinは1963年以降、基本materialを大きく変えませんでした。そのため「一本の蛍光灯を発見した後、同じことを繰り返した」と見えることがあります。しかしlate workではgrid、architectural frame、大規模seriesが発展し、単体fixtureから建築全体へscaleが拡大します。
1987年《untitled (in honor of Leo at the 30th anniversary of his gallery)》ではred、pink、yellow、blue、greenを96×96 inchesのsquare compositionへ集めます。1995年The Met所蔵《Untitled》ではpink、red、greenのhorizontal stackingによって、paintingのcolored bandsをreal lightへ置き換えたような構成になります。
material vocabularyが一定だからこそ、configuration、architecture、dedication、color mixingの差が際立ちます。同じtubeを使い続けることがstyleの停滞ではなく、限定されたsystem内でvariationを作る長期実験になりました。
Chiesa Rossa――最後の計画
1996年、Milanoの司祭Giulio Grecoの依頼でFlavinはSanta Maria Annunciata in Chiesa Rossaの改修に合わせたsite-specific light workを設計しました。Giovanni Muzioが1930年代に設計したchurchのnave、transept、apseを異なるcolored fluorescent lightで満たす計画です。
Flavinは完成を見る前の1996年11月に死去し、Fondazione PradaがDia Center for the ArtsとEstateの協力で1997年に実現しました。現在もpermanent installationとして維持されています。Fondazione Pradaによればgreen、blue、pink、golden、ultraviolet lightがchurch interiorのsole source of illuminationとなり、入口から内部へnight―dawn―dayのようなchromatic progressionを作ります。
一本のwall fixtureから始まったcareerが、最終的には建築全体のilluminationへ至ったことは象徴的です。同時に、若い時にpriesthoodを離れたartistが最後にchurchの光を設計するというbiographical symmetryもあります。
宗教的に見えるが、本人は神秘化を拒んだ
Chiesa Rossa、icons、radiant lightという要素だけを並べれば、Flavinを宗教的light artistとして説明したくなります。Fondazione Pradaもchurch installationをmetaphysicalなdimensionを持つ作品として紹介します。しかしartist自身はlightをoverwhelming spiritualityへ結びつける解釈を拒みました。
この矛盾をどちらか一方へ解消しないことが重要です。作者が神秘性を否定しても、historical churchでcolored lightを経験するviewerが宗教的感覚を持つ可能性はあります。作品は作者の意図だけで完成せず、siteのhistoryとviewer’s experienceによって別の意味を持ちます。
Flavinの強さは、工業製品のplain factと、そこから生じるほとんど超越的なvisual effectを同時に保ったことです。「ただの蛍光灯」と「空間全体を変える光」のどちらも正しく、その間を往復することが鑑賞になります。
Installation Artへの影響
SFMOMAは、Flavinがradiated lightを作品の一部にしたことで、後のexperience-oriented installation artの重要な先例を作ったと説明しています。LACMAのMichael Govanも、Flavinを現在installation artと呼ばれる形式のinventorsの一人として位置づけました。
これは「light art」というgenreを作ったという意味だけではありません。Olafur EliassonやJames Turrellのような後続artistとmaterialは異なっても、作品が独立objectではなくviewerのperceptionとarchitectureを組織するという考えは共通します。
またFred Sandbackの糸、Richard Serraのsteel、Robert Irwinのspace interventionsなど、1960–70年代以降のartは「何が置かれているか」だけでなく「その場所で身体がどう動くか」を重視するようになります。Flavinはcommercial fluorescent lightによって、その転換を非常に早い段階で示しました。
2026年《Grids》――後期形式の再検証
2026年1月15日から2月21日までDavid Zwirner New Yorkで《Dan Flavin: Grids》が開催されました。1976年から始めたgrid worksだけを集中的に検証する初の展覧会で、artist lifetimeの重要なinstallation方法を再現し、public collectionsとEstateから作品を集めました。
5月28日から9月12日にはHong Kongへ巡回し、FlavinにとってGreater China初のsolo exhibitionとなりました。Gridsではvertical／horizontal fluorescent fixturesがregular matrixを作り、初期《diagonal》の一本のlineから大きくscaleを変えながら、commercial unitの反復という原理は変わりません。
この展覧会はlate Flavinを単なる「複雑化」としてではなく、gridが壁面、光の密度、color mixing、viewerのdistanceをどのように再編するかに注目しました。2026年の再評価では、1963年のorigin storyだけでなく1970年代以降のsystematic developmentへ関心が移っています。
2026年の現在地
資料確認日2026年10月4日現在、ParisのDavid Zwirnerでは《Au 108 rue Vieille du Temple: A Shared Legacy with Galerie Yvon Lambert》が9月8日から10月10日まで開催中で、FlavinもCarl Andre、Sol LeWitt、Robert Ryman、Fred Sandbackらとともに展示されています。これは1970年代以降European gallery networkがAmerican Minimal／Conceptual artを受容した歴史を振り返る文脈です。
またGuggenheim Museum Bilbaoは2026年11月12日から2027年4月4日まで、Solomon R. Guggenheim Museum所蔵品を中心とする《Dan Flavin》展を予定しています。early worksを重点に1960～80年代を紹介し、《greens crossing greens》などPanza Collectionの代表作を展示する計画です。資料確認日の時点では開幕前の展覧会です。
さらにDia Bridgehamptonの九作品は2026年現在もpermanent installationとして維持され、MilanoのChiesa RossaもFondazione Pradaの支援で公開が続きます。Flavinの場合、回顧展による再評価だけでなく、本人が設計したpermanent situationsが現在も同じarchitectureで稼働していることが特別です。
同時に、蛍光灯規格の変化とlamp replacementは今後さらに重要になります。Estateがconservation窓口を継続し、GuggenheimがPanza Collection Initiativeでobsolete mediumとreplacementを研究していることは、Flavin作品が「市販品だから誰でも簡単に再現できる」のではなく、作品固有の技術情報とauthorizationによって維持されることを示します。
Dan Flavinは何を変えたのか
第一に、彫刻の境界を物体から周囲の空間へ拡張しました。蛍光灯という細いfixtureだけでなく、壁、床、天井へ広がるradiated lightを作品の一部にしました。
第二に、colorを物体表面から解放しました。色をpigmentとして塗るのではなく、光として空間へ放射し、隣接する色とviewerの眼の中で混ざるものへ変えました。
第三に、gallery architectureをneutral backgroundではなくmediumにしました。corner、corridor、barrier、stairwell、windowを使うことで、展示室そのものがcompositionになります。
第四に、industrial ready-madeとsite-specificityを同時に成立させました。同じcommercial lampを使いながら、それぞれのroom dimensionsへ作品を適応させます。大量生産品と一回的な場所が矛盾せず共存します。
第五に、artist’s handを抑えながらpersonal dedicationを残しました。見た目はanonymousでもtitleは友人、家族、先行artistへの非常にspecificな記憶を持ちます。Minimalismの「非個人的」イメージを内部から複雑にしました。
第六に、永続するart objectという前提を揺らしました。burn outするlampを使い、「temporary monument」と呼び、certificateとinstructionによって作品を再構成できるものにしました。現代美術保存の考え方そのものへ影響する問題です。
第七に、viewerのmovementを構成しました。barrierで通路を塞ぎ、corridorへ身体を導き、別室からglowを見せることで、作品を見る行為を静止した正面鑑賞から時間的経験へ変えました。
第八に、painting、sculpture、architectureの歴史を一つのmaterialへ接続しました。Matisseのcolor、Newmanのzip、TatlinのConstructivism、Mondrianのgeometryを引用しながら、蛍光灯という1960年代の日常物へ翻訳しました。
そして最も重要なのは、Flavinが「光そのものを芸術にした」こと以上に、作品を物体として完結させる考えを弱めたことです。一本のtubeを点灯すると、作品はfixtureの外へ漏れ、所有しているwallの範囲を越え、viewerの皮膚や隣の作品まで染めます。どこからどこまでが作品なのかを正確に線引きできません。それにもかかわらず、構成はstandard lampの数、色、長さ、位置という非常に具体的な条件で厳密に決まっています。物質的に明快でありながら境界だけが消えていく。この「具体性と拡散」の同居によって、FlavinはMinimalismを単なる削減の美学から、空間と知覚を組み替える実践へ押し広げました。
略年譜
- 1933
- New York市QueensのJamaicaに生まれる。
- 1940年代後半–50年代初頭
- カトリック教育を受け、一時神学校で聖職者を目指すが離れる。
- 1950年代半ば
- United States Air Forceに勤務しKoreaへ派遣。気象学・気象観測の訓練を受ける。
- 1956
- New School for Social Researchで美術史を学ぶ。
- 1957–59
- Columbia Universityでdrawing、painting、美術史を学ぶ。New Yorkの美術館でguard、elevator operatorなどとして働く。
- 1961
- Judson Galleryで最初の個展。同年、painted boxへ電球を取り付ける《icons》seriesを開始。
- 1962–63
- 《icon》seriesを発展。incandescent bulbsとfluorescent lightを絵画的boxへ組み込む。
- 1963
- 《the diagonal of May 25, 1963 (to Constantin Brancusi)》を構想・制作。以後commercial fluorescent lampsを制作の基本materialとする。《pink out of a corner》《the nominal three》など。
- 1964
- Green Galleryでfluorescent-light worksを本格発表。《”monument” 1 for V. Tatlin》《untitled (to Henri Matisse)》などを制作。
- 1966
- 《greens crossing greens (to Piet Mondrian who lacked green)》。barrierがviewerの通路を直接遮るsite-responsive workを展開。
- 1967
- Museum of Contemporary Art Chicagoで重要な個展。Flavinのlight situationsが美術館規模で紹介される。
- 1968–69
- corners、barriers、複合configurationを拡張。《untitled (to Dorothy and Roy Lichtenstein…)》など。
- 1969
- National Gallery of Canada, Ottawaで大規模展。《monuments for V. Tatlin》seriesを継続。
- 1970
- 《untitled (to Barnett Newman to commemorate his simple problem, red, yellow and blue)》を制作。
- 1971
- Solomon R. Guggenheim Museumのspiral architectureへ《untitled (to Ward Jackson…)》を制作。
- 1972–73
- Jan and Ron Greenberg、Heiner Friedrichらへのdedication works。cornerとarchitectural fitをさらに複雑化。
- 1974
- Dia Art Foundation設立。以後Flavinのlarge-scale／site-specific projectsを長期的に支援。
- 1976
- grid configurationを本格的に開始。後に2026年のfocused exhibitionで再検証される重要seriesとなる。
- 1983
- Bridgehamptonの旧firehouse／Baptist churchを改修しDan Flavin Art Instituteを開館。自身が設計した九作品のpermanent installationを設置。
- 1980年代
- Edo-periodのJapanese drawings and printsを収集。gridやlarge architectural installationを継続。
- 1989
- Staatliche Kunsthalle Baden-Badenで大規模展。
- 1992
- Solomon R. Guggenheim Museum再開に合わせ、1971年作品をrotunda全体へ拡張し、新たなpink-light workと統合。
- 1995
- Guggenheim SoHoなどで大規模展示。《Untitled》など晩年のcolor configurationsを制作。Bridgehamptonで自身のJapanese art collectionを公開。
- 1996
- Santa Maria Annunciata in Chiesa Rossa, Milanoのpermanent light installationを設計。11月29日Riverhead, New Yorkで死去。
- 1997
- Fondazione Prada、Dia Center for the Arts、Estateが協力しChiesa Rossa作品をposthumously完成。現在もpermanent installationとして公開。
- 2004–07
- Dia Art FoundationとNational Gallery of Artによる初のcomprehensive retrospectiveがWashington、Fort Worth、Chicago、London、Paris、Los Angelesなどへ巡回。catalogue raisonné《Dan Flavin: The Complete Lights》刊行。
- 2026
- 1–2月David Zwirner New York《Dan Flavin: Grids》。5–9月Hong Kongへ巡回しGreater China初のsolo presentation。10月4日現在Parisの《Au 108 rue Vieille du Temple》に出品中。11月12日から2027年4月4日までGuggenheim Museum Bilbaoで所蔵品による《Dan Flavin》展を予定。
参考資料・出典
本ページはDia Art Foundation、The Museum of Modern Art、The Metropolitan Museum of Art、National Gallery of Art、Solomon R. Guggenheim Museum／Guggenheim Bilbao、San Francisco Museum of Modern Art、Walker Art Center、Bayerische Staatsgemäldesammlungen／Pinakothek der Moderne、Fondazione Prada、David Zwirner／Estate of Dan Flavin等の美術館・財団・作家Estate資料を中心に参照し、ART LIBRARYが独自に構成・執筆しました。一般に「ネオン」と呼ばれる場合がありますが、1963年以降の主要作品の基本materialはcommercially available fluorescent lamps and fixturesであるため、本記事では原則として「蛍光灯」と記載しています。またFlavin自身が作品をsculptureより「situations」「proposals」と呼んだ点、spiritual interpretationを拒む発言とCatholic／icon／churchという経歴・作品の緊張関係、certificate・lamp replacement・medium obsolescenceなど保存上の問題を区別して記述しています。2026年の展示情報は資料確認日10月4日時点で、Guggenheim Bilbao展は開幕前の予定として扱っています。
- Dia Art Foundation — Dan Flavin / artist biography and works
- Dia Art Foundation — Dia Bridgehampton / Dan Flavin Art Institute
- Dia Art Foundation — Dan Flavin: (1962/63, 1970, 1996)
- Dia Art Foundation — Dan Flavin: icons
- The Museum of Modern Art — Dan Flavin
- The Museum of Modern Art — pink out of a corner (to Jasper Johns)
- The Museum of Modern Art — “monument” 1 for V. Tatlin
- The Metropolitan Museum of Art — The Diagonal of May 25, 1963
- The Metropolitan Museum of Art — Untitled, 1995
- National Gallery of Art — Dan Flavin
- National Gallery of Art — untitled (to Barnett Newman…)
- National Gallery of Art — Dan Flavin: A Retrospective
- Solomon R. Guggenheim Museum — untitled (to Henri Matisse)
- Solomon R. Guggenheim Museum — untitled (to Ward Jackson…)
- Guggenheim Panza Collection Initiative — greens crossing greens artwork history
- San Francisco Museum of Modern Art — Dan Flavin
- SFMOMA — untitled (to Dorothy and Roy Lichtenstein…)
- Walker Art Center — untitled (to dear, durable Sol…) two
- Pinakothek der Moderne — untitled (to you, Heiner, with admiration and affection)
- Fondazione Prada — Dan Flavin at Chiesa Rossa
- David Zwirner — Dan Flavin: Grids, New York, 2026
- David Zwirner — Dan Flavin: Grids, Hong Kong, 2026
- David Zwirner / Estate of Dan Flavin — Conservation and lamp replacement
- Guggenheim Museum Bilbao — Dan Flavin, 2026–2027
資料確認日：2026年10月4日 ／ ART LIBRARY